民族民间音乐概论 刘正维 西南师范大学 民族民间音乐概论/21世纪新音乐理论丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 21世纪新音乐理论丛书
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 西南师大

ISBN：756213040X

商品编码：29867328048

丛书名： 民族民间音乐概论21世纪新音乐理论丛书

开本：16开

出版时间：2005-06-01

 

目录

 综论
 民族民间音乐的概念、范畴及其分类 
第二节 民族民间音乐的发展历史
第三节 学习民族民间音乐的“五态”、“四径”、“三线”
第四节 南北方音乐的不同风格特征
第五节 汉族4首代表性民歌的特征与特征覆盖
第六节 民族民间音乐的调式体系与调式分布
第七节 民族民间音乐的基本曲线与音乐体制
第八节 民族民间音乐的传播、交融与板块分布
第九节 在统一的前提下求对比的审美意识
第二章 民间歌曲
 民间歌曲概述
第二节 民间歌曲的体裁与歌种
第三节 少数民族的多声部民歌
第四节 古代歌曲
第五节 民歌的腔与调
第三章 民族民间器乐
民族民间器乐概述
第二节 民族民间器乐曲的构成
第三节 民族民间乐器的类别与演奏形式
第四节 民族民间器乐曲的标题性
第五节 民族民间器乐曲的结构特征与发展手法
第四章 曲艺音乐
 曲艺音乐的形成与发展
第二节 曲艺音乐的基本特征
第三节 曲艺音乐分类与曲种分布
第四节 少数民族曲艺音乐
第五章 戏曲音乐
 戏曲艺术概述
第二节 戏曲音乐的形成与历史发展
第三节 戏曲音乐的表现手段
第四节 戏曲唱腔的行当
第五节 戏曲唱腔三绝
第六节 戏曲的声腔系统 
第七节 戏曲剧种
后记

 

 

我国的民族音乐,包括以时期分属的传统音乐与现代新音乐两大部分。现代新音乐,一般来说,是指“五四”时期以来的专业性音乐艺术。诸如各种题材、体裁与形式的声乐曲、器乐曲,包括大合唱、交响乐、歌剧、音乐剧等等。传统音乐,大体是指“五四”时期以胶的音乐艺术。本书将主要论述传统音乐部分。

