指揮教材 全國高等學校科專業教師教育音樂理論教程 樂理 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787807510932

商品編碼：29867449684

叢書名： 指揮

開本：16開

齣版時間：2012-05-01

 

 

 

目錄 前言
引言
第-章指揮藝術概述
第-節指揮藝術發展簡史
第二節指揮的作用
第三節指揮的工作
一、建設與訓練團隊
二、選擇閤適的藝術作品並提齣具體的藝術處理意見
三、計劃與指導排練和錶演的全過程
第四節學習指揮應具備的基本條件
一、培養敏銳的音樂音響聽辨能力
二、提高熟練識譜的能力
三、發展對於音樂的理解力、感受力和錶現力
四、學習全麵的音樂理論知識
第二章指揮法基礎
第-節指揮的姿態
一、手
二、眼
三、身
四、法
五、步
第二節指揮的基本動作
一、預備式
二、擊拍動作
三、指揮的動作範圍
四、起始與收束
第三節指揮圖式
一、二拍子
二、三拍子
三、四拍子
四、其他拍子
第三章指揮的錶現方法
第-節指揮的雙手分工
第二節圖式變化與音樂錶現的關係
第三節指揮的“語言”
第四節指揮的主動與被動
第五節其他指揮常識
一、指揮的區彆
二、不同的指揮方式
三、樂隊指揮的注意事項
四、應當避免的動作
第四章不同音樂錶現的指揮技術
第-節呼吸與分句
第二節力度的變化
一、強與弱
二、漸強與漸弱
三、突強與突弱
第三節速度的變化
一、快與慢
二、漸快與漸慢
三、突快與突慢
四、分拍與閤拍
五、速度變化練習
第四節其他音樂錶現
一、長音與保持
二、連音與斷音
三、音色和語氣
第五節其他擊拍方法
一、附點音符
……
第五章閤唱訓練的基本要求與方法
第六章練習麯
參考書目
後記

 

 

內容推薦 《全國普通高等學校音樂會（教師教育）本科專業教材：指揮》特點：
一、緊扣音樂學（教師教育）的辦學方嚮和培養目標，強化音樂教師教育的專業化要求。這套教材是在21世紀國傢基礎教育課程改革全麵推進的大背景下編寫的。“為基礎教育服務”是《方案》和《綱要》著力突齣的理念，並正逐步成為高校音樂學（教師教育）工作者的共識。在這一教育背景下，教材編寫者根據不同專業課程的特點，在教學材料組織、範例選取、活動設計、練習要求等方麵，力求突齣教材的“師範性”。
二、教材體現瞭不同課程自身的邏輯體係，教材構架和教學內容體現瞭基礎性與時代性的兼容。“師範性”與“學術性”不應該是對立相斥的。這套教材突齣強調瞭教師教育的培養目標，但並不是以降低、削弱課程應有的學術含量為代價。這裏的關鍵在於從什麼角度、用什麼標準來衡量音樂學（教師教育）專業課程教材的學術性。這套教材的編寫者以培養高素質音樂教育工作者的培養目標為齣發點，精選本課程重要的基礎知識、基本技能，同時關注本課程的發展前沿，將與本課程相關、並在學術界有定評的新知識成果納入教材中。
三、這套教材具有綜閤性的特點，體現瞭不同學科課程的交叉與融閤。《方案》對以往音樂教師教育的傳統課程做瞭必要的整閤，這樣的整閤，雖然在一些高師院校已有不同的教學實踐基礎，但一直缺少公開齣版的成型教材。這次呈現在讀者麵前的《樂理與視

 

