藝術設計造型與美學研究 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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鬍佳，關曉娜，梁爽 著

圖書標籤:

• 藝術設計
• 造型藝術
• 美學
• 設計原理
• 視覺傳達
• 藝術史
• 設計美學
• 創意設計
• 藝術理論
• 審美學

店鋪： 妙語書言圖書專營店

齣版社： 中國水利水電齣版社

ISBN：9787517018575

商品編碼：29856406577

包裝：平裝

齣版時間：2014-06-01

基本信息

書名：藝術設計造型與美學研究

定價：62.00元

作者：鬍佳,關曉娜,梁爽

齣版社：中國水利水電齣版社

齣版日期：2014-06-01

ISBN：9787517018575

字數：

頁碼：274

版次：1

裝幀：平裝

開本：16開

商品重量：0.4kg

編輯推薦

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內容提要

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《藝術設計造型與美學研究》以藝術設計造型為基礎，對其中的形態構成、字體設計、圖形設計、色彩設計分彆進行論述，然後結閤藝術設計美學對審美的本質、形式美的規律、審美文化等方麵展開探討，以此來提高造型設計師的創造力、審美觀等綜閤素質，並且能運用造型知識、形式美原則等方麵的知識來服務於藝術設計編排等實踐活動，所以《藝術設計造型與美學研究》除瞭藝術設計造型中的字體運用、圖形運用、色彩運用以外，還增加瞭藝術設計編排的實踐內容。

目錄

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章 藝術設計的形態構成
節 形態的概念與分類
第二節 形態的基本構成要素
第三節 平麵構成與立體構成

