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胡佳，关晓娜，梁爽 著

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• 艺术设计
• 造型艺术
• 美学
• 设计原理
• 视觉传达
• 艺术史
• 设计美学
• 创意设计
• 艺术理论
• 审美学

店铺： 妙语书言图书专营店

出版社： 中国水利水电出版社

ISBN：9787517018575

商品编码：29856406577

包装：平装

出版时间：2014-06-01

基本信息

书名：艺术设计造型与美学研究

定价：62.00元

作者：胡佳,关晓娜,梁爽

出版社：中国水利水电出版社

出版日期：2014-06-01

ISBN：9787517018575

字数：

页码：274

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《艺术设计造型与美学研究》以艺术设计造型为基础，对其中的形态构成、字体设计、图形设计、色彩设计分别进行论述，然后结合艺术设计美学对审美的本质、形式美的规律、审美文化等方面展开探讨，以此来提高造型设计师的创造力、审美观等综合素质，并且能运用造型知识、形式美原则等方面的知识来服务于艺术设计编排等实践活动，所以《艺术设计造型与美学研究》除了艺术设计造型中的字体运用、图形运用、色彩运用以外，还增加了艺术设计编排的实践内容。

目录

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章 艺术设计的形态构成
节 形态的概念与分类
第二节 形态的基本构成要素
第三节 平面构成与立体构成

