调性和声及20世纪音乐概述 第六版 音乐理论教程 调性和声练习册 附CD 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539656670

商品编码：29867128080

丛书名： 流行音乐 风格训练

 

目录

 基本理论

 音高元素

键盘与八度音区

五线谱记谱法

大调音阶

大调调号

小调音阶

小调调号

音级名称

音程

纯音程、大音程、小音程

增音程与减音程

音程的转位

协和与不协和和声音程

小结

拓展学习

节奏元素

节奏

时值符号

拍子与速度

节拍

拍子的细分

单拍子拍号

复拍子拍号

拍号综述

更多的时值符号

小结

拓展学习

三和弦与七和弦概述

导言

三和弦

七和弦

和弦的转位

转位标记与数字低音

字母标记

在不同织体中辨识和弦

小结

拓展学习

大调和小调的自然和弦

导言

小调音阶

大调的自然三和弦

小调的自然三和弦

大调的自然七和弦

小调的自然七和弦

小结

拓展学习

自然三和弦

第五章 声部进行的基本原则

导言

旋律线

和弦的记谱

单个三和弦的声部写作

平行进行

小结

拓展学习

原位三和弦声部写作

导言

同和弦反复原位三和弦声部写作

根音四(五)度关系原位三和弦声部写作

根音三(六)度关系原位三和弦声部写作

根音二(七)度关系原位三和弦声部写作

乐器音域及移调乐器

小结

和弦外音(1)

导言

和弦外音分类

经过音

邻音

延留音与上行延留音

简单织体的修饰

数字低音与字母标记

小结

和弦外音(2)

倚音

规避音

邻音组

先现音

持续音

和弦外音分析中的特殊问题

小结

拓展学习

 

自然七和弦

 V和弦

导言

声部进行的一般原则

原位V和弦

三声部中的V和弦

V和弦的其他解决

转位V和弦

V和弦

V和弦

V和弦

七音的到达

小结

II和弦与VII和弦

导言

II和弦

大调VII和弦

小调VII和弦

小结

……

半音体系（1）

半音体系（2）

 20世纪音乐概述

练习册目录

部分基本理论

音高元素

节奏元素

三和弦与七和弦概述

大调和小调的自然和弦

自然三和弦

声部进行的基本原则

原位三和弦声部写作

和声进行与模进

三和弦的转位

三和弦的第二转位

终止、乐句、乐段

和弦外音（1）

和弦外音（2）

 自然七和弦

V7和弦

n7和弦与vn7和弦

其他自然七和弦

半音体系（1）

副属功能（1）

十七章副属功能（2）

十八章自然和弦作为共同和弦的转调

十九章其他转调技术

二十章较大型曲式

五部分半音体系（2）

二十一章调式交替

二十二章那波里和弦

二十三章增六和弦（1）

二十四章增六和弦（2）

二十五章等音转换与等和弦转调

二十六章和声语汇的扩展

二十七章19世纪晚期的调性和声

六部分20世纪音乐概述

二十八章材料与技法

二十九章后调性理论

三十章新的趋向

 

