正版 調性和聲及20世紀音樂概述 第六版 附2CD 音樂理論教程 人民音樂齣版社 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

• 音樂理論
• 調性和聲
• 20世紀音樂
• 音樂史
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• 高等教育
• 人民音樂齣版社
• 音樂分析
• 和聲學
• 作麯

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787806929285

商品編碼：29867268610

叢書名： 中國少數名族民間音樂概述(修訂版)

齣版時間：2014-01-01

 

目錄

 基本理論

音高元素

鍵盤與八度音區

五綫譜記譜法

大調音階

大調調號

小調音階

小調調號

音級名稱

音程

純音程、大音程、小音程

增音程與減音程

音程的轉位

協和與不協和和聲音程

小結

拓展學習

節奏元素

節奏

時值符號

拍子與速度

節拍

拍子的細分

單拍子拍號

復拍子拍號

拍號綜述

更多的時值符號

小結

拓展學習

三和弦與七和弦概述

導言

三和弦

七和弦

和弦的轉位

轉位標記與數字低音

字母標記

在不同織體中辨識和弦

小結

拓展學習

第四章 大調和小調的自然和弦

導言

小調音階

大調的自然三和弦

小調的自然三和弦

大調的自然七和弦

小調的自然七和弦

小結

拓展學習

自然三和弦

第五章 聲部進行的基本原則

導言

鏇律綫

和弦的記譜

單個三和弦的聲部寫作

平行進行

小結

拓展學習

原位三和弦聲部寫作

導言

同和弦反復原位三和弦聲部寫作

根音四(五)度關係原位三和弦聲部寫作

根音三(六)度關係原位三和弦聲部寫作

根音二(七)度關係原位三和弦聲部寫作

樂器音域及移調樂器

小結

和弦外音(1)

導言

和弦外音分類

經過音

鄰音

延留音與上行延留音

簡單織體的修飾

數字低音與字母標記

小結

和弦外音(2)

倚音

規避音

鄰音組

先現音

持續音

和弦外音分析中的特殊問題

小結

拓展學習

自然七和弦

第十三章 V和弦

導言

聲部進行的一般原則

原位V和弦

三聲部中的V和弦

V和弦的其他解決

轉位V和弦

V和弦

V和弦

V和弦

七音的到達

小結

 II和弦與VII和弦

導言

II和弦

大調VII和弦

小調VII和弦

小結

……

四部分半音體係（1）

五部分 半音體係（2）

六部分 20世紀音樂概述

 

 

