正版复调音乐写作基础教程(修订版)/陈铭志 人音 作曲技术理论丛书 陈铭志 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 人音出版社
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103035290

商品编码：29867355268

丛书名： 复调音乐写作基础教程(修订版)陈铭志

出版时间：2011-02-01

目录

绪论

一、复调音乐的定义与类型

二、复调音乐与主调音乐的相互关系

三、复调音乐的表现作用

 

部分 单声部写作

章 旋律

一、旋律进行的一般特点

二、旋律的节奏

三、旋律的调式、调性

四、旋律中的变化音

五、旋律的结构

 

第二部分 二声部写作

第二章 二声部单对位

一、一般特性

二、和声基础

三、声部进行

四、调性、调式关系

五、声部的对比

六、织体类型

七、开始与结尾的处理

 

第三章 二重对位

一、一般特性

二、常用的二重对位

三、二重对位在作品中的应用

 

第四章 二重对位的变体形式

一、蟹行对位

二、倒影对位

 

第五章 二声部模仿

一、一般特性

二、模仿的写作步骤

三、模仿的织体类型

四、模仿与二重对位的结合

五、模仿在作品中的应用

 

第三部分 三声部写作

第六章 三声部单对位

一、一般特性

二、和声处理

三、声部进行

四、声部对比

五、声部距离

六、织体类型

七、开始与结尾的处理

……

第七章 三重对位

第八章 三声部模仿

 

第四部分 四声部写作

第五部分

 

编辑推荐

《复调音乐写作基础教程(修订版)》：作曲技术理论丛书

 

《现代管弦乐队配器法》 作者： [著名配器法专家姓名] 出版社： [知名音乐出版社名称] 出版时间： [具体年份] 字数： 约 980,000 字 装帧： 精装，附赠数字音频资源包 --- 内容提要 《现代管弦乐队配器法》是一部旨在系统梳理与深入剖析二十世纪至二十一世纪管弦乐队配器技艺的权威性著作。本书突破了传统配器教材侧重于古典主义及浪漫主义时期标准的局限，将焦点置于当代作曲家在扩大乐器音色库、探索非传统演奏技巧以及构建复杂织体结构时所运用的前沿配器策略。本书不仅是音乐学院配器专业学生和研究人员的必备参考书，也是对当代管弦乐法实践有浓厚兴趣的作曲家、指挥家以及乐团乐师的宝贵资源。 全书共分五大部分，系统地覆盖了从基础乐器特性到宏大管弦乐队整体运作的各个层面。 第一部分：二十世纪管弦乐的范式转移（约 15 万字） 本部分追溯了自德彪西、斯特拉文斯基直至后来的“新古典主义”和“序列主义”时期，管弦乐队音响观念的根本性转变。重点分析了印象主义对音色纯净度的追求如何引导作曲家转向对特定乐器个体音色的精微描摹，以及序列音乐对固定音型和节奏模式的解构如何催生了对“声场构建”的兴趣。 核心章节包括： 1. 音色作为结构要素： 探讨如何将特定乐器的“纹理”而非传统和声功能视为组织音乐材料的首要依据。 2. 非传统发音法入门： 详细介绍包括“絮语音”（Flatterzunge）、“弓根演奏”（Col legno）、“咬簧”（Biting the reed）等技术在特定作曲家（如勋伯格、布里顿）作品中的应用。 3. “薄”与“厚”的动态美学： 对比分析拉威尔与欣德米特在处理乐队密度时的不同哲学立场。 第二部分：木管组的拓展与深化（约 20 万字） 本部分超越了长笛、双簧管、单簧管、大管的常规音域和演奏法，聚焦于它们在现代语境下的拓展。每一乐器都拥有专门的章节进行深入剖析。 长笛家族： 重点分析对短笛、中音长笛（Alto Flute）和低音长笛（Bass Flute）的写作技巧。尤其关注中音长笛在四度调式和特定颤音处理中的独特魅力，以及如何利用其下潜的音域来模拟环境声响。 簧管组的超吹与泛音： 详尽罗列了现代超吹技术（Overblowing Techniques）在单簧管和萨克斯管中实现的半音阶序列，并分析了如何利用这些技巧构建非十二平均律的音高集群。 特殊音栓： 专门探讨了双簧管家族中不常用乐器（如英国管、低音双簧管）的特征音色如何服务于特定情绪的表达。 第三部分：铜管组的冲击力与色彩（约 20 万字） 本部分关注铜管乐器如何从传统的“支撑”角色转变为旋律和节奏的驱动力。 1. 小号组的“尖锐性”与“雾化”： 分析了在极高和极低音域写作小号的挑战，以及如何使用弱音器（Mutes）——尤其是瓦尔夫（Wah-Wah）和方型（Plunger）弱音器——来创造具有表现力的空间感。 2. 圆号的调性灵活性： 深入讲解了圆号的“揉音”（Hand-stopping）技术如何实现音高的微小变化（Microtones），以及在不使用弱音器时，如何平衡其与木管组的融合性。 3. 长号与大号的“重量”控制： 探讨如何使用不同的推管位置来控制长号在弱奏时的音色“粗糙度”，并讲解大号如何有效地构建低音区的“声学地基”而不牺牲清晰度。 第四部分：弦乐组的纹理构建与摩擦声响（约 25 万字） 弦乐组是现代配器的核心战场之一。本部分细致地描述了如何打破传统“歌唱性”的线条写作，转向对弓弦摩擦、材料质感的探索。 弓法的大幅拓展： 详尽收录了超过三十种不同的弓法，包括： 无音高噪音： 如“弦上敲击”（Sul ponticello perkussion）、“用弓杆击打”（Bowing the wood）。 力度层次： 如何精确控制从 pppp 到 ffff 范围内不同摩擦感（如 molto agitato 与 con sordino, quasi Flautando）的过渡。 指法技巧的革命： 讨论了大量使用“自然泛音”（Natural Harmonics）和“人工泛音”（Artificial Harmonics）来创造透明、空灵的音响，并分析了如何使用高把位和特殊指法来控制泛音的“节点”清晰度。 弦乐组的集群写作（Clusters）： 分析了如何通过密集排列的半音或微小音程来制造“噪音墙”，以及如何根据不同弦乐器的物理特性（如C弦的张力）来调整集群的内部结构，以实现特定的听觉效果。 第五部分：打击乐与键盘乐器的整合（约 18 万字） 本部分将打击乐从纯粹的节奏支持提升至与管弦乐同等重要的地位，并探讨了钢琴和击弦古钢琴在现代管弦乐中的角色。 1. 通用打击乐的系统分类： 依照“有固定音高”和“无固定音高”两大类，系统地介绍了马林巴、颤音琴、钟琴、定音鼓、各种金属敲击乐器和鼓组的音域、击打点（Attack Point）和衰减特性。 2. 非传统打击乐器的引入： 探讨了如车轮、打字机、风扇等日常物品在特定作曲家（如约翰·凯奇）作品中的“音乐化”处理，并提供了其实际操作的注意事项。 3. 键盘乐器： 分析了钢琴的内部演奏法（Inside the Piano）对音色的改造，以及如何利用钢琴的共鸣特性来增强整体管弦乐的混响效果。 --- 适用读者 高等音乐院校作曲、指挥、配器专业本科及研究生。 职业作曲家和音乐理论研究人员。 乐团首席及资深演奏员，以增进对作曲家意图的理解。 本书以严谨的理论分析结合大量的实例分析（收录了超过 300 个详细的乐谱片段），确保读者能够将抽象的理论转化为具体可操作的配器实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格简直是独树一帜，它没有采用那种枯燥的教科书式的说教，反而带有一种老派音乐学家的沉稳和睿智。阅读起来，丝毫没有感到那种面对枯燥理论时的心理抗拒。作者似乎总能在我快要感到迷茫的那个临界点，用一个极其精准且富含洞察力的论述将我拉回来。尤其是在讨论到那些非常规的、突破传统的复调处理时，那种行云流水般的阐释，让人忍不住会心一笑，感叹这才是真正的大师手笔。它成功地将枯燥的数学逻辑美，用一种极具人文关怀的方式呈现了出来，让学习过程成了一种愉悦的探索。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余作曲爱好者，我最大的困惑一直是不知道如何将从书本中学到的知识有效地应用到实际的创作实践中去。这本书在这方面提供的桥梁作用是革命性的。它不是仅仅停留在“如何写出正确的对位”层面，而是深入探讨了“如何利用复调的张力来表达情感和意境”。我尝试着将书中的某些写作原则应用到我自己的练习曲中，立刻感受到了作品骨架的坚实程度有了质的飞跃。作者提供的那些“进阶挑战”和“变体练习”更是极具启发性，它们迫使你去思考，而不是仅仅重复既定的模式。这本书的实用价值，远超出了其理论价值本身。