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好的，以下是一份不包含您提及的书籍内容的图书简介，力求详尽且自然。 --- 书名：管弦乐队配器法精要 副标题：从巴洛克到现代的色彩构建与实践指南 作者：[虚构作者名] 出版社：[虚构出版社名，例如：和声之翼文化] 版次：第一版 字数：约 450,000 字 页数：约 800 页 定价：[设定一个合理的价格] --- 内容简介： 《管弦乐队配器法精要》是一部旨在为音乐学院学生、专业作曲家以及资深音乐爱好者提供全面而深入的管弦乐队配器技术指导的综合性著作。本书摒弃了传统的、仅侧重于乐器机械性能罗列的枯燥模式，而是将配器艺术置于音乐史、结构分析和情感表达的宏大框架之中进行阐释。 本书的撰写历时五年，汇集了对十八世纪至二十一世纪管弦乐文献的细致考察与实践检验，力求成为连接理论认知与实际创作之间的坚实桥梁。 第一部分：基础构建——乐器家族的深度解析 (The Core Ensemble: Deep Dive into Instrumental Families) 本部分详尽剖析了现代标准管弦乐队中所有乐器组的物理特性、声学特点、历史演变及其在不同时期配器语境下的功能定位。 一、 木管组的细微差别与融合： 我们不仅描述长笛、双簧管、单簧管和巴松管的标准音域和指法，更深入探讨了它们的变体——短笛、英国管、低音单簧管和低音巴松管——在二十世纪配器法中的独特价值。特别关注了木管乐器在非连续演奏法 (Non-conventional techniques)，如颤音、多音、气声 (Air Sounds) 等技巧下的音色变化与组合逻辑。例如，如何利用双簧管组的尖锐与巴松管组的厚重，在低音区构建出既有穿透力又不失温暖的“木质和弦”。 二、 铜管组的力量与层次： 本书对圆号、小号、长号和低音大号的音色美学进行了革命性的划分。传统上，铜管常被视为力量的象征，但本书着重分析了其在古典主义时期作为色彩点缀的角色，以及浪漫主义时期如何通过半音阶的运用实现音色上的“镀金”效果。对于圆号，本书细致区分了其在无阀、两阀、三阀乃至现代法国圆号上的音准控制难度，并给出了针对不同音域的实用修正建议。关于小号，则详细解析了其在快速段落中，使用弱音器（如直音、皮碗、金属杯等）对整体声场造成的空间感知影响。 三、 弦乐组的弹性与纹理： 弦乐部分远非简单的“填充”功能。本章首先回顾了早期对位法中对位声部的要求，随后聚焦于弓法对音色的决定性影响。从最柔和的 sul tasto 到最强烈的 sul ponticello，每一弓法变化都对应着不同的声学物理过程。本书引入了“纹理配器”的概念，探讨如何通过分离不同声部（如第一小提琴采用震音，第二小提琴采用快速连弓，中提琴采用拨弦），创造出如同织物般的复杂和弦结构。此外，对拨弦 (Pizzicato) 的不同力度和技巧（如右手近琴码的 snap pizzicato）进行了分类研究。 四、 打击乐组的音色地图： 区别于仅列出打击乐器的传统手册，本部分构建了一个“音色地图”。它将打击乐器分为特定音高 (Pitched)、非特定音高（金属/木质/皮革）和特殊效果三大类。针对定音鼓，除了节奏功能外，还探讨了其作为“次低音支撑”或“和声色彩过渡”的可能性。对于民族打击乐器和现代电子音效的引入，也提供了初步的混响和动态处理原则。 第二部分：历史语境与风格实践 (Historical Context and Stylistic Application) 配器是特定历史时期作曲家思考的产物。本部分将配器技法与音乐风格紧密结合。 一、 古典主义的透明度与平衡： 分析莫扎特和海顿的配器，强调结构清晰度高于音色密度。探讨了“弦乐作为基础，木管作为对位或强调”的经典模型，以及在小型乐队中如何实现音域的精确叠加以保持透明感。 二、 浪漫主义的辉煌与“隐藏的色彩”： 深入研究柏辽兹、瓦格纳和马勒的配器哲学。重点解析了“乐器堆叠” (Orchestral Layering) 的技术，即如何将不同乐器组的声音以近乎无法察觉的方式融合，形成一种“新的”复合音色，例如，使用低音单簧管来“加厚”大提琴的低音区，或使用弱音圆号来柔化铜管的高音。 三、 印象派的“色彩碎片”： 德彪西和拉威尔的配器法被誉为色彩大师。本书着重分析了他们对中音区的偏爱，以及如何利用非传统和声（如全音阶、五度叠置）来配合特定的乐器组合，创造出光影流动般的听觉体验。例如，小提琴泛音与长笛高音的交织。 四、 二十世纪的解构与重组： 针对斯特拉文斯基、勋伯格以及后来的序列音乐实践，本部分探讨了音色作为独立的组织原则。分析了对功能失调的故意追求，以及如何利用不和谐音程在特定乐器组中产生的“噪音”美感，而非传统意义上的“美声”。 第三部分：高级配器技术与现代挑战 (Advanced Techniques and Modern Imperatives) 本部分面向进阶学习者，关注当代管弦乐实践中的前沿课题。 一、 室内管弦乐团的挑战： 探讨在小型编制下，如何维持音乐的完整性和力量感。这包括如何高效地分配声部，避免乐器音量之间的冲突，以及如何巧妙地利用高音区木管和低音弦乐来填补中低音的空缺。 二、 电子与混合媒体的整合： 鉴于当代音乐创作的趋势，本书探讨了将预录音轨、电子合成音色与真实乐队结合时的动态平衡与声场定位问题。提供了关于混响时间、延迟处理和现场扩声对配器选择的影响的指导性原则。 三、 节奏的配器化处理： 超越打击乐组，分析节奏动机在不同声部间的传递和变异。例如，如何使用快速的弦乐十六分音符来模拟鼓组的切分效果，或者如何通过铜管的断奏 (Staccato) 来塑造尖锐的节奏轮廓。 附录：工具箱与资源索引 本书最后提供了详尽的参考资料，包括：主要管弦乐团历史编制的对比图表、常用弱音器选型指南、不同乐器制造商对同一乐器的音色差异报告（基于听觉测试），以及一个推荐阅读的配器法与管弦乐文献列表，确保读者能够将理论知识迅速转化为富有洞察力的实际创作。 --- 《管弦乐队配器法精要》旨在激发创作者对管弦乐音响潜能的敬畏与探索精神，是每一位严肃的管弦乐作曲家案头的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