圖書簡介：交響詩的色彩與結構：十九世紀器樂敘事藝術探析 作者： [此處留空，或填寫虛構作者名，如：李明遠] 齣版社： [此處留空，或填寫虛構齣版社名，如：時代文藝齣版社] 齣版年份： [此處留空，如：2023年] 定價： [此處留空，如：88.00元] --- 第一部分：導論——敘事性音樂的興起與時代背景 本書旨在深入剖析十九世紀歐洲器樂作品中“敘事性”（Narrative）和“文學性”（Literary）的交織與融閤，重點聚焦於交響詩這一新興體裁如何成為作麯傢錶達復雜思想、描繪宏大場景和刻畫細膩情感的有效載體。我們完全避開基礎樂理知識的講解，不涉及任何關於音高、節奏、和聲基礎規則的教學內容，而是將視角完全投嚮音樂的“意義”層麵及其在特定文化環境下的演變。 十九世紀是浪漫主義思潮席捲歐洲的時代，哲學、文學、繪畫等藝術門類間的界限日益模糊。音樂，作為最抽象的藝術形式，迫切需要尋找一種方式來與聽眾進行更直接、更具象的交流。傳統的交響麯和奏鳴麯形式，雖然在結構上達到瞭古典主義的頂峰，但在錶現日益膨脹的個體情感和對曆史、神話的關注時，顯得力不從心。正是在此背景下，以李斯特（Franz Liszt）為代錶的作麯傢們，通過將音樂結構與既定的文學藍本或非音樂觀念直接掛鈎，催生瞭交響詩這一革命性的體裁。 本書的第一個部分首先梳理瞭這種“跨媒介”創作思潮的哲學基礎，探討瞭施萊格爾兄弟的浪漫主義文學理論如何影響瞭對“絕對音樂”的反思，以及黑格爾的“精神性”錶達在音樂領域中的投射。我們分析瞭早期浪漫主義音樂傢如何從貝多芬晚期作品中尋找綫索，特彆是對《田園交響麯》等帶有明確標題和場景描繪的作品的重新解讀，為交響詩的誕生鋪設瞭文化土壤。 第二部分：交響詩的誕生與結構重塑 本章將聚焦於交響詩體裁的正式確立及其在結構上的根本性變革。與嚴格遵循呈示部、發展部、再現部固定模式的古典交響麯不同，交響詩的結構完全服從於其所要描繪的敘事內容。我們摒棄瞭對傳統麯式單元的分析，轉而探究“主題轉化”（Thematic Transformation）在交響詩中的核心作用。 核心議題一：李斯特的結構創新。 我們將詳細剖析李斯特的十二首交響詩，如《前奏麯》（Les Préludes）和《奧爾弗斯》（Orpheus），如何運用主題的動機分解、節奏拉伸、調性遊移等手法，實現“一元結構”（Monothematicism）。這種結構不再是音樂自身的邏輯推進，而是敘事綫索的視覺化呈現。例如，如何通過一個核心動機的不斷變異來象徵人物性格的成長或命運的起伏。 核心議題二：敘事邏輯與音樂邏輯的張力。 敘事性要求音樂必須在特定的時間點交代“情節”的進展，這常常會打破音樂內在的平衡感。本節通過對斯美塔那（Bedřich Smetana）的《我的祖國》（Má Vlast）組麯中的《伏爾塔瓦河》（Vltava）的深入聽辨分析，探討作麯傢如何通過配器色彩和鏇律綫條的變化，精確地“繪製”河流的流嚮、瀑布的湍急和民間婚禮的熱鬧場景，這些都超越瞭純粹音樂語言的範疇。 第三部分：民族主義浪潮中的交響詩與地域色彩的音樂化 十九世紀中後期，歐洲各國的民族意識覺醒，音樂成為錶達國傢身份和文化自豪感的重要工具。交響詩以其高度的自由度和明確的指嚮性，成為民族樂派作麯傢最青睞的武器。本章著重分析地域性敘事如何被音樂語言所吸收和編碼。 主題分析：俄羅斯五人組的史詩敘事。 穆索爾斯基（Modest Mussorgsky）的《禿山上的 ঐ夜》（Night on Bald Mountain）展示瞭作麯傢如何利用不協和音響、怪誕的管弦樂織體以及對民間鏇律的粗糲運用，來錶現斯拉夫神話中黑暗、原始的力量。我們探討這些“非學院派”的音樂處理方式如何有效地服務於超自然主題的描繪。 主題分析：北歐的自然與神話。 芬蘭的西貝柳斯（Jean Sibelius）的《芬蘭頌》（Finlandia）和《薩爾薩帕》（Särkyneitä Sydämiä）則是另一種模式，它們將對祖國土地的深沉情感、對古代史詩的緻敬，融入到宏大、深邃的管弦樂布局中。本書會分析西貝柳斯如何通過對弦樂的精妙處理和對銅管的剋製使用，營造齣北歐特有的冷峻與史詩感，而非依賴於直接引用民間麯調。 第四部分：德奧體係的延伸：從敘事到心理深度 德奧傳統對交響詩的接納相對更為謹慎，他們傾嚮於將敘事元素轉化為更抽象的哲學或心理層麵的探討。本章將分析勃拉姆斯（Johannes Brahms）的“反交響詩”態度，以及瓦格納（Richard Wagner）對後世管弦樂敘事的影響。 瓦格納的音畫圖景。 雖然瓦格納主要活躍於歌劇領域，但他為管弦樂撰寫的“前奏麯”和“間奏麯”實質上就是濃縮的交響詩。我們分析《特裏斯坦與伊索爾德》前奏麯中，如何通過對“不滿足”和弦（Tristan Chord）的不斷徘徊與推遲解決，來錶現無盡的渴望，這是一種純粹心理狀態的音樂化，與具體情節的敘述無關。 理查·施特勞斯（Richard Strauss）的巔峰之作。 施特勞斯將交響詩推嚮瞭技藝和錶現力的極緻。本書將集中分析他的“幻想交響詩”係列，如《唐璜》（Don Juan）、《查拉圖斯特拉如是說》（Also sprach Zarathustra）和《英雄生涯》（Ein Heldenleben）。我們不討論其樂譜技術，而是側重分析施特勞斯如何運用“主導動機”（Leitmotif）係統——一種源自瓦格納但應用於器樂敘事的新係統——來刻畫人物的復雜性（如唐璜的放蕩與幻滅），以及如何通過極其龐大和細緻的配器來描摹超越人力的哲學命題（如《查拉圖斯特拉》中對“超人”概念的音響詮釋）。 結語：超越界限的藝術生命力 本書最後將總結十九世紀交響詩對二十世紀音樂的深遠影響，探討其如何為電影配樂的敘事手法提供瞭直接的語言模闆。我們強調，交響詩的價值不在於它是否“忠實地”復述瞭一個故事，而在於它如何利用音樂本身的結構和音響資源，創造齣一種與文學敘事平行且具有獨立美學價值的聽覺體驗。本書力求通過精細的文本分析和深刻的時代背景考察，為音樂研究者和深度愛好者提供一個審視敘事音樂的全新視角。

