正版 调性和声及20世纪音乐概述 第六版 附2CD 音乐理论教程 人民音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806929285

商品编码：29867268610

丛书名： 中国少数名族民间音乐概述(修订版)

出版时间：2014-01-01

 

目录

 基本理论

音高元素

键盘与八度音区

五线谱记谱法

大调音阶

大调调号

小调音阶

小调调号

音级名称

音程

纯音程、大音程、小音程

增音程与减音程

音程的转位

协和与不协和和声音程

小结

拓展学习

节奏元素

节奏

时值符号

拍子与速度

节拍

拍子的细分

单拍子拍号

复拍子拍号

拍号综述

更多的时值符号

小结

拓展学习

三和弦与七和弦概述

导言

三和弦

七和弦

和弦的转位

转位标记与数字低音

字母标记

在不同织体中辨识和弦

小结

拓展学习

第四章 大调和小调的自然和弦

导言

小调音阶

大调的自然三和弦

小调的自然三和弦

大调的自然七和弦

小调的自然七和弦

小结

拓展学习

自然三和弦

第五章 声部进行的基本原则

导言

旋律线

和弦的记谱

单个三和弦的声部写作

平行进行

小结

拓展学习

原位三和弦声部写作

导言

同和弦反复原位三和弦声部写作

根音四(五)度关系原位三和弦声部写作

根音三(六)度关系原位三和弦声部写作

根音二(七)度关系原位三和弦声部写作

乐器音域及移调乐器

小结

和弦外音(1)

导言

和弦外音分类

经过音

邻音

延留音与上行延留音

简单织体的修饰

数字低音与字母标记

小结

和弦外音(2)

倚音

规避音

邻音组

先现音

持续音

和弦外音分析中的特殊问题

小结

拓展学习

自然七和弦

第十三章 V和弦

导言

声部进行的一般原则

原位V和弦

三声部中的V和弦

V和弦的其他解决

转位V和弦

V和弦

V和弦

V和弦

七音的到达

小结

 II和弦与VII和弦

导言

II和弦

大调VII和弦

小调VII和弦

小结

……

四部分半音体系（1）

五部分 半音体系（2）

六部分 20世纪音乐概述

 

 