第二章 藝術造型中的字體設計
節 字體設計概述
第二節 字體設計的錶現手法
第三節 中外字體設計
第四節 字體在藝術設計中的應用

第三章 藝術造型中的圖形設計
節 圖形設計概述
第二節 圖形的設計與創造
第三節 圖形設計的錶達方法
第四節 圖形在藝術設計中的應用

第四章 藝術造型中的色彩設計
節 色彩設計概述
第二節 設計色彩的對比與調和
第三節 藝術設計中色彩的錶現手法
第四節 色彩在藝術設計中的應用

第五章 藝術設計的編排
節 編排設計概述
第二節 編排設計的構成要素
第三節 編排設計的原則
第四節 編排設計流程
第五節 編排設計的實際應用

第六章 藝術設計審美本質論
節 藝術設計審美的性質與意義
第二節 藝術設計的審美心理
第三節 藝術設計審美的評判標準

第七章 藝術設計中形式美的規律
節 形式美的要素
第二節 形式美的錶現

第八章 現代設計與審美文化
節 現代設計的美學觀念
第二節 現代設計的審美文化內涵
第三節 現代藝術設計與審美消費文化
參考文獻

作者介紹

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文摘

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序言

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《光影流轉：西方繪畫史上的色彩與形式探索》 本書旨在深入剖析西方繪畫史中，色彩與形式這兩個核心要素如何隨著時代變遷、社會思潮和藝術傢個人風格而演變，並最終形塑齣各具時代印記的藝術麵貌。我們將不再關注造型的具象呈現或純粹的美學理論，而是聚焦於藝術傢們如何在畫布上駕馭光綫、調度色彩，以及如何以獨特的筆觸和構圖來構建視覺空間，從而賦予作品生命與情感。 第一章：古希臘與古羅馬的色彩意識——對自然的初步摹寫與理想化的曙光 在西方繪畫的濫觴時期，色彩的應用尚顯稚嫩，但已能窺見其作為錶達手段的潛力。盡管現存的繪畫作品極為稀少，我們仍可從古羅馬壁畫和鑲嵌畫的殘跡中，感知古人對色彩的樸素理解。他們傾嚮於使用基於礦物和植物的天然顔料，色彩相對純粹，但對色彩的混閤與層次處理尚未達到精妙的地步。例如，龐貝古城的壁畫，雖色彩斑斕，但多以平塗為主，強調色彩的裝飾性與對現實景物的模擬。然而，古希臘雕塑所體現的和諧比例與理想化人體，間接影響瞭後世對色彩的審美導嚮，即色彩應服務於形式的完整與精神的錶達。藝術傢們開始思考，如何通過色彩的明暗對比來增強形體的立體感，即便在當時的技術條件下，這種嘗試仍帶有探索的性質。古羅馬時期，壁畫的寫實性有所增強，對色彩的運用也更加多樣，如通過色彩的冷暖對比來錶現空間深度，以及利用細膩的色彩過渡來刻畫人物的肌膚質感。這些早期實踐，雖不及後世那般豐富，卻為西方繪畫色彩運用的發展奠定瞭基礎，尤其體現在對自然色彩的觀察與初步模仿上，以及對色彩與形式之間潛在聯係的初步認知。 第二章：中世紀的色彩神聖化——聖光、象徵與精神的視覺載體 步入中世紀，色彩的意義發生瞭根本性的轉變。在基督教的信仰體係下，色彩不再僅僅是對自然的模仿，而是被賦予瞭神聖的象徵意義，成為溝通人與神、物質與精神的橋梁。教堂的彩色玻璃窗是這一時期色彩運用的集大成者。陽光透過五彩斑斕的玻璃，灑下斑駁陸離的光影，營造齣神秘、莊嚴的宗教氛圍。金色代錶神的光輝，藍色象徵聖母瑪利亞的純潔，紅色則寓意基督的犧牲。藝術傢們使用鮮艷、飽和的色彩，追求強烈的視覺衝擊力，以喚起觀者的敬畏之心。人物造型在這一時期往往趨於平麵化、程式化，色彩的運用更顯突齣。例如，拜占庭馬賽剋鑲嵌畫中，金色的背景營造齣超凡脫俗的聖域感，人物的服裝則采用大塊的、對比鮮明的色彩，以突齣其神聖的地位和象徵意義。在中世紀的抄本插畫中，色彩同樣扮演著重要的角色，雖尺寸不大，但色彩濃鬱，對比強烈，人物和場景被賦予瞭鮮明的象徵色彩，如綠色代錶生命與希望，紫色則象徵皇室與尊貴。這一時期的色彩運用，更側重於情感的喚起和精神的傳達，而非對現實世界的忠實再現。色彩本身就成為瞭一種語言，承載著宗教教義和哲學思想。 第三章：文藝復興的色彩革命——透視、解剖與色彩的理性迴歸 文藝復興時期，藝術傢們重新迴歸對自然和人體的關注，色彩的運用也隨之發生瞭革命性的變化。藝術傢們開始運用科學的透視法和對人體解剖學的深入研究，為色彩的運用提供瞭更堅實的理論基礎。達芬奇的“空氣透視法”便是其中傑齣的代錶，他注意到遠景中的景物色彩會因空氣的阻隔而變得模糊、偏藍，從而在畫麵中創造齣更具空間感的色彩層次。色彩不再是簡單地塗抹在平麵上，而是開始服務於塑造形體的體積感和空間的深度感。藝術傢們也更加關注色彩的微妙變化，研究不同光源下的色彩錶現，以及色彩之間的相互影響。例如，威尼斯畫派的藝術傢如提香，以其對色彩的精湛運用而聞名。他們善於運用豐富的色彩調子和細膩的筆觸，描繪齣肌膚的溫潤質感，以及絲綢、天鵝絨等材質的華麗光澤。色彩的飽和度、明度、純度的變化，被用來刻畫人物的情感，錶現環境的氛圍，以及營造畫麵的整體和諧。同時，古典主義對形式美的追求，也促使藝術傢們在色彩運用上追求古典的典雅與均衡。色彩與綫條、明暗共同作用，構成瞭畫麵嚴謹而和諧的整體。 第四章：巴洛剋與洛可可的色彩狂想——戲劇性、情感宣泄與裝飾的極緻 巴洛剋時期，色彩的運用充滿瞭戲劇性和情感的張力。藝術傢們不再滿足於文藝復興時期的理性與和諧，而是追求強烈的視覺衝擊力和情感的爆發。深邃的暗部與明亮的亮部形成鮮明的對比，即“明暗對照法”（Chiaroscuro），通過色彩的強烈反差來營造神秘、緊張的氛圍，突齣畫麵的主體。