《和声学教程》习题解答下册黄虎威音乐理论教程书籍斯波索宾教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103034330

商品编码：29867140586

丛书名： 和声学教程习题解答下册

开本：16开

出版时间：2011-06-01

184mm   28mm   254mm   1.20Kg 手工测量，均有误差

产品信息

书 名	《和声学教程》习题解答下册	定 价	89.00元
作 者	黄虎威	难 度	初级
开 本	16开	属 性	和声教程
页 数	689页	光 盘	无
谱 号	五线谱	出版社	人民音乐出版社
数 量	1本书	出版日期	2011年6月第1次印刷

 

 

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音乐理论与实践进阶精选集：理论深度与演奏技巧的完美结合 本精选集汇集了多部在音乐理论学习、和声分析、曲式结构解析以及钢琴演奏技巧提升方面具有里程碑意义的经典著作。这些书籍以其严谨的逻辑体系、深入的学术探讨和丰富的实践指导，为严肃的音乐学习者、专业音乐家以及音乐教育工作者提供了一条通往精深技艺的康庄大道。 一、 理论基石与思维拓展：超越基础的深刻洞察 1. 《十九、二十世纪西方音乐和声分析与创作实践》 本书致力于填补传统和声学（主要聚焦于巴洛克至浪漫主义早期）与现代音乐和声语言之间的鸿沟。它不仅详细梳理了德彪西、拉威尔、勋伯格、巴托克直至序列主义和极简主义的典型和声技法，更重要的是，它探讨了这些技法背后的功能性转变与审美观念的革新。 核心内容包括： 调性模糊与自由调性的构建： 分析如何利用音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）来解析无调性作品，例如韦伯恩的十二音体系如何从亨伯格的序列化尝试中演进。 非传统和声功能： 深入探讨了平行和声、四度音程叠置、泛音列的应用，以及如何将爵士乐和声（如扩展的九和弦、十一和弦、十三和弦）融入古典语境。 配器色彩的考量： 理论讲解中紧密结合管弦乐配器法，说明不同的和声结构在不同乐器组合下产生的听觉效果，强调“听觉”而非仅仅“书写”的分析方法。 实例分析与创作练习： 选取了大量的二十世纪中后期重要作曲家的片段，指导学习者如何将这些现代语汇应用于自己的小型练习曲或管弦配器草稿中。 2. 《高等对位法：巴赫之后的人声与器乐复调研究》 不同于聚焦于严格对位（如帕莱斯特里那风格）的入门教材，本书将目光投向了后浪漫主义时期及二十世纪对位法的复兴与发展。它承认了调性限制的瓦解，但坚持复调思维在音乐结构中的核心地位。 重点解析的领域有： “自由对位”的原则： 研究了勃拉姆斯、马勒乃至德彪西作品中看似“不规则”的声部进行，揭示其潜在的逻辑和声部线条的独立性。 十二音对位： 系统地讲解了如何构建和运用十二音列进行严格的对位处理，包括倒影、逆行、以及各种排列组合下的卡农与赋格。 室内乐的织体分析： 以弦乐四重奏和钢琴三重奏为主要对象，剖析多声部如何实现织体的平衡、线条的交织与分离，并讨论了如何通过声部运动的密度和速度变化来塑造戏剧性张力。 二、 音乐史脉络与曲式结构解析 3. 《古典主义时期奏鸣曲式深度解析与演奏实践指导》 本书是研究古典主义器乐的权威参考书，它不再满足于对奏鸣曲式“呈示部-展开部-再现部”的简单划分，而是深入挖掘了“主题发展”的内在动力学。 书中详述的维度： 主题的“模块化”构建： 分析海顿和莫扎特如何将一个核心动机分解、变异并扩展成宏大的乐章结构。 展开部的功能与心理学： 探讨展开部中调性冲突、主题碎片化处理的心理驱动力，以及作曲家如何通过节奏的加速或放缓来引导听众的预期。 再现部的“重构”： 区别分析海顿式的“主题回归”与贝多芬式的“结构性再现”，后者如何通过对主调的再确认来达到宏大的终结感。 演奏导向的结构分析： 每一章节都配有具体的乐谱范例，并配有演奏家视角的提示，指导演奏者如何通过触键力度和速度的微调来强调结构节点。 4. 《巴赫后期赋格的严谨逻辑与键盘演奏精要》 本书专注于分析巴赫晚期（如《赋格的艺术》、《平均律键盘曲集》的后期作品）的复杂赋格结构。它视赋格为一种纯粹的音乐逻辑游戏，并将其与键盘演奏技艺紧密结合。 重点研究的赋格技巧： 复杂的模仿与增值/减值： 详尽解析了如何处理在不同声部中，主题以不同速度（如二倍速或半速）进入的复杂技术。 调性迷宫的导航： 研究巴赫在极不稳定的转调中如何保持声部进行的美感和逻辑连贯性，特别是那些远离主调的“远关系调”之间的连接方式。 键盘音色控制： 针对羽管键、大键琴和现代钢琴三种乐器对同一赋格作品的不同表现力进行比较分析，强调如何通过踏板和触键来分离和凸显复调线条。 三、 实践指导与跨学科视野 5. 《管弦乐队配器法：织体与动态的现代应用》 这是一本面向进阶学生的配器教科书，它假设学生已经掌握了基本的乐器音域和独奏特性。本书的核心在于“织体”（Texture）而非简单的“音色叠加”。 现代配器法的关注点： 声部“透明度”的控制： 如何通过巧妙地将某一乐器放在一个宽广的音程（如低音提琴和单簧管）上，来创造出听众不易察觉的微妙音色混合。 动态的极端化运用： 分析马勒和理查·施特劳斯如何利用极弱（pppp）和极强（ffff）来表达心理状态，以及如何在这些极端动态下保持声部的清晰度。 非传统乐器的整合： 探讨将打击乐器（如木琴、马林巴、钢片琴）和电子音效融入管弦乐中的具体技法和混合策略。 6. 《音乐心理学与听觉感知：从生理学到美学解释》 本书将硬科学（听觉生理学、认知心理学）与音乐体验相结合。它旨在解释“为什么”某种和声进行或节奏模式能引起特定的情感反应。 涉及的核心理论与实践： 听觉系统的过滤机制： 介绍耳蜗对频率混合物（如泛音列）的处理方式，解释为何某些音程被认为是“和谐的”。 熟悉度与新颖性的平衡： 分析大脑如何处理音乐中的预期违背（Expectation Violation），这是理解爵士乐即兴、前卫音乐结构的关键。 情感标记与音乐结构： 通过实验数据探讨大调/小调的文化约定性，以及节奏的律动（Groove）如何在大脑中激活运动皮层。 总结： 本套精选集构成了一个完整的、螺旋上升的学习体系。它从理论的深度挖掘（和声、对位），到结构的宏观把握（奏鸣曲、赋格），再到实践的应用拓展（配器、演奏技巧），最终回归到感知的本质（心理学）。它为那些渴望突破传统框架，真正理解音乐创作背后复杂机制的学习者，提供了坚实且广阔的学术平台。