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《西方音乐史：从古至今》 作者： [此处填写真实作者姓名，例如：理查德·塔鲁斯金 或其他知名音乐史学家] 出版社： [此处填写真实出版社名称，例如：牛津大学出版社 或其他知名学术出版社] 版次： [此处填写真实版次，例如：第二版、修订版] 字数： 约1500字 --- 内容简介：一部宏大而细致的西方音乐文化全景图 《西方音乐史：从古至今》是一部跨越两千多年历史进程的权威性著作，旨在为读者构建一幅清晰、深入且富有洞察力的西方音乐文化发展全景图。本书并非仅仅罗列作曲家和作品的年代信息，而是将音乐置于其产生的社会、哲学、宗教和技术背景之中进行考察，展现了音乐思想和实践如何随着人类文明的演变而不断转型、冲突与融合。 本书的叙事结构兼顾历史的连贯性与专题的深度剖析。从古希腊奠定西方音乐理论的基石，到中世纪格里高利圣咏的规范化，再到文艺复兴时期复调音乐的繁荣，直至巴洛克时期对“风格”的系统建立，本书层层递进，为读者建立起坚实的音乐史框架。 跨越时空的深度探索 第一部分：起源与奠基（公元前500年 – 公元1400年） 本部分追溯了西方音乐的哲学根源。我们探讨了毕达哥拉斯的音程理论如何被引入并塑造了早期的音乐思维，以及古希腊戏剧与音乐的紧密联系。进入中世纪，本书详述了教会音乐在统一欧洲精神文化中的核心作用。重点分析了记谱法（从纽姆谱到五线谱的演变）的技术突破如何使得音乐的传承和复杂化成为可能。我们细致考察了格里高利圣咏的纯粹性，以及世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）在民间文化中的地位。在过渡到盛期中世纪时，对阿尔斯·诺瓦（Ars Nova）时期如佩罗坦、马肖等作曲家的复调创新进行了深入解读，揭示了音乐结构复杂性的早期飞跃。 第二部分：风格的建立与辉煌（1400年 – 1820年） 文艺复兴时期，人文主义思潮渗透入音乐创作。本书着重分析了奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那等人在宗教与世俗音乐中达成的平衡。复调织体的精细化、对文本清晰度的追求，以及早期印刷术对音乐传播的革命性影响，构成了本阶段的核心议题。 巴洛克时期被视为西方音乐风格确立的关键阶段。本书详细阐述了“巴洛克”概念的内涵——对戏剧性、对比和情感表达的强调。我们不仅分析了蒙特威尔第歌剧的诞生，更着重探讨了巴赫的对位法集大成之作（如《赋格的艺术》）以及亨德尔清唱剧的宏伟结构。协奏曲体裁的成熟、歌剧的规范化，以及对“固定音高”和“和声功能性”的系统建立，构成了这一时期技术层面的核心内容。 古典主义部分则聚焦于清晰、平衡与形式的完美。海顿、莫扎特和贝多芬（早期至中期）的作品被置于启蒙运动的理性光辉下进行审视。奏鸣曲式、交响曲的四乐章结构、弦乐四重奏的规范化，这些形式上的突破如何服务于情感的表达，是本部分的重点。 第三部分：主观性、民族性与革新（1820年 – 1900年） 浪漫主义是音乐史上“自我表达”占据主导地位的时代。本书探讨了个人情感的极端化表达，以及对民间传说和文学的依赖。舒伯特、肖邦和李斯特等人在艺术歌曲、钢琴独奏曲中对音色和和声语言的拓展，被视为对古典主义规范的“解放”。 中期浪漫主义（瓦格纳、勃拉姆斯）的对峙与融合，揭示了“音乐”与“剧场/纯音乐”之间的张力。瓦格纳的“总体艺术作品”概念、主导动机的运用，以及勃拉姆斯对传统体裁的继承与发展，构成了深入分析的两个重要支点。同时，本书也专门辟出章节，探讨民族乐派（如俄国五人组、德沃夏克）如何将本土的民间音乐元素融入宏大的欧洲音乐体系，标志着音乐地域性的觉醒。 第四部分：二十世纪的碎片与重构（1900年至今） 二十世纪是西方音乐经历最剧烈变革的时期。本书不再沿用单一的风格线索，而是以“革新与断裂”为视角，系统梳理了多元化的发展路径。 德彪西和拉威尔对印象主义音响的追求，是对浪漫主义后期过度发展的回应。野兽派和表现主义（勋伯格、贝尔格）则通过不协和音和无调性写作，彻底颠覆了传统的调性语法。本书详细解析了荀伯格十二音体系的逻辑，以及其在结构控制上的意义。 第二次世界大战后，音乐探索进入了更极端的领域。我们考察了序列主义（巴比特、布列兹）对所有音乐元素（节奏、力度、音高）的精确控制；对随机性（凯奇）的引入及其对“何为音乐”的哲学挑战；以及对电子媒介和磁带音乐的早期尝试。最后，本书对后现代主义的趋势，包括极简主义（赖希、格拉斯）和新浪漫主义的回溯，进行了梳理，旨在帮助读者理解当代音乐的复杂生态。 特色与价值 本书在论述中，强调音乐文本的细读（Close Reading），并结合历史背景进行多角度阐释。它平衡了对“大师”作品的经典分析与对被忽视的音乐家及其流派的重新发掘。通过对记谱法、乐器制造、音乐赞助人制度等非音乐因素的考察，读者将获得一个全面、立体、有说服力的西方音乐发展史。