第二章 艺术造型中的字体设计
节 字体设计概述
第二节 字体设计的表现手法
第三节 中外字体设计
第四节 字体在艺术设计中的应用

第三章 艺术造型中的图形设计
节 图形设计概述
第二节 图形的设计与创造
第三节 图形设计的表达方法
第四节 图形在艺术设计中的应用

第四章 艺术造型中的色彩设计
节 色彩设计概述
第二节 设计色彩的对比与调和
第三节 艺术设计中色彩的表现手法
第四节 色彩在艺术设计中的应用

第五章 艺术设计的编排
节 编排设计概述
第二节 编排设计的构成要素
第三节 编排设计的原则
第四节 编排设计流程
第五节 编排设计的实际应用

第六章 艺术设计审美本质论
节 艺术设计审美的性质与意义
第二节 艺术设计的审美心理
第三节 艺术设计审美的评判标准

第七章 艺术设计中形式美的规律
节 形式美的要素
第二节 形式美的表现

第八章 现代设计与审美文化
节 现代设计的美学观念
第二节 现代设计的审美文化内涵
第三节 现代艺术设计与审美消费文化
参考文献

作者介绍

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文摘

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序言

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《光影流转：西方绘画史上的色彩与形式探索》 本书旨在深入剖析西方绘画史中，色彩与形式这两个核心要素如何随着时代变迁、社会思潮和艺术家个人风格而演变，并最终形塑出各具时代印记的艺术面貌。我们将不再关注造型的具象呈现或纯粹的美学理论，而是聚焦于艺术家们如何在画布上驾驭光线、调度色彩，以及如何以独特的笔触和构图来构建视觉空间，从而赋予作品生命与情感。 第一章：古希腊与古罗马的色彩意识——对自然的初步摹写与理想化的曙光 在西方绘画的滥觞时期，色彩的应用尚显稚嫩，但已能窥见其作为表达手段的潜力。尽管现存的绘画作品极为稀少，我们仍可从古罗马壁画和镶嵌画的残迹中，感知古人对色彩的朴素理解。他们倾向于使用基于矿物和植物的天然颜料，色彩相对纯粹，但对色彩的混合与层次处理尚未达到精妙的地步。例如，庞贝古城的壁画，虽色彩斑斓，但多以平涂为主，强调色彩的装饰性与对现实景物的模拟。然而，古希腊雕塑所体现的和谐比例与理想化人体，间接影响了后世对色彩的审美导向，即色彩应服务于形式的完整与精神的表达。艺术家们开始思考，如何通过色彩的明暗对比来增强形体的立体感，即便在当时的技术条件下，这种尝试仍带有探索的性质。古罗马时期，壁画的写实性有所增强，对色彩的运用也更加多样，如通过色彩的冷暖对比来表现空间深度，以及利用细腻的色彩过渡来刻画人物的肌肤质感。这些早期实践，虽不及后世那般丰富，却为西方绘画色彩运用的发展奠定了基础，尤其体现在对自然色彩的观察与初步模仿上，以及对色彩与形式之间潜在联系的初步认知。 第二章：中世纪的色彩神圣化——圣光、象征与精神的视觉载体 步入中世纪，色彩的意义发生了根本性的转变。在基督教的信仰体系下，色彩不再仅仅是对自然的模仿，而是被赋予了神圣的象征意义，成为沟通人与神、物质与精神的桥梁。教堂的彩色玻璃窗是这一时期色彩运用的集大成者。阳光透过五彩斑斓的玻璃，洒下斑驳陆离的光影，营造出神秘、庄严的宗教氛围。金色代表神的光辉，蓝色象征圣母玛利亚的纯洁，红色则寓意基督的牺牲。艺术家们使用鲜艳、饱和的色彩，追求强烈的视觉冲击力，以唤起观者的敬畏之心。人物造型在这一时期往往趋于平面化、程式化，色彩的运用更显突出。例如，拜占庭马赛克镶嵌画中，金色的背景营造出超凡脱俗的圣域感，人物的服装则采用大块的、对比鲜明的色彩，以突出其神圣的地位和象征意义。在中世纪的抄本插画中，色彩同样扮演着重要的角色，虽尺寸不大，但色彩浓郁，对比强烈，人物和场景被赋予了鲜明的象征色彩，如绿色代表生命与希望，紫色则象征皇室与尊贵。这一时期的色彩运用，更侧重于情感的唤起和精神的传达，而非对现实世界的忠实再现。色彩本身就成为了一种语言，承载着宗教教义和哲学思想。 