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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552308525

商品编码：29867301935

丛书名： 漫画小小钢琴演奏家 音乐的风格

 

作者简介 彼得·克拉吉奥（Peter Coraggio）【美】是坐落于马诺阿（Manoa）的夏威夷大学名誉教授，也是一位技艺精湛的钢琴演奏家。他创作有关于键盘乐器及其作品的各类著作，内容涵盖从古典音乐到当代新作品等各个领域。克拉吉奥在茱莉亚音乐学院获得硕士学位，他的昔日导师包括戈登·斯坦利（Gordon Stanley）,詹姆斯·弗里斯金（James Friskin）和沃尔夫冈·罗泽（Wolfgang Rosé）。
身为一位丰产的作家，克拉吉奥创作的《钢琴表演艺术漫谈》(The Art of Piano Performance)漫画丛书受到了世界各国儿童和家长的欢迎，日本、韩国、中国先后翻译出版了这个畅销的系列。此外，日本一些知名出版社还引进出版了他面向儿童创作的其他作品，如探讨德彪西作品风格和演奏问题的《儿童园地》，以及他与茱莉亚音乐学院名誉教授约瑟夫·布洛赫（Joseph Bloch）合著的音乐作品研究系列丛书等。
此外，克拉吉奥还是表演艺术协会的主席，该机构通过举办一系列有关表演艺术的文化活动来培养少年艺术家。作为一名充满活力的教育者，他常年致力于推进音乐教育、组织大师班讲座和举办演奏活动等工作。

乔恩·J.穆拉卡米（Jon J. Murakami）【美】是一名活跃的自由撰稿艺术家，他的艺术创作得到了当代读者的普遍认可和欢迎。或许他广为人知的创作，便是由麦乐威公司（Maile Way Products）出品的令人捧腹不禁的系列贺卡了。这些多达数百种的贺卡都以夏威夷本土风情为主题，可用于各种各样的场合。
穆拉卡米是土生土长的夏威夷欧胡岛（Oahu）人，他在马诺阿的夏威夷大学获得审美艺术专业学士学位。在学校中，他曾常年为校刊创作连载漫画，漫画专栏题为"多彩之城的大学"。
与此同时，穆拉卡米也是由知名艺术家费尔·叶[Phil Yeh]创办的"美国&世界漫画家联盟"中的一名积极分子，他曾协助费尔·叶在美国各地创作壁画，还与他在各类漫画书中创作关于传播文化、抵制烟草、宣传艺术和音乐等主题的绘画作品。
此外，穆拉卡米还为一些企业设计文化衫和徽标，他也从事原创漫画的创作，还为《檀香山星报》和《夏威夷先驱报》等报刊杂志创作连载漫画或专栏漫画。

 

 

内容推荐 本系列由美国秋思公司提供版权。这是一套面向儿童创作的漫画集，共5本，分别从音乐风格、踏板使用、表情处理、音乐术语和演奏技法方面进行了生动而富有趣味的描述。插画作者穆拉卡米是一位常年活跃在动漫绘画届的画家，他充满想象力的绘画阐释方法适合儿童对于一些复杂、抽象的概念加以理解，今儿掌握基础的钢琴与音乐知识。

 