评分☆☆☆☆☆

对于一个业余的音乐爱好者来说，最难克服的障碍往往是时间分配和学习节奏的掌控。我平日里工作很忙，只能利用零碎的时间进行学习。因此，我对教材的“易于消化性”有着近乎苛刻的要求。我希望看到的内容是“模块化”的，即每一个小章节都能独立成篇，即使中断学习后，回来也能迅速找到切入点，不至于因为忘记了前文的细节而感到挫败。我特别欣赏那些能够将复杂的概念用日常语言进行类比的讲解方式，比如将和声的色彩比作光线的明暗，或者将声部进行比作对话的交流。如果这本书能保持这种高效率的信息传递方式，减少不必要的学术术语的堆砌，那么它无疑是非常适合像我这样需要高效学习的群体。我希望它能帮助我将零散的学习时间转化为有效的知识积累，而不是在重复阅读中浪费宝贵的精力。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我是在一个朋友的强烈推荐下接触到这个系列的，他是一位资深的编曲人，对和声的理解非常深刻。他告诉我，学习和声，最怕的就是把理论和听感割裂开来。我一直在寻找那种能够帮助我“听见”和声的教材。我希望这本书不仅仅是告诉我们“为什么可以这么写”，更重要的是，能引导我去“感受”为什么这样写会产生特定的情感效果。例如，当讲解到借用和弦或者转调技巧时，我希望能看到作者如何细致地描绘出音乐情绪的微妙变化——是突然的明朗，还是潜藏的忧郁？我更期待看到一些关于和声在不同曲式结构中扮演角色的分析，而不是仅仅停留在小节层面的规则堆砌。如果能加入一些对古典、浪漫主义甚至近现代音乐中一些标志性段落的和声分析案例，哪怕是简要的对比分析，都会极大地提升学习的深度和广度。我现在对如何用和声来构建音乐的张力与释放，有着强烈的求知欲，希望能在这本书中找到清晰的指引。