第三章：文艺复兴的色彩革命——透视、解剖与色彩的理性回归 文艺复兴时期，艺术家们重新回归对自然和人体的关注，色彩的运用也随之发生了革命性的变化。艺术家们开始运用科学的透视法和对人体解剖学的深入研究，为色彩的运用提供了更坚实的理论基础。达芬奇的“空气透视法”便是其中杰出的代表，他注意到远景中的景物色彩会因空气的阻隔而变得模糊、偏蓝，从而在画面中创造出更具空间感的色彩层次。色彩不再是简单地涂抹在平面上，而是开始服务于塑造形体的体积感和空间的深度感。艺术家们也更加关注色彩的微妙变化，研究不同光源下的色彩表现，以及色彩之间的相互影响。例如，威尼斯画派的艺术家如提香，以其对色彩的精湛运用而闻名。他们善于运用丰富的色彩调子和细腻的笔触，描绘出肌肤的温润质感，以及丝绸、天鹅绒等材质的华丽光泽。色彩的饱和度、明度、纯度的变化，被用来刻画人物的情感，表现环境的氛围，以及营造画面的整体和谐。同时，古典主义对形式美的追求，也促使艺术家们在色彩运用上追求古典的典雅与均衡。色彩与线条、明暗共同作用，构成了画面严谨而和谐的整体。 第四章：巴洛克与洛可可的色彩狂想——戏剧性、情感宣泄与装饰的极致 巴洛克时期，色彩的运用充满了戏剧性和情感的张力。艺术家们不再满足于文艺复兴时期的理性与和谐，而是追求强烈的视觉冲击力和情感的爆发。深邃的暗部与明亮的亮部形成鲜明的对比，即“明暗对照法”（Chiaroscuro），通过色彩的强烈反差来营造神秘、紧张的氛围，突出画面的主体。卡拉瓦乔便是运用明暗对照法的代表人物，他以大胆的光影处理和浓郁的色彩，将宗教题材描绘得如同世俗生活般生动，甚至带有一丝残酷的美感。色彩的运用也更加大胆奔放，浓墨重彩，如同舞台上的灯光效果，将观众的情绪瞬间调动起来。在洛可可时期，色彩则趋于轻柔、明快，充满了浪漫与享乐的氛围。柔和的粉彩、淡雅的黄、绿、蓝交织，营造出轻盈、细腻的视觉效果。色彩不再强调戏剧性的冲突，而是追求一种精致、优雅的装饰性。画面中的人物姿态轻盈，服饰华美，色彩的运用也极尽奢华与细腻，表现出贵族阶层的精致生活情趣。例如，华托的画作，色彩柔美，笔触轻快，营造出一种梦幻般的田园场景。整个画面如同一首轻柔的乐章，充满了诗意与想象。 第五章：新古典主义、浪漫主义与现实主义的色彩回响——理性、情感与真实的对话 进入19世纪，艺术思潮经历了剧烈的变革，色彩的运用也因此呈现出更加多元化的面貌。新古典主义艺术家如大卫，在反对洛可可的奢靡之风时，回归古典的理性与庄重，色彩运用相对冷静、克制，强调清晰的轮廓和明确的明暗关系，以烘托崇高、宏大的主题。而浪漫主义艺术家则将情感的宣泄推向极致。德拉克洛瓦以其奔放的笔触和鲜艳、对比强烈的色彩，表现出强烈的个人情感和激昂的主题。他认为色彩本身就蕴含着强大的情感力量，能够直接触动观者的心灵。色彩的碰撞与流动，营造出强烈的动感和视觉冲击力，例如他笔下的《自由引导人民》。随后，现实主义的兴起，要求艺术家们如实地描绘社会现实，色彩的运用也更加贴近自然。库尔贝等艺术家摒弃了浪漫主义的夸张与虚饰，采用更加朴实、自然的色彩，去表现底层人民的生活和自然的真实景象。他们关注日常生活的细节，用沉静、真实的色彩语言来传递他们的观察与思考。这一时期的色彩运用，不再仅仅是装饰或象征，而是成为艺术家表达对世界认知和情感态度的重要媒介。 第六章：印象派与后印象派的色彩革命——光色分离、主观感受与色彩的独立生命 印象派的出现，标志着西方绘画色彩运用的一次巨大飞跃。艺术家们走出画室，来到户外，直接面对自然光线的瞬息万变。莫奈、雷诺阿等人发现，色彩并非如传统观念那般固定不变，而是随着光线的变化而不断改变。他们摒弃了传统的黑、灰色调，采用鲜艳、纯净的原色，并将它们并置于画布上，依靠观者的视觉混合来产生丰富的色彩效果。这种“光色分离”的技法，极大地拓展了色彩的表现力，使得画面充满了生机与活力。他们捕捉的不再是事物的轮廓，而是瞬间的光影感受。后印象派艺术家如梵高、高更，在继承印象派对色彩的探索基础上，进一步强调色彩的主观性与表现力。梵高运用浓烈、饱和、甚至扭曲的色彩来表达内心的强烈情感，他认为色彩能够直接传达灵魂的呐喊。高更则倾向于使用平面化的、象征性的色彩，来表现他对原始、纯粹的美的追求，他的色彩大胆而富有装饰性。