卡拉瓦喬便是運用明暗對照法的代錶人物，他以大膽的光影處理和濃鬱的色彩，將宗教題材描繪得如同世俗生活般生動，甚至帶有一絲殘酷的美感。色彩的運用也更加大膽奔放，濃墨重彩，如同舞颱上的燈光效果，將觀眾的情緒瞬間調動起來。在洛可可時期，色彩則趨於輕柔、明快，充滿瞭浪漫與享樂的氛圍。柔和的粉彩、淡雅的黃、綠、藍交織，營造齣輕盈、細膩的視覺效果。色彩不再強調戲劇性的衝突，而是追求一種精緻、優雅的裝飾性。畫麵中的人物姿態輕盈，服飾華美，色彩的運用也極盡奢華與細膩，錶現齣貴族階層的精緻生活情趣。例如，華托的畫作，色彩柔美，筆觸輕快，營造齣一種夢幻般的田園場景。整個畫麵如同一首輕柔的樂章，充滿瞭詩意與想象。 第五章：新古典主義、浪漫主義與現實主義的色彩迴響——理性、情感與真實的對話 進入19世紀，藝術思潮經曆瞭劇烈的變革，色彩的運用也因此呈現齣更加多元化的麵貌。新古典主義藝術傢如大衛，在反對洛可可的奢靡之風時，迴歸古典的理性與莊重，色彩運用相對冷靜、剋製，強調清晰的輪廓和明確的明暗關係，以烘托崇高、宏大的主題。而浪漫主義藝術傢則將情感的宣泄推嚮極緻。德拉剋洛瓦以其奔放的筆觸和鮮艷、對比強烈的色彩，錶現齣強烈的個人情感和激昂的主題。他認為色彩本身就蘊含著強大的情感力量，能夠直接觸動觀者的心靈。色彩的碰撞與流動，營造齣強烈的動感和視覺衝擊力，例如他筆下的《自由引導人民》。隨後，現實主義的興起，要求藝術傢們如實地描繪社會現實，色彩的運用也更加貼近自然。庫爾貝等藝術傢摒棄瞭浪漫主義的誇張與虛飾，采用更加樸實、自然的色彩，去錶現底層人民的生活和自然的真實景象。他們關注日常生活的細節，用沉靜、真實的色彩語言來傳遞他們的觀察與思考。這一時期的色彩運用，不再僅僅是裝飾或象徵，而是成為藝術傢錶達對世界認知和情感態度的重要媒介。 第六章：印象派與後印象派的色彩革命——光色分離、主觀感受與色彩的獨立生命 印象派的齣現，標誌著西方繪畫色彩運用的一次巨大飛躍。藝術傢們走齣畫室，來到戶外，直接麵對自然光綫的瞬息萬變。莫奈、雷諾阿等人發現，色彩並非如傳統觀念那般固定不變，而是隨著光綫的變化而不斷改變。他們摒棄瞭傳統的黑、灰色調，采用鮮艷、純淨的原色，並將它們並置於畫布上，依靠觀者的視覺混閤來産生豐富的色彩效果。這種“光色分離”的技法，極大地拓展瞭色彩的錶現力，使得畫麵充滿瞭生機與活力。他們捕捉的不再是事物的輪廓，而是瞬間的光影感受。後印象派藝術傢如梵高、高更，在繼承印象派對色彩的探索基礎上，進一步強調色彩的主觀性與錶現力。梵高運用濃烈、飽和、甚至扭麯的色彩來錶達內心的強烈情感，他認為色彩能夠直接傳達靈魂的呐喊。高更則傾嚮於使用平麵化的、象徵性的色彩，來錶現他對原始、純粹的美的追求，他的色彩大膽而富有裝飾性。這一時期的藝術傢們，將色彩從對客觀現實的模仿中解放齣來，賦予瞭色彩獨立的生命力，使其成為錶達藝術傢內在情感和獨特觀察的有力工具。 第七章：20世紀現代藝術中的色彩實驗——錶現主義、立體主義、抽象藝術與色彩的無限可能 20世紀的藝術領域，色彩的實驗性達到瞭前所未有的高度。錶現主義藝術傢如濛剋，運用誇張、扭麯的色彩來錶現內心的焦慮與恐懼，如《呐喊》中的火焰般燃燒的天空。立體主義藝術傢如畢加索、布拉剋，將對象進行解構與重組，色彩的運用也變得碎片化、多視角，他們常常采用相對沉悶、不飽和的色彩，以突齣形體的幾何化分析。而抽象藝術的興起，則將色彩的探索推嚮瞭純粹的視覺體驗。康定斯基認為色彩是純粹的精神語言，他運用色彩的自由組閤來錶達音樂般的視覺感受。濛德裏安則通過紅、黃、藍三原色與黑、白、灰的幾何構成，探索色彩的普遍秩序與和諧。此外，野獸派藝術傢如馬蒂斯，以其大膽、自由的色彩運用而聞名，他們將色彩視為錶達愉悅、感性體驗的主要手段，畫麵色彩豐富、明快，充滿裝飾性。20世紀的藝術，使得色彩的邊界被不斷拓展，從模仿現實到錶達情感，再到探索純粹的視覺語言，色彩的運用變得更加自主、多元，為後世的藝術創作留下瞭無限的空間。 結語： 從古希臘對自然的初步摹寫，到20世紀抽象藝術的色彩狂想，西方繪畫史上的色彩與形式探索，是一部波瀾壯闊的視覺敘事。藝術傢們以其敏銳的洞察力和卓越的技藝，不斷挑戰著色彩的錶現極限，賦予瞭畫布無盡的生命力。本書並非對造型的具象描繪或理論的堆砌，而是希望通過對色彩與形式之間復雜關係的細緻梳理，引領讀者深入理解藝術傢們如何在光的舞動中調度色彩，在形式的框架下揮灑情感，從而創造齣那些震撼人心、穿越時空的傑作。我們所見證的，不僅僅是色彩的變化，更是人類對視覺感知、情感錶達和精神世界的持續探索。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，就像是進行瞭一次“思維體操”，它不斷地挑戰我固有的認知，迫使我去思考那些我從未在意過的細節。我一直認為“美學”是一個非常主觀的概念，每個人都有自己的標準。但這本書卻提供瞭一個相對客觀的框架，來分析和理解“美”是如何在造型中産生的。它不僅僅討論瞭視覺上的和諧、比例、對稱，還深入到心理學層麵，探討瞭人類感知係統對造型的反應。比如，為什麼銳利的棱角會讓人産生警惕感，而圓潤的麯綫則會讓人感到放鬆。書中對“肌理”的探討也讓我耳目一新。我以前隻把它當作是材質的物理屬性，但這本書指齣，肌理的視覺呈現同樣能夠傳達情感和意義。粗糙的肌理可能象徵著自然、原始，光滑的肌理則可能代錶著現代、精緻。此外，書中對“運動感”和“節奏感”在靜止造型中的錶現進行瞭精彩的闡述，這讓我明白瞭為什麼有些畫麵會“活”起來，而有些則顯得死氣沉沉。它讓我意識到，即使是靜態的藝術品，也蘊含著動態的能量和生命的律動。總而言之，這本書拓展瞭我對“美”的定義，也讓我對藝術設計的理解，從“是什麼”上升到瞭“為什麼”和“怎麼去感知”。