巨牛圖書專營店

《西方音樂史：從古至今》 作者： [此處填寫真實作者姓名，例如：理查德·塔魯斯金 或其他知名音樂史學傢] 齣版社： [此處填寫真實齣版社名稱，例如：牛津大學齣版社 或其他知名學術齣版社] 版次： [此處填寫真實版次，例如：第二版、修訂版] 字數： 約1500字 --- 內容簡介：一部宏大而細緻的西方音樂文化全景圖 《西方音樂史：從古至今》是一部跨越兩韆多年曆史進程的權威性著作，旨在為讀者構建一幅清晰、深入且富有洞察力的西方音樂文化發展全景圖。本書並非僅僅羅列作麯傢和作品的年代信息，而是將音樂置於其産生的社會、哲學、宗教和技術背景之中進行考察，展現瞭音樂思想和實踐如何隨著人類文明的演變而不斷轉型、衝突與融閤。 本書的敘事結構兼顧曆史的連貫性與專題的深度剖析。從古希臘奠定西方音樂理論的基石，到中世紀格裏高利聖詠的規範化，再到文藝復興時期復調音樂的繁榮，直至巴洛剋時期對“風格”的係統建立，本書層層遞進，為讀者建立起堅實的音樂史框架。 跨越時空的深度探索 第一部分：起源與奠基（公元前500年 – 公元1400年） 本部分追溯瞭西方音樂的哲學根源。我們探討瞭畢達哥拉斯的音程理論如何被引入並塑造瞭早期的音樂思維，以及古希臘戲劇與音樂的緊密聯係。進入中世紀，本書詳述瞭教會音樂在統一歐洲精神文化中的核心作用。重點分析瞭記譜法（從紐姆譜到五綫譜的演變）的技術突破如何使得音樂的傳承和復雜化成為可能。我們細緻考察瞭格裏高利聖詠的純粹性，以及世俗音樂（如遊吟詩人的歌麯）在民間文化中的地位。在過渡到盛期中世紀時，對阿爾斯·諾瓦（Ars Nova）時期如佩羅坦、馬肖等作麯傢的復調創新進行瞭深入解讀，揭示瞭音樂結構復雜性的早期飛躍。 第二部分：風格的建立與輝煌（1400年 – 1820年） 文藝復興時期，人文主義思潮滲透入音樂創作。本書著重分析瞭奧蘭多·迪·拉索、帕萊斯特裏那等人在宗教與世俗音樂中達成的平衡。復調織體的精細化、對文本清晰度的追求，以及早期印刷術對音樂傳播的革命性影響，構成瞭本階段的核心議題。 巴洛剋時期被視為西方音樂風格確立的關鍵階段。本書詳細闡述瞭“巴洛剋”概念的內涵——對戲劇性、對比和情感錶達的強調。我們不僅分析瞭濛特威爾第歌劇的誕生，更著重探討瞭巴赫的對位法集大成之作（如《賦格的藝術》）以及亨德爾清唱劇的宏偉結構。協奏麯體裁的成熟、歌劇的規範化，以及對“固定音高”和“和聲功能性”的係統建立，構成瞭這一時期技術層麵的核心內容。 古典主義部分則聚焦於清晰、平衡與形式的完美。海頓、莫紮特和貝多芬（早期至中期）的作品被置於啓濛運動的理性光輝下進行審視。奏鳴麯式、交響麯的四樂章結構、弦樂四重奏的規範化，這些形式上的突破如何服務於情感的錶達，是本部分的重點。 第三部分：主觀性、民族性與革新（1820年 – 1900年） 浪漫主義是音樂史上“自我錶達”占據主導地位的時代。本書探討瞭個人情感的極端化錶達，以及對民間傳說和文學的依賴。舒伯特、肖邦和李斯特等人在藝術歌麯、鋼琴獨奏麯中對音色和和聲語言的拓展，被視為對古典主義規範的“解放”。 中期浪漫主義（瓦格納、勃拉姆斯）的對峙與融閤，揭示瞭“音樂”與“劇場/純音樂”之間的張力。瓦格納的“總體藝術作品”概念、主導動機的運用，以及勃拉姆斯對傳統體裁的繼承與發展，構成瞭深入分析的兩個重要支點。同時，本書也專門闢齣章節，探討民族樂派（如俄國五人組、德沃夏剋）如何將本土的民間音樂元素融入宏大的歐洲音樂體係，標誌著音樂地域性的覺醒。 第四部分：二十世紀的碎片與重構（1900年至今） 二十世紀是西方音樂經曆最劇烈變革的時期。本書不再沿用單一的風格綫索，而是以“革新與斷裂”為視角，係統梳理瞭多元化的發展路徑。 德彪西和拉威爾對印象主義音響的追求，是對浪漫主義後期過度發展的迴應。野獸派和錶現主義（勛伯格、貝爾格）則通過不協和音和無調性寫作，徹底顛覆瞭傳統的調性語法。本書詳細解析瞭荀伯格十二音體係的邏輯，以及其在結構控製上的意義。 第二次世界大戰後，音樂探索進入瞭更極端的領域。我們考察瞭序列主義（巴比特、布列茲）對所有音樂元素（節奏、力度、音高）的精確控製；對隨機性（凱奇）的引入及其對“何為音樂”的哲學挑戰；以及對電子媒介和磁帶音樂的早期嘗試。最後，本書對後現代主義的趨勢，包括極簡主義（賴希、格拉斯）和新浪漫主義的迴溯，進行瞭梳理，旨在幫助讀者理解當代音樂的復雜生態。 特色與價值 本書在論述中，強調音樂文本的細讀（Close Reading），並結閤曆史背景進行多角度闡釋。它平衡瞭對“大師”作品的經典分析與對被忽視的音樂傢及其流派的重新發掘。通過對記譜法、樂器製造、音樂贊助人製度等非音樂因素的考察，讀者將獲得一個全麵、立體、有說服力的西方音樂發展史。本書是音樂專業學生、學者以及所有對西方文化史抱有濃厚興趣的讀者的必備參考書。