这一时期的艺术家们，将色彩从对客观现实的模仿中解放出来，赋予了色彩独立的生命力，使其成为表达艺术家内在情感和独特观察的有力工具。 第七章：20世纪现代艺术中的色彩实验——表现主义、立体主义、抽象艺术与色彩的无限可能 20世纪的艺术领域，色彩的实验性达到了前所未有的高度。表现主义艺术家如蒙克，运用夸张、扭曲的色彩来表现内心的焦虑与恐惧，如《呐喊》中的火焰般燃烧的天空。立体主义艺术家如毕加索、布拉克，将对象进行解构与重组，色彩的运用也变得碎片化、多视角，他们常常采用相对沉闷、不饱和的色彩，以突出形体的几何化分析。而抽象艺术的兴起，则将色彩的探索推向了纯粹的视觉体验。康定斯基认为色彩是纯粹的精神语言，他运用色彩的自由组合来表达音乐般的视觉感受。蒙德里安则通过红、黄、蓝三原色与黑、白、灰的几何构成，探索色彩的普遍秩序与和谐。此外，野兽派艺术家如马蒂斯，以其大胆、自由的色彩运用而闻名，他们将色彩视为表达愉悦、感性体验的主要手段，画面色彩丰富、明快，充满装饰性。20世纪的艺术，使得色彩的边界被不断拓展，从模仿现实到表达情感，再到探索纯粹的视觉语言，色彩的运用变得更加自主、多元，为后世的艺术创作留下了无限的空间。 结语： 从古希腊对自然的初步摹写，到20世纪抽象艺术的色彩狂想，西方绘画史上的色彩与形式探索，是一部波澜壮阔的视觉叙事。艺术家们以其敏锐的洞察力和卓越的技艺，不断挑战着色彩的表现极限，赋予了画布无尽的生命力。本书并非对造型的具象描绘或理论的堆砌，而是希望通过对色彩与形式之间复杂关系的细致梳理，引领读者深入理解艺术家们如何在光的舞动中调度色彩，在形式的框架下挥洒情感，从而创造出那些震撼人心、穿越时空的杰作。我们所见证的，不仅仅是色彩的变化，更是人类对视觉感知、情感表达和精神世界的持续探索。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的感受，更像是一场“解构主义”的盛宴。它不是告诉你“怎么做”，而是让你学会“怎么拆解”。我一直以为艺术设计的学习就是模仿和掌握技巧，但这本书让我看到了更深层次的逻辑。它把复杂的造型艺术，分解成一个个最基础的元素：点、线、面、体，然后分析它们是如何组合、变形、相互作用，最终形成我们所见的各种形态。我尤其赞赏它对“构成”的讲解，它不仅仅是把元素摆在一起，而是强调元素之间的内在联系和视觉张力。比如，如何利用线条的粗细、方向来表达动感或静止，如何利用面的大小、形状来营造空间感或体量感。书中还探讨了“意象”在造型中的作用，强调造型不仅仅是对物体的模仿，更是对内在情感、观念的表达。一个简单的图形，可以承载丰富的文化内涵和情感信息。这一点让我联想到一些极简主义的设计，它们看似简单，却能触动人心，正是因为其背后蕴含着强大的意象和象征意义。这本书让我明白，优秀的造型设计，往往是理性分析与感性表达的完美结合。它让我不再被表面的美感所迷惑，而是能够深入到造型的骨骼和灵魂。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容，用一个词来形容就是“宏大叙事”，它不仅仅局限于某个具体的艺术门类，而是将目光投向了艺术设计的整个发展脉络。我惊叹于作者是如何将如此广阔的历史信息和深邃的美学思想融为一体的。它从史前时代的岩画开始，一路梳理到当代的数字艺术，每一步都伴随着社会、文化、科技的变革，而这些变革又无一不深刻地影响着造型语言的演变。我特别喜欢其中关于“风格”形成的章节，它不是简单地将不同时期的艺术风格标签化，而是深入剖析了是什么驱动了这些风格的产生和消亡。比如，文艺复兴时期对古典艺术的复兴，印象派对光影的探索，立体派对多维空间的解构，这些都不是凭空产生的，而是艺术家们在特定历史条件下，对现实世界、对人类感知方式的独特回应。书中对“原型”和“变体”的讨论也很有意思，它解释了为什么在不同的文化和时代，会出现相似的造型元素，但又各有千秋。这让我意识到，艺术的创造并非完全的“无中生有”，而是对人类共同经验和潜在意识的不断演绎和重塑。阅读过程中，我时常会回想起自己看过的许多艺术作品，那些模糊的印象一下子变得清晰起来，仿佛作者为我打开了一扇通往艺术史深处的窗户。