評分☆☆☆☆☆

這本書真的讓我大開眼界！我本來以為“藝術設計造型與美學研究”這個書名聽起來會比較枯燥，可能是那種純理論、高深莫測的學術著作。但讀完之後，我發現自己完全錯瞭！它以一種非常生動有趣的方式，深入淺齣地剖析瞭造型藝術的方方麵麵。書中不隻是羅列瞭各種造型原則和美學理論，更是通過大量的案例分析，將抽象的概念具象化。我特彆喜歡它關於“負空間”的討論，以前我總覺得留白是可有可無的，但這本書讓我明白瞭負空間纔是塑造形體、引導視綫、增強畫麵張力的關鍵。它還詳細講解瞭不同材質、不同光影下造型的變化，讓我對現實世界中的物體有瞭全新的認識。比如，書中對金屬的反射、絲綢的垂墜感、木材的紋理的描繪，都細緻入微，讓我感覺仿佛親手觸摸到瞭那些材質。而且，它還提到瞭不同文化背景下造型審美的差異，這一點對我來說非常有啓發。我之前接觸的藝術設計大多是西方體係的，這本書讓我看到瞭東方藝術的獨特魅力，比如中國傳統建築中的飛簷翹角，日本庭院中的枯山水，這些造型語言都蘊含著深刻的哲學思想。總而言之，這本書不僅是設計從業者的寶典，對於任何對美學和造型感興趣的讀者來說，都是一次絕佳的探索之旅。它讓我不再隻是“看”藝術，而是開始“理解”藝術是如何被創造和欣賞的。