古今交响：西方音乐史纲要 作者： [此处可填入一位假设的历史学家或音乐学家的名字，例如：阿诺德·费舍尔] 出版社： [此处可填入一家假设的权威学术出版社，例如：牛津大学出版社] 丛书系列： [此处可填入一个假设的系列名称，例如：全球音乐文化研究丛书] --- 内容提要 《古今交响：西方音乐史纲要》是一部旨在全面梳理和深入剖析西方音乐自史前萌芽至二十一世纪初的演变历程的综合性学术著作。本书超越了传统上仅仅罗列作曲家和作品的编年史叙事模式，而是着重于探究音乐形态背后的社会、哲学、技术和美学动因，力求揭示西方音乐作为人类文明重要载体的内在逻辑与外部影响。 全书结构严谨，逻辑清晰，内容涵盖了从古希腊的音乐理论基础、中世纪的宗教音乐主导地位，到文艺复兴时期的复调艺术成熟，巴洛克时期的风格确立，古典主义的结构完美，浪漫主义的个性解放，再到二十世纪以来对传统体系的颠覆与重建。本书尤其强调跨学科的视角，将音乐史置于更广阔的文化场域中进行考察。 卷帙详述 本书共分为七大部分，每一部分都聚焦于西方音乐发展史上的一个关键转折点或核心范式。 第一部分：奠基与回响——古代至早期中世纪（约公元前 500 年 – 公元 1000 年） 本部分首先追溯了西方音乐的源头，详细考察了古希腊的音阶理论（如 Dorian、Phrygian 调式）、音乐与伦理的关系（柏拉图与亚里士多德的论述），以及早期记谱法的探索。随后，重点分析了基督教兴起后，格里高利圣咏（Gregorian Chant）如何确立了西方单音音乐的审美基石。我们探讨了修道院在保存和规范音乐传统中的核心作用，以及早期“记谱法”从纽姆符号到指示音高的演进过程，为后世复调音乐的诞生埋下了伏笔。对拜占庭音乐的影响也做了简要的比较分析。 第二部分：结构之萌芽——盛期中世纪与早期复调（约 1000 年 – 1400 年） 本卷的核心议题是复调的诞生与早期发展。详尽阐述了奥尔加农（Organum）的形成过程，从平行进行的简单复调到自由复调的突破。特别关注了巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），如莱奥宁和佩罗坦的贡献，以及他们如何首次系统性地应用了节奏的量化概念。此外，本书未忽略世俗音乐的重要性，详细剖析了游吟诗人（Troubadour）和宫廷歌唱家（Trouvère）的歌曲体裁、诗歌主题及其与宫廷文化、十字军东征的关联。 第三部分：人文主义的复苏——文艺复兴的辉煌（约 1400 年 – 1600 年） 文艺复兴时期是人类中心主义观念在音乐中全面开花的阶段。本部分深入研究了模仿对位作为核心技巧的成熟，以及主调（homophony）在清唱剧和牧歌（Madrigal）中的兴起。重点分析了法兰德斯乐派（如雅各布·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）如何将人声的表达力推向巅峰，以及印刷术对音乐传播的革命性影响。同时，本卷还对比了宗教音乐（弥撒曲、经文歌）与世俗音乐（香颂、里琴曲）在审美追求上的差异与融合。对晚期复调大师帕莱斯特里纳和奥兰多·迪·拉苏斯的对位技法进行了细致的形态学分析。 第四部分：情感的张力——巴洛克的盛大舞台（约 1600 年 – 1750 年） 巴洛克时期标志着音乐从“群体意识”转向“个人情感”的剧烈转型。本书首先阐释了“新艺术”（Ars Nova）向“新风格”（Stile Nuovo）的转变，特别是“歌剧”这一新体裁在佛罗伦萨“ झाली卡梅拉塔”的诞生过程。详细探讨了数字低音（Basso Continuo）体系如何成为巴洛克音乐的骨架，以及调性体系（Tonal System）的最终确立。科雷利的小提琴奏鸣曲、亨德尔的清唱剧、以及巴赫的赋格艺术——被视为对位法的集大成——构成了本卷的主体分析对象。 第五部分：秩序与和谐——古典主义的典范（约 1730 年 – 1820 年） 在对巴洛克繁复的装饰和情感泛滥的反思中，古典主义追求清晰、平衡与结构完美。本部分聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）作为核心结构原则的建立与完善，并探讨了交响曲、协奏曲、室内乐（弦乐四重奏）等大型体裁的规范化进程。重点剖析了海顿的结构创新、莫扎特的旋律天赋与戏剧性处理，以及贝多芬如何在前两者基础上，通过对位、发展部长度的扩展和动机的戏剧化运用，为浪漫主义开启了大门。 第六部分：精神的探索——浪漫主义的狂飙（约 1810 年 – 1900 年） 浪漫主义音乐的核心在于主观情感的极端表达、对民族精神的挖掘以及对超验事物的向往。本卷考察了艺术歌曲（Lied）的兴盛（舒伯特、舒曼），管弦乐队的空前膨胀，以及“标题音乐”的崛起（李斯特的交响诗）。详细分析了和声语言的拓展——半音化、非功能性和声的增多——如何瓦解了古典调性体系的约束。同时，本书也关注了德奥之外的区域，如俄国“五人组”和德彪西的印象主义前奏，探讨了民族主义在音乐中的具体表现形式。 第七部分：破碎与重构——二十世纪至今的音乐景观 这是全书最具挑战性也最引人入胜的部分。本卷不再试图描绘单一的主流，而是呈现一场百花齐放的“主义”博弈。深入分析了瓦格纳遗产的“解体”，勋伯格如何从晚期调性走向十二音体系（Dodecaphony）和序列主义，以及斯特拉文斯基对原始主义和新古典主义的探索。此外，本书还对随机音乐（Aleatoric Music）、电子音乐的早期实践、极简主义（Minimalism）的回归朴素，以及当代音乐与技术、哲学思潮的深度互动进行了评述。对“后现代”背景下音乐的多元化趋势和跨界现象给予了充分关注。 本书特色与价值 1. 全球视野的整合： 虽然聚焦西方，但本书在适当的节点会引入拜占庭、阿拉伯、或东方音乐对西方的影响作为参照，避免孤立看待历史。 2. 理论与实践的结合： 每章节均配有关键术语的精确释义、核心作品的结构图解，以及对关键乐谱片段的深入分析，适合专业学生与自学者。 3. 美学与社会学的交织： 强调音乐是如何反映并塑造了其所处的政治环境、宗教信仰和科学进步的。例如，探讨了工业革命对乐器制造和演奏技术的影响。 4. 严谨的学术引用： 全书严格遵循学术规范，注释翔实，参考文献列表涵盖了该领域最具影响力的德文、法文和英文原著，确保了内容的权威性。 《古今交响》不仅是一部历史教科书，更是一部引导读者理解西方音乐这三千年复杂而迷人的演进脉络的导览图。它邀请读者重新聆听那些耳熟能详的旋律，并以更深邃的眼光去发现它们背后蕴藏的结构之美与时代之声。