《星尘下的协奏曲：古典音乐的浪漫史诗》 本书带领读者踏入一个波澜壮阔的音乐世界，追溯西方古典音乐自巴洛克时期萌芽，历经古典主义的辉煌，浪漫主义的激情澎湃，直至印象派的朦胧与现代主义的先锋探索。我们不关注少儿乐理启蒙，而是深入探讨那些塑造了音乐史格局的伟大作曲家、他们的时代背景以及作品中蕴含的深刻人文精神。 第一章：巴洛克的华丽与严谨——从复调的迷宫到歌剧的诞生 本章聚焦于17世纪至18世纪中叶的巴洛克音乐时期。我们将详细剖析这一时期音乐的核心特征——对对比、装饰性以及清晰的结构有着近乎痴迷的追求。 首先，我们重访约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）。巴赫不仅是巴洛克时期的集大成者，更是对位法的绝对大师。我们将细致解读《赋格的艺术》中，如何通过主题的模仿、转化与交织，构建出逻辑严密、情感深邃的音乐结构。我们会探讨《平均律钢琴曲集》在键盘音乐发展史上的里程碑意义，以及它如何为后世的和声学奠定基础。我们不仅仅是罗列曲目，而是深入分析“卡农”（Canon）与“赋格”（Fugue）的技法，展示巴赫如何将神学思辨与数学般精确的音乐逻辑融为一体。 随后，我们转向乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）。与巴赫专注于教堂和宫廷的严谨不同，亨德尔是巴洛克歌剧和清唱剧的巨匠。我们着重分析《弥赛亚》的结构，特别是“哈利路亚”合唱部分如何通过层层推进的音域和对歌词的戏剧性处理，达到无与伦比的宣叙效果。此外，本书还将探讨“巴洛克式协奏曲”（Concerto Grosso）的特点，对比科雷利、维瓦尔第等人在协奏曲织体上的创新，理解“快-慢-快”的曲式如何确立了协奏曲的基本骨架。 我们还会用专门的篇幅来探讨巴洛克时期乐器的发展，特别是羽管键琴（Harpsichord）和早期管风琴的音色特点，它们如何塑造了那个时代特有的音乐质感——清晰、锐利而富有活力。 第二章：古典主义的光辉与秩序——奏鸣曲式的确立与交响乐的黄金时代 进入18世纪中后期，音乐风格从巴洛克的繁复装饰转向了清晰、平衡与和谐。这一时期，即古典主义，是形式美学的巅峰。 海顿，被誉为“交响乐之父”，是本章的中心人物之一。我们将细致讲解奏鸣曲式（Sonata Form）的三个核心部分——呈示部、发展部和再现部，以及海顿如何通过对呈示部主题的灵活处理，赋予交响乐结构上的强大生命力。我们对比分析其早期的实验性作品与晚期“伦敦交响曲”的成熟风范，探讨他如何将民间旋律的朴素融入宫廷音乐的典雅之中。 莫扎特，这位音乐神童，代表了古典主义的完美与情感的深度结合。本书将深入剖析他的歌剧艺术，特别是《费加罗的婚礼》和《唐璜》。我们不再简单描述剧情，而是分析莫扎特如何运用复杂的宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）来刻画人物的内心矛盾，特别是对人性的洞察力，如何在音乐织体中得到体现。他的钢琴协奏曲，特别是后期作品，如何将独奏乐器提升到与乐队平等的对话地位，是重点分析对象。 当然，无法绕开路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven）。贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。他的早期作品继承了海顿和莫扎特的衣钵，但从《第三号“英雄”交响曲》开始，他极大地扩展了奏鸣曲式的规模与戏剧性。我们将分析《第五号交响曲》中“命运”主题的动机发展，探究他如何将一个简单的四音动机贯穿始终，构建出宏大的结构。此外，我们还会审视他晚期弦乐四重奏的深刻哲学性，这些作品如何超越了彼时的听众理解，预示着未来音乐的发展方向。 第三章：浪漫主义的激情与个体表达——情感的无限释放与民族主义的兴起 19世纪的浪漫主义是对古典主义理性精神的一种反叛，它强调主观情感、想象力、对自然与超自然的迷恋，以及个体英雄主义的颂歌。 肖邦和李斯特是钢琴音乐浪漫化的核心人物。我们将区分肖邦对波兰民间音乐的内化，分析其玛祖卡（Mazurka）和波兰舞曲（Polonaise）如何通过独特的节奏和和声语言，成为民族精神的载体。对于李斯特，重点将放在他作为“钢琴炫技大师”的地位，分析他如何通过革命性的技巧（如八度连奏、超高难度的琶音）来描绘广阔的自然景观与文学意境，以及他发明的“交响诗”（Symphonic Poem）这种单乐章管弦乐叙事体裁的意义。 管弦乐方面，勃拉姆斯被视为古典传统的继承者，我们研究他如何在坚持奏鸣曲式严谨性的同时，注入深沉、内省的浪漫主义情怀。与他形成对比的是瓦格纳，他彻底颠覆了歌剧结构，提出了“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念。本书将详细阐述瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统，分析它如何像一个音乐符号的密码系统，指引听众理解复杂的戏剧冲突，并探讨他激进的和声语言（如《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”）对后世的影响。 本章还会涉及俄国五人组（如穆索尔斯基、林姆斯基-科萨科夫）以及德彪西早期的探索，他们如何在浪漫主义的大潮中开始注入强烈的民族色彩和对异域文化的兴趣，为音乐的下一步转型埋下伏笔。 