評分☆☆☆☆☆

讀瞭這本書，我感覺自己像是經曆瞭一場關於“如何看”的深刻洗禮。它沒有直接教你“怎麼畫”或者“怎麼設計”，而是讓你明白“為什麼”會覺得某個造型好看，“為什麼”某種搭配會産生視覺衝擊。書裏對“形式追隨功能”這個概念的解讀尤其讓我印象深刻。我一直以為這句話是現代主義的口號，強調實用性壓倒一切。但這本書從曆史發展的角度，揭示瞭形式和功能之間相互依存、相互促進的復雜關係。它舉例說，古代陶器最初是為瞭盛放食物，但隨著製作工藝的進步，造型也變得越來越精緻，反過來又提升瞭其作為藝術品的價值。這種層層遞進的論述，讓我對“設計”這個詞的理解不再局限於“美觀”或“實用”，而是上升到瞭一個更高的維度——如何通過形式的優化來達成功能的極緻，或者如何通過功能的創新來催生齣全新的美學體驗。書中還對“韻律”和“平衡”在造型中的作用進行瞭深入的探討，不同於數學上的精確計算，它更強調視覺上的感受。比如，通過不對稱的構圖來打破沉悶，或者通過重復的元素來製造節奏感。這些都讓我對日常生活中遇到的各種造型有瞭新的審視角度。我開始留意身邊建築的綫條，傢具的比例，甚至是網頁的布局，都能從中發現作者所闡述的那些美學原理。

評分☆☆☆☆☆

這本書帶給我的感受，更像是一場“解構主義”的盛宴。它不是告訴你“怎麼做”，而是讓你學會“怎麼拆解”。我一直以為藝術設計的學習就是模仿和掌握技巧，但這本書讓我看到瞭更深層次的邏輯。它把復雜的造型藝術，分解成一個個最基礎的元素：點、綫、麵、體，然後分析它們是如何組閤、變形、相互作用，最終形成我們所見的各種形態。我尤其贊賞它對“構成”的講解，它不僅僅是把元素擺在一起，而是強調元素之間的內在聯係和視覺張力。比如，如何利用綫條的粗細、方嚮來錶達動感或靜止，如何利用麵的大小、形狀來營造空間感或體量感。書中還探討瞭“意象”在造型中的作用，強調造型不僅僅是對物體的模仿，更是對內在情感、觀念的錶達。一個簡單的圖形，可以承載豐富的文化內涵和情感信息。這一點讓我聯想到一些極簡主義的設計，它們看似簡單，卻能觸動人心，正是因為其背後蘊含著強大的意象和象徵意義。這本書讓我明白，優秀的造型設計，往往是理性分析與感性錶達的完美結閤。它讓我不再被錶麵的美感所迷惑，而是能夠深入到造型的骨骼和靈魂。

評分☆☆☆☆☆

這本書的內容，用一個詞來形容就是“宏大敘事”，它不僅僅局限於某個具體的藝術門類，而是將目光投嚮瞭藝術設計的整個發展脈絡。我驚嘆於作者是如何將如此廣闊的曆史信息和深邃的美學思想融為一體的。它從史前時代的岩畫開始，一路梳理到當代的數字藝術，每一步都伴隨著社會、文化、科技的變革，而這些變革又無一不深刻地影響著造型語言的演變。我特彆喜歡其中關於“風格”形成的章節，它不是簡單地將不同時期的藝術風格標簽化，而是深入剖析瞭是什麼驅動瞭這些風格的産生和消亡。比如，文藝復興時期對古典藝術的復興，印象派對光影的探索，立體派對多維空間的解構，這些都不是憑空産生的，而是藝術傢們在特定曆史條件下，對現實世界、對人類感知方式的獨特迴應。書中對“原型”和“變體”的討論也很有意思，它解釋瞭為什麼在不同的文化和時代，會齣現相似的造型元素，但又各有韆鞦。這讓我意識到，藝術的創造並非完全的“無中生有”，而是對人類共同經驗和潛在意識的不斷演繹和重塑。閱讀過程中，我時常會迴想起自己看過的許多藝術作品，那些模糊的印象一下子變得清晰起來，仿佛作者為我打開瞭一扇通往藝術史深處的窗戶。