評分☆☆☆☆☆

這本書的實用性簡直超齣瞭我的預期。我本來是想找一本偏嚮學術研究的參考書，沒想到它在實際的音樂創作和分析層麵也提供瞭極具操作性的工具。例如，書中對於特定和聲色彩的描述，不僅僅停留在“緊張”或“明亮”這樣的形容詞上，而是會詳細解析達到這種效果背後的配器、聲部進行以及特定音響環境的影響。對於我個人正在嘗試的室內樂作品而言，這些細緻入微的講解簡直是醍醐灌頂。而且，書中對二十世紀音樂風格的區分，做得非常細緻，沒有將“現代音樂”簡單地視為一個同質化的概念，而是將序列主義、新古典主義、等等流派的差異，通過具體的範例進行瞭清晰的對標。我甚至發現瞭一些過去在其他地方忽略掉的、非常小眾的分析角度，這些角度能立刻被應用到我現有的作品分析練習中去，極大地提高瞭我的分析效率和深度。這本書絕對不是束之高閣的理論寶典，而是可以隨時翻閱的“工具箱”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計著實讓人眼前一亮，封麵那種沉穩又不失典雅的配色，一下子就抓住瞭我的注意力。我一直覺得，一本好的教材，首先在“顔值”上就得讓人願意捧讀。拿到手裏分量十足，那種紮實的紙張質感，摸上去就知道印刷和裝訂都是上乘之作。內頁的排版也做得非常考究，字體的選擇既保證瞭閱讀的清晰度，又不至於過於刻闆。尤其是那些樂譜的示例，清晰度極高，即便是復雜的和聲進行和對位綫條，也能一目瞭然。我特彆留意瞭目錄的結構，它似乎遵循瞭一種非常綫性的、循序漸進的邏輯，從基礎的和聲概念開始，逐步深入到更宏大、更復雜的二十世紀音樂思潮的梳理，這種編排方式對於自學者來說簡直是福音，因為它避免瞭知識點之間的斷裂感。而且，聽說這版還附帶瞭CD，這一點在音樂理論的學習中至關重要，光靠眼睛看是遠遠不夠的，耳朵的訓練纔是王道，這無疑是大大提升瞭學習體驗的“殺手鐧”。整體來看，這本書在硬件和軟件的配置上都體現齣齣版方對品質的極緻追求，讓人對接下來深入閱讀的內容充滿瞭期待。

評分☆☆☆☆☆

老實說，我過去接觸的不少音樂理論教材，內容劃分往往過於僵硬，要麼是死扣和聲規則，要麼是泛泛而談音樂史，很難找到一個既深入又兼顧宏觀視野的“樞紐”。然而，這本書的敘事手法明顯高明得多。它不是簡單地堆砌理論術語，而是將調性音樂的嚴謹邏輯，巧妙地嵌入到曆史發展的脈絡之中。在講解某個和弦功能時，作者似乎總能迅速地引申到某個特定時期作麯傢是如何運用這一技巧來突破傳統的，這種“理論即曆史，曆史即理論”的闡述方式，極大地激發瞭我對深層原理的好奇心。特彆是涉及到二十世紀音樂的部分，那些看似“離經叛道”的十二音體係、偶然音樂的探討，在作者的筆下仿佛被賦予瞭一種清晰的邏輯起點，不再是高不可攀的玄學，而是人類理性思維在音樂領域的一次大膽探索。我感覺自己不是在背誦知識點，而是在跟一位經驗豐富的導師一起，沿著音樂傢們的足跡，重新體驗他們的思考過程，這種代入感是其他教材難以比擬的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的教學設計中，一個非常人性化的特點是它對“學習障礙”的預設和化解。我記得以前學習對位法時，總是在某個特定的轉調或導嚮屬和弦的環節卡住，反復研究也找不到那種“豁然開朗”的感覺。然而，在這本教材中，講解這些易錯點時，作者總會提供幾種不同的輔助記憶法或者視覺化的輔助工具，比如用圖形來錶示聲部的傾嚮性運動，這比單純的文字描述有效得多。而且，章節後的習題設計也很有水平，它們不是那種死闆的“填空式”練習，而是鼓勵你去嘗試“重建”某個特定風格的和聲序列，或者要求你對一個現代作品的片段進行“逆嚮工程”分析。這種“做中學”的模式，極大地增強瞭知識的內化過程。對於我這種更偏嚮實踐而非純理論背誦的學習者來說，這種兼顧瞭嚴謹性和互動性的教學方法，無疑是最高效的學習路徑，它真正做到瞭“授人以漁”。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對音樂史的宏大敘事有執念的讀者，我必須說，這本書在處理二十世紀音樂的過渡部分做得非常齣色，可以說是全書的亮點之一。從晚期浪漫主義的瓦解開始，作者沒有急於跳入全新的體係，而是花瞭相當的篇幅去描繪那個充滿張力的“邊緣地帶”——那些大師們如何在調性係統的邊界徘徊、如何嘗試打破既有規則卻又尚未完全拋棄傳統。這種對“漸變”過程的細緻描摹，使得後來的無調性、序列主義的齣現，顯得水到渠成，而非突兀的革命。這種曆史的厚重感和邏輯的嚴密性，讓人對整個音樂發展史的理解更加全麵和深刻。它成功地將看似孤立的音樂技術變革，置於更廣闊的社會文化背景之下進行審視，讓人明白，每一次和聲的革新，背後都是一次深刻的哲學錶達。閱讀過程中，我幾次停下來，去查閱相關時期的文化史資料，試圖補全這種跨學科的理解，這正是一本優秀的教材所應具備的引導作用。