第四章：走向现代——印象、实验与破碎的传统 20世纪初，随着社会和技术的巨大变革，音乐也开始寻求新的表达方式。 德彪西和拉威尔代表的印象主义，是对瓦格纳式强烈情感的一种微妙反拨。我们将分析德彪西如何运用全音阶、五声音阶以及模糊的主音调性，来模仿光影和水波的质感，而非传统意义上的叙事。 然而，真正的突破来自对传统调性的彻底颠覆。勋伯格，作为第二维也纳乐派的创始人，他从无调性（Atonality）的探索走向了结构化的十二音体系（Dodecaphony）。本书将清晰解释十二音体系的构建规则——音高的平等使用，以及它如何旨在消除传统调性中的主音中心，从而表达现代人疏离、焦虑的精神状态。 最后，我们将短暂回顾斯特拉文斯基的革命性作品《春之祭》。这部作品以其原始的节奏冲突、对位法的暴力使用和刺耳的不和谐音响，在首演时引发了骚动。它标志着欧洲音乐中心彻底转向了节奏和音色的实验，为后来的序列主义、随机音乐等先锋流派打开了大门。 本书旨在为严肃的音乐爱好者提供一个清晰的脉络，理解古典音乐是如何一步步从巴洛克的信仰严谨，过渡到浪漫主义的个体抒情，最终在20世纪走向结构与音色的无限可能性。重点在于技法分析、时代精神的把握，以及伟大作曲家们如何在他们所处的文化土壤中，铸就了永恒的艺术形式。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感觉是“润物细无声”的启蒙典范。它没有制造任何焦虑感，没有设置难度过高的测试环节，而是像一位和蔼可亲、知识渊博的音乐导师，轻柔地引导着孩子的手去触摸键盘，去聆听内心的旋律。我尤其喜欢其中穿插的那些关于著名音乐家的小花絮，它们不是生硬的传记节选，而是用非常生活化的语言讲述了贝多芬在创作时的小困扰，或者莫扎特是如何即兴发挥的。这些片段极大地丰富了音乐的历史背景，让枯燥的“历史”变得鲜活起来，让孩子们明白，伟大的音乐家也曾是和他们一样，需要克服困难、不断练习的普通人。这本书带来的不仅是钢琴知识，更是一种积极面对挑战、热爱艺术的健全人格的熏陶，是值得所有关心孩子音乐素养的家庭拥有的佳作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和细节处理简直是教科书级别的，看得出来出版方在成本控制上是相当慷慨的。纸张的触感非常细腻，拿在手里沉甸甸的，完全没有廉价感。更让我欣赏的是，很多关键的乐理知识点旁边，都附带有二维码或者小链接（我猜测是线上资源），这极大地扩展了本书的实用性。我尝试扫描了一个链接，跳转到了一个非常清晰的乐器发声示例动画，这对于学习听辨不同乐器的音色和音高至关重要。它真正实现了“纸质阅读”与“多媒体学习”的无缝衔接，让孩子在阅读静态文字和图像的同时，能够即时获取到动态的声音反馈，极大地增强了学习的沉浸感和真实性，这在传统的音乐启蒙教材中是很难实现的跨越。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就非常抓人眼球，那种明亮温暖的色调一下子就让人心情愉悦起来，感觉就像是走进了一个充满活力的音乐世界。我立刻就被那些画风可爱到犯规的小漫画人物吸引住了，他们有的正在认真地对着琴谱琢磨，有的则是一脸陶醉地沉浸在自己的演奏中，每一个小细节都处理得非常到位，看得出来作者在插画上下了很大的功夫。而且，排版布局也很有心思，文字和图画的结合非常流畅自然，不会让人觉得信息量太大或者阅读起来有压力。我本来还担心内容会比较枯燥，毕竟是涉及“音乐理论”这种听起来有点严肃的学科，但光是翻阅这些精美的插画，就已经让我对这本书产生了浓厚的兴趣，它成功地将学习的门槛降到了最低，让人感觉学音乐原来可以这么轻松有趣，简直是为那些对钢琴心存向往却又有点畏惧的小朋友们量身定做的“定心丸”。这本书给我的第一印象是，它不仅仅是一本“工具书”，更像是一本能激发孩子好奇心和探索欲的精美图册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式真是太高明了，它完全抛弃了那种填鸭式的教学方法，而是采用了一种情景化的、代入感极强的“小故事”形式来阐述复杂的音乐概念。我特别喜欢其中一个章节，主角小提琴手遇到了一个关于“音程”的难题，作者没有直接给出定义，而是通过他们一起在森林里采摘不同高度的浆果，用视觉化的方式解释了“大三度”和“纯五度”的距离感。这种将抽象的理论知识“具象化”的处理手法，对于我们这些非科班出身的家长来说，都感到豁然开朗，更别提那些正在建立初步认知体系的孩子们了。它不是在“教”你知识，而是在“邀请”你一起参与到音乐的探索旅程中去。读着读着，我仿佛都能听到那些音符在纸面上跳跃的声音，那种对节奏和旋律的直观感受，远比死记硬背五线谱上的符号来得深刻和持久。

评分☆☆☆☆☆

作为家长，我最看重的是内容知识的系统性和趣味性的平衡，而这本书在这方面做得近乎完美。它不仅仅停留于“如何弹奏”的表面，而是深入到了音乐的“为什么”——比如它用非常生动的小剧本来解释了不同“调式”带来的情绪差异，让孩子明白为什么C大调听起来阳光明媚，而小调却带有一丝忧郁。这种对音乐底层逻辑的启蒙教育，是很多同类读物所欠缺的。我观察我的侄女（这本书的主要目标读者之一），她不再只是机械地跟着手指图谱练习，而是开始主动问一些诸如“老师，为什么这个和弦听起来感觉要‘回家’？”之类的问题。这表明这本书已经成功地在她心中播下了“理解音乐”的种子，让她从一个单纯的“演奏者”开始向一个“倾听者”和“思考者”转变。这种深层次的认知提升，才是这本书最宝贵的价值所在。