评分☆☆☆☆☆

读了这本书，我感觉自己像是经历了一场关于“如何看”的深刻洗礼。它没有直接教你“怎么画”或者“怎么设计”，而是让你明白“为什么”会觉得某个造型好看，“为什么”某种搭配会产生视觉冲击。书里对“形式追随功能”这个概念的解读尤其让我印象深刻。我一直以为这句话是现代主义的口号，强调实用性压倒一切。但这本书从历史发展的角度，揭示了形式和功能之间相互依存、相互促进的复杂关系。它举例说，古代陶器最初是为了盛放食物，但随着制作工艺的进步，造型也变得越来越精致，反过来又提升了其作为艺术品的价值。这种层层递进的论述，让我对“设计”这个词的理解不再局限于“美观”或“实用”，而是上升到了一个更高的维度——如何通过形式的优化来达成功能的极致，或者如何通过功能的创新来催生出全新的美学体验。书中还对“韵律”和“平衡”在造型中的作用进行了深入的探讨，不同于数学上的精确计算，它更强调视觉上的感受。比如，通过不对称的构图来打破沉闷，或者通过重复的元素来制造节奏感。这些都让我对日常生活中遇到的各种造型有了新的审视角度。我开始留意身边建筑的线条，家具的比例，甚至是网页的布局，都能从中发现作者所阐述的那些美学原理。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是进行了一次“思维体操”，它不断地挑战我固有的认知，迫使我去思考那些我从未在意过的细节。我一直认为“美学”是一个非常主观的概念，每个人都有自己的标准。但这本书却提供了一个相对客观的框架，来分析和理解“美”是如何在造型中产生的。它不仅仅讨论了视觉上的和谐、比例、对称，还深入到心理学层面，探讨了人类感知系统对造型的反应。比如，为什么锐利的棱角会让人产生警惕感，而圆润的曲线则会让人感到放松。书中对“肌理”的探讨也让我耳目一新。我以前只把它当作是材质的物理属性，但这本书指出，肌理的视觉呈现同样能够传达情感和意义。粗糙的肌理可能象征着自然、原始，光滑的肌理则可能代表着现代、精致。此外，书中对“运动感”和“节奏感”在静止造型中的表现进行了精彩的阐述，这让我明白了为什么有些画面会“活”起来，而有些则显得死气沉沉。它让我意识到，即使是静态的艺术品，也蕴含着动态的能量和生命的律动。总而言之，这本书拓展了我对“美”的定义，也让我对艺术设计的理解，从“是什么”上升到了“为什么”和“怎么去感知”。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的让我大开眼界！我本来以为“艺术设计造型与美学研究”这个书名听起来会比较枯燥，可能是那种纯理论、高深莫测的学术著作。但读完之后，我发现自己完全错了！它以一种非常生动有趣的方式，深入浅出地剖析了造型艺术的方方面面。书中不只是罗列了各种造型原则和美学理论，更是通过大量的案例分析，将抽象的概念具象化。我特别喜欢它关于“负空间”的讨论，以前我总觉得留白是可有可无的，但这本书让我明白了负空间才是塑造形体、引导视线、增强画面张力的关键。它还详细讲解了不同材质、不同光影下造型的变化，让我对现实世界中的物体有了全新的认识。比如，书中对金属的反射、丝绸的垂坠感、木材的纹理的描绘，都细致入微，让我感觉仿佛亲手触摸到了那些材质。而且，它还提到了不同文化背景下造型审美的差异，这一点对我来说非常有启发。我之前接触的艺术设计大多是西方体系的，这本书让我看到了东方艺术的独特魅力，比如中国传统建筑中的飞檐翘角，日本庭院中的枯山水，这些造型语言都蕴含着深刻的哲学思想。总而言之，这本书不仅是设计从业者的宝典，对于任何对美学和造型感兴趣的读者来说，都是一次绝佳的探索之旅。它让我不再只是“看”艺术，而是开始“理解”艺术是如何被创造和欣赏的。