评分☆☆☆☆☆

这本书的参考文献和引注系统构建得非常扎实严谨，体现了作者在学术积累上的深厚功底。我常常会因为书中提到的一个有趣观点，顺藤摸瓜去查阅相关的历史文献或早期理论家的论述，每一次深入挖掘都感觉自己对整个音乐史和理论发展脉络的理解又清晰了一层。这种由浅入深、层层递进的知识构建方式，让读者能够清楚地看到复调写作理论是如何在历史长河中被一步步完善和发展起来的。它不仅教授了“如何做”，更解释了“为什么是这样”，这种学术的厚度和严谨性，让这本书成为了我案头常备的工具书，每当我对某个概念产生疑问时，翻开它总能找到最可靠的解释和最权威的出处。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才找到一本真正能系统梳理和深化我对巴赫时期对位法理解的著作，这本书在这方面的深度是毋庸置疑的。它不仅仅是罗列规则和技巧，更重要的是，它仿佛一位耐心的导师，一步步引导你去剖析那些看似高深莫测的复调织体是如何在逻辑上构建起来的。我特别喜欢它在处理不同声部独立性与整体和谐性之间的辩证关系时所采用的分析角度，这远超出了我以往接触的那些侧重于机械模仿的教程。阅读过程中，我常常需要停下来，对着书上的实例反复推敲作者的用意，那种豁然开朗的感觉，是任何碎片化学习都无法替代的。它真正做到了将“技法”融入“思维”。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的排版和印刷质量简直是艺术品级别的享受，每一页纸张的触感都透露着一股对知识的尊重。装帧设计典雅大气，完全符合它作为一部权威教程的身份。我个人特别欣赏它在视觉呈现上的用心，无论是乐谱的清晰度还是示例的编排，都做到了极致。那种捧着它，仿佛就能感受到作曲家思想脉络的踏实感，是很多普通教材无法比拟的。尤其是那些复杂对位例子的呈现，如果没有精良的印刷和清晰的字体，恐怕光是阅读过程就会变成一种负担，但这本书完全没有这个问题，让人可以心无旁骛地沉浸在复调的精妙世界里。它的视觉效果不仅是美观，更是一种功能性的提升，让理论的理解过程更加顺畅自然。