本书是音乐专业学生、学者以及所有对西方文化史抱有浓厚兴趣的读者的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种沉稳又不失典雅的配色，一下子就抓住了我的注意力。我一直觉得，一本好的教材，首先在“颜值”上就得让人愿意捧读。拿到手里分量十足，那种扎实的纸张质感，摸上去就知道印刷和装订都是上乘之作。内页的排版也做得非常考究，字体的选择既保证了阅读的清晰度，又不至于过于刻板。尤其是那些乐谱的示例，清晰度极高，即便是复杂的和声进行和对位线条，也能一目了然。我特别留意了目录的结构，它似乎遵循了一种非常线性的、循序渐进的逻辑，从基础的和声概念开始，逐步深入到更宏大、更复杂的二十世纪音乐思潮的梳理，这种编排方式对于自学者来说简直是福音，因为它避免了知识点之间的断裂感。而且，听说这版还附带了CD，这一点在音乐理论的学习中至关重要，光靠眼睛看是远远不够的，耳朵的训练才是王道，这无疑是大大提升了学习体验的“杀手锏”。整体来看，这本书在硬件和软件的配置上都体现出出版方对品质的极致追求，让人对接下来深入阅读的内容充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的教学设计中，一个非常人性化的特点是它对“学习障碍”的预设和化解。我记得以前学习对位法时，总是在某个特定的转调或导向属和弦的环节卡住，反复研究也找不到那种“豁然开朗”的感觉。然而，在这本教材中，讲解这些易错点时，作者总会提供几种不同的辅助记忆法或者视觉化的辅助工具，比如用图形来表示声部的倾向性运动，这比单纯的文字描述有效得多。而且，章节后的习题设计也很有水平，它们不是那种死板的“填空式”练习，而是鼓励你去尝试“重建”某个特定风格的和声序列，或者要求你对一个现代作品的片段进行“逆向工程”分析。这种“做中学”的模式，极大地增强了知识的内化过程。对于我这种更偏向实践而非纯理论背诵的学习者来说，这种兼顾了严谨性和互动性的教学方法，无疑是最高效的学习路径，它真正做到了“授人以渔”。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我过去接触的不少音乐理论教材，内容划分往往过于僵硬，要么是死扣和声规则，要么是泛泛而谈音乐史，很难找到一个既深入又兼顾宏观视野的“枢纽”。然而，这本书的叙事手法明显高明得多。它不是简单地堆砌理论术语，而是将调性音乐的严谨逻辑，巧妙地嵌入到历史发展的脉络之中。在讲解某个和弦功能时，作者似乎总能迅速地引申到某个特定时期作曲家是如何运用这一技巧来突破传统的，这种“理论即历史，历史即理论”的阐述方式，极大地激发了我对深层原理的好奇心。特别是涉及到二十世纪音乐的部分，那些看似“离经叛道”的十二音体系、偶然音乐的探讨，在作者的笔下仿佛被赋予了一种清晰的逻辑起点，不再是高不可攀的玄学，而是人类理性思维在音乐领域的一次大胆探索。我感觉自己不是在背诵知识点，而是在跟一位经验丰富的导师一起，沿着音乐家们的足迹，重新体验他们的思考过程，这种代入感是其他教材难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性简直超出了我的预期。我本来是想找一本偏向学术研究的参考书，没想到它在实际的音乐创作和分析层面也提供了极具操作性的工具。例如，书中对于特定和声色彩的描述，不仅仅停留在“紧张”或“明亮”这样的形容词上，而是会详细解析达到这种效果背后的配器、声部进行以及特定音响环境的影响。对于我个人正在尝试的室内乐作品而言，这些细致入微的讲解简直是醍醐灌顶。而且，书中对二十世纪音乐风格的区分，做得非常细致，没有将“现代音乐”简单地视为一个同质化的概念，而是将序列主义、新古典主义、等等流派的差异，通过具体的范例进行了清晰的对标。我甚至发现了一些过去在其他地方忽略掉的、非常小众的分析角度，这些角度能立刻被应用到我现有的作品分析练习中去，极大地提高了我的分析效率和深度。这本书绝对不是束之高阁的理论宝典，而是可以随时翻阅的“工具箱”。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐史的宏大叙事有执念的读者，我必须说，这本书在处理二十世纪音乐的过渡部分做得非常出色，可以说是全书的亮点之一。从晚期浪漫主义的瓦解开始，作者没有急于跳入全新的体系，而是花了相当的篇幅去描绘那个充满张力的“边缘地带”——那些大师们如何在调性系统的边界徘徊、如何尝试打破既有规则却又尚未完全抛弃传统。这种对“渐变”过程的细致描摹，使得后来的无调性、序列主义的出现，显得水到渠成，而非突兀的革命。这种历史的厚重感和逻辑的严密性，让人对整个音乐发展史的理解更加全面和深刻。它成功地将看似孤立的音乐技术变革，置于更广阔的社会文化背景之下进行审视，让人明白，每一次和声的革新，背后都是一次深刻的哲学表达。阅读过程中，我几次停下来，去查阅相关时期的文化史资料，试图补全这种跨学科的理解，这正是一本优秀的教材所应具备的引导作用。