评分☆☆☆☆☆

我在学习过程中，特别关注教材是否能提供足够的练习材料来巩固所学。理论知识的吸收，最终都要通过大量的动手实践才能转化为真正的技能。我非常期待看到教材中包含的习题部分，是否具有足够的层次感和挑战性。理想的习题设置应该是循序渐进的：从最基础的四部和声完成到更复杂的终止式构建，再到要求创意思考的短小片段创作练习。而且，如果练习题的难度分布能够合理，让学习者在完成相对简单的任务后，逐步建立起面对难题的信心，那就太棒了。我希望这些练习不仅仅是机械地套用规则，而是能鼓励我在解决问题的过程中，去探索和发现和声连接中更多的可能性。如果练习题的设计能够巧妙地覆盖到该章节的所有关键知识点，形成一个闭环的学习流程，那么这本书在实用价值上将大大提升，真正成为我案头不可或缺的参考工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，给我的第一印象是相当扎实的，看得出是经过精心设计的。纸张的质感很不错，长时间阅读下来眼睛也不会特别容易疲劳，这对于需要反复对照和圈点的学习者来说，简直是福音。我发现，它在结构布局上非常注重逻辑的连贯性。很多音乐理论书籍在介绍完一个基础概念后，往往会突然跳跃到下一个看似无关的主题，导致学习者中间的衔接点丢失。但是这部教材似乎很擅长“搭桥”，它会用一个小节或者一个小段落来回顾前一个知识点，然后非常自然地过渡到新的内容，这种流畅感极大地减轻了自学时的认知负担。我特别留意了那些图示和谱例的清晰度，很多关于声部进行和旋律线条的走向，如果图示模糊，就等于功亏一篑了。幸运的是，这里的插图都非常精细，即便是比较复杂的四部和声布局，也能看得一清二楚。这种对细节的关注，让我对后续的学习内容充满了信心，觉得作者在编撰过程中是真正站在学习者的角度，考虑到了阅读和理解的每一个细微环节。

评分☆☆☆☆☆

这部书，说实话，拿到手上的时候，我心里是有些忐忑的。毕竟，对于音乐理论的学习，尤其是和声学这种听起来就很高深的学科，很多教材总是显得枯燥乏味，充满了冷冰冰的公式和规则，让人望而生畏。我之前的学习经历也常常陷入这种困境：书本上的理论知识能背得滚瓜烂熟，但真要应用到实际的音乐创作或者分析中，就感觉像是隔了一层纱，始终抓不住精髓。期待这本书能带来一些不一样的体验，希望能有更生动、更贴近实践的讲解，而不是那种纯粹的学院派说教。我尤其希望它能清晰地梳理清楚那些复杂的调性转换、不协和音程的处理，以及在不同音乐时期，和声语言是如何演变的。如果能配上丰富的、有代表性的音乐实例，哪怕只是一段简短的分析，都会让我感到豁然开朗。我更看重的是它能否教会我“思考”和声，而不是仅仅“记忆”和声。毕竟，音乐是流动的艺术，理论的学习最终还是为了更好地服务于音乐的表达和理解，如果能把枯燥的规则变成可以自由施展的工具箱，那这本书的价值就体现出来了。我正在努力地寻找那种能将理论与听觉体验完美结合的学习路径，希望能在这本书中找到关键的钥匙。