我个人对这本书的编排逻辑感到非常欣赏，它不是那种把所有知识点一股脑堆砌在一起的“百科全书式”教材，而是采用了非常清晰的递进式结构。初学者可以从最基础的调性概念开始，稳扎稳打地建立起对传统和声的认知框架，每介绍完一个核心理论点，紧接着就会有相应的、难度适中的练习题进行巩固，这种“学一点，练一点，消化一点”的节奏感，极大地降低了学习曲线的陡峭程度。而且，书中对一些容易混淆的概念，比如大小调的色彩差异、功能和声的进行逻辑等，都有非常形象的比喻和详尽的图示来解释，不像某些枯燥的教材，只会抛出冷冰冰的规则。这种教学方法，真正做到了“授人以渔”，让我们不仅仅是死记硬背规则，而是真正理解背后的音乐逻辑和美学原理，这才是音乐理论学习的精髓所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理二十世纪音乐的部分，可以说做得非常大胆和前卫，这是我之前在其他教材中很少见到的深度和广度。它没有停留在仅仅介绍那几位耳熟能详的作曲家，而是细致地梳理了从印象主义的色彩探索，到序列主义的严谨结构，再到后来的极简主义和电子音乐的冲击，展示了音乐语言在现代社会语境下的巨大变革。作者在讲解十二音体系和音高矩阵时，那种抽丝剥茧的分析方法，让人茅塞顿开，原本感觉高不可攀的现代和声，在他们的笔下似乎也变得有迹可循了。更妙的是，书中穿插了许多经典现代作品的片段分析，哪怕是初次接触这些“怪异”声音的读者，也能通过这些具体的案例，感受到不同音乐思潮的独特魅力和时代背景下的必然性，这使得整个学习过程充满了探索的乐趣，而不是单纯的理论灌输。

评分☆☆☆☆☆

从整体的教学理念来看，这本书展现出一种融合传统与面向未来的深刻洞察力。它坚守了建立扎实传统和声基础的重要性，深知没有坚实的根基，一切创新都将是空中楼阁，所以开篇对大小调体系的梳理极其严谨到位。然而，它又毫不保守地将目光投向了二十世纪乃至更远的音乐前沿，引导读者去理解音乐表达的无限可能性。这种平衡感是极为难得的，它既满足了古典音乐学习者的基本需求，又为那些对当代音乐创作有兴趣的年轻人打开了一扇窗。阅读这本书的过程，就像是进行了一次完整的音乐史和技法训练的巡礼，它不仅传授了“如何写好和声”，更重要的是启发了我们“如何去倾听和理解不同时代的音乐语言”，对于任何想要系统性提升音乐素养的爱好者或专业人士而言，这本书都称得上是一部不可或缺的里程碑式的教程。

评分☆☆☆☆☆

关于练习册部分的设计，我必须给予高度评价，这才是真正考验一本教材功力的核心所在。这本练习册绝非简单地重复课本内容，而是巧妙地将理论知识融入到实际的创作和分析任务中。例如，在学习完某个特定和弦转位后，练习题会要求你不仅要写出正确的和弦，还要在特定的旋律背景下进行功能性的调配，这极大地锻炼了我们的“音乐耳朵”和“手感”。更值得称赞的是，它的难度梯度设置得极为合理，从基础的四部和声解决到复杂的半音进行，再到需要运用现代和声技法的片段创作，每一步都像是精心设计的阶梯，推着学习者不断向上攀登。对于习惯了被动接受知识的学生来说，这本练习册提供了一个主动构建音乐思维的平台，让你不得不真正动脑筋去“做音乐”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面的设计风格简约而不失格调，那种淡淡的米色调配上深邃的字体，透着一股专业又不失亲和力的气息。打开内页，纸张的质感也相当不错，印刷清晰锐利，即便是那些复杂的五线谱和和弦图示，也能看得一清二楚，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳，这一点对于我们这些需要反复研习乐理细节的人来说，简直是太重要了。更不用提附带的那张CD，它的音质表现力非常出色，无论是对理论概念的示范演奏，还是练习曲的范例，都处理得干净利落，为我们理解抽象的乐理知识提供了绝佳的听觉参考，不像有些出版社的CD，音质粗糙，让人听了心里发毛，这张CD的用心程度，真的能感受到出版方对音乐教育的尊重与投入。光是这份对载体的精细打磨，就足以看出它在市场上的定位绝非泛泛之辈，是真正面向严肃学习者的工具书。