评分☆☆☆☆☆

在阅读过程中，我发现这本书的语言风格是极其克制而精准的，这对于一本理论丛书来说至关重要。它避免了过于口语化带来的随意性，也没有陷入过度学术化的晦涩泥潭。作者似乎有一种魔力，能将复杂的人类学、社会学概念，巧妙地融入到对音乐现象的描述之中。例如，在探讨“口头传统”的传承机制时，他使用的比喻和类比非常贴切，让初学者也能迅速把握住“活的音乐”与“文本记录”之间的本质区别。这种平衡拿捏得恰到好处，既保证了学术的严肃性，又确保了知识的可接受度。每一次合上书本，我都能清晰地在脑海中勾勒出一个知识框架，知道自己刚刚掌握了哪些关键概念，以及这些概念之间是如何相互支撑、形成一个完整系统的。这对于系统学习者来说，简直是福音，省去了太多自己梳理庞杂信息的精力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那种深邃的蓝色调，仿佛一下子就把人拉进了一个充满神秘色彩的音乐世界。我尤其喜欢封面上那些抽象的几何图案，它们似乎在暗示着民族音乐中那些复杂而又富有韵律的结构。初次翻开，我立刻被那种严谨而不失亲切的学术笔触所吸引。作者在开篇就为我们描绘了一幅宏大的音乐全景图，从人类早期对声音的感知，到不同地域文化的音乐表达，娓娓道来，让人感到踏实而又充满期待。特别是他对音乐起源的探讨，引用了多个领域的理论支撑，而不是简单地罗列事实，这体现了作者深厚的学术功底和开阔的视野。读下去，感觉就像是跟随一位经验丰富的老者，漫步在世界各地的村落和山林间，聆听那些未经雕琢、却直击灵魂的歌声和乐音。这种沉浸式的阅读体验，在许多同类教材中是难得一见的，它不仅仅是一本知识的传递者，更像是一扇通往未知文化宝藏的门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的章节安排逻辑性极强，脉络清晰得如同精心绘制的地图。它没有急于展示那些华丽的异域乐器或炫技的演奏片段，而是非常耐心地从最基础的“声音材料”开始构建起民族音乐的知识体系。我特别欣赏作者处理不同文化案例时的那种尊重和审慎态度。他没有用一种“评判者”的视角去衡量不同音乐体系的高下，而是深入挖掘每一种音乐现象背后的文化逻辑和生态环境。比如，书中对某特定地区祭祀音乐的分析，不仅详细描述了调式和节奏的特点，更巧妙地联系了当地的社会结构和信仰体系，让人瞬间理解了那些看似怪诞的音高或重复的段落，实则蕴含着多么深刻的生命意义。这种“语境化”的分析方法，极大地提升了阅读的深度，使得那些原本可能枯燥的理论分析，变得鲜活而富有生命力，仿佛每一种声音都有了它存在的理由和故事。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，这本书在学术规范和引注方面做得非常扎实，每一个重要的论点、每一个关键的案例，都能找到清晰可靠的来源支撑。对于一个认真的学习者来说，这种严谨性是衡量一本学术著作价值的重要标尺。我注意到作者在引用国际前沿研究成果时，展现了广博的知识面，将东方的田野调查与西方的音乐人类学理论进行了有效的对话与整合，跳出了地域局限性的思考模式。这种跨文化的学术视野，使得全书的论证力量非常雄厚，让人信服。它不仅教会了我“是什么”的知识，更重要的是，它教会了我“如何去研究”和“如何去思考”的治学方法论。阅读完毕，我感到自己手中的工具箱被极大地充实了，无论是未来进行田野调查，还是撰写相关论文，这本书都将是我案头不可或缺的基石和重要的思想催化剂。

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理民族民间音乐的“变异性”和“当代性”时，展现了超越时代的洞察力。许多关于民族音乐的著作往往过于强调“原真性”和“历史的纯粹”，但这本书却勇敢地触及了全球化背景下，传统音乐面临的冲击、融合与重生。作者对“活态遗产”的论述尤其深刻，他没有把民间音乐视为博物馆里的陈列品，而是将其置于动态的社会变迁之中进行考察。他讨论了音乐家如何在新媒体环境下进行创新，以及这些创新又如何反哺于社区文化认同的建构。这种与时俱进的视角，让我深切体会到，研究民族音乐绝不是考古学，而是一门研究“正在发生”的人类创造力的学科。这种前瞻性的视野，让这本书即便是面对二十一世纪的新挑战，也依然保持着强大的理论指导价值，而不是沦为过时的文献。