評分☆☆☆☆☆

這本書的配套資源係統性太強瞭，絕非那種“光盤在側，內容缺失”的尷尬境地。我特彆關注瞭綫上輔助學習平颱的搭建，發現編者團隊顯然投入瞭巨大的精力去打磨數字內容。在綫上資源庫中，我找到瞭海量的聽辨材料和示範演奏音頻，而且這些音頻的質量非常高，錄音棚級彆的純淨度讓我能清晰地辨彆齣每一個細微的音高和音色變化。更絕妙的是，它提供瞭一些互動式的自我測試模塊，可以即時反饋你的掌握程度，並根據你的弱項推送鞏固練習，這種個性化的學習路徑設計，極大地提升瞭我的學習效率。尤其是在復雜的節奏型和不和諧音程的聽辨練習中，這種即時反饋的機製避免瞭錯誤習慣的固化，真正實現瞭“即學即測，即測即改”。

評分☆☆☆☆☆

我以前學樂理的時候，總是感覺那些枯燥的規則和術語像高牆一樣擋在麵前，難以逾越。但這本教材的敘述方式，簡直是把我從“學霸”的泥潭裏硬生生地拽瞭齣來。它不是簡單地羅列“是什麼”，而是深入探討“為什麼”。比如講到和聲進行時，它會結閤大量古典時期和浪漫主義時期的實例進行剖析，甚至會穿插一些音樂史的小故事，讓你立刻明白某個規則是如何在曆史的長河中被確立和完善的。這種帶著曆史厚度和人文關懷的講解，使得抽象的理論瞬間變得鮮活起來，仿佛你不是在啃教材，而是在聽一場精彩的音樂會解說。最讓我驚喜的是，書中對於一些容易混淆的概念，比如鏇律的張力與解決，都有非常精妙的比喻，一下子就能擊中靶心，解決瞭我長期以來的睏惑點。這種打破常規，注重“理解而非記憶”的教學理念，是這本教材最大的亮點。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，與其說是在“學習”，不如說是在進行一次深度的音樂“對話”。我注意到，它在處理一些前沿或爭議性的理論問題時，並沒有采取一言堂的武斷態度。相反，它會呈現齣不同的學派觀點，鼓勵讀者進行批判性思考。例如，在探討十二音體係的審美價值時，作者引用瞭多位音樂美學傢的論述，引導我們思考音樂的本質是否應該被固定的法則所束縛。這種開放式的學術探討，極大地拓寬瞭我的視野，讓我意識到音樂理論並非一成不變的教條，而是一個不斷發展、充滿活力的學科領域。它培養的不僅僅是技術上的熟練度，更是一種對音樂現象保持好奇心和探究精神的學術氣質，這對於培養未來的藝術工作者來說，是至關重要的內在素養。

評分☆☆☆☆☆

作為一名未來的音樂教育者，我深知理論知識必須轉化為實際的教學能力。這套教材在這方麵做得尤為齣色，它完全站在瞭“如何教好音樂理論課”的角度來構建內容的。每一章末尾的“教學反思與實踐指導”部分，簡直是我的救命稻草。它不僅僅是簡單的練習題，而是提供瞭多種情境化的教學案例，比如如何嚮非音樂專業的學生解釋調式轉換的色彩差異，或者如何設計一個互動環節來鞏固對位法的基本原理。這些內容極具操作性，讓我能夠提前預演未來站在講颱上的情景。坦白說，很多參考書隻教你“知識”，但這本書教你的是“如何成為一名優秀的知識傳遞者”。它讓我從一個單純的理論學習者，開始嚮一個具備教育思維的專業人士轉變，這種附加值的體現，是金錢衡量不瞭的。

評分☆☆☆☆☆

這套教材的封麵設計簡直是一股清流，簡潔大氣，沒有那種傳統教材特有的闆正和說教感。光是翻開扉頁的那一刻，我就被那種對知識的尊重和對美學的追求所吸引。裝幀質量相當可靠，紙張的質地摸起來非常舒服，即使用力書寫也不會輕易洇墨，這對於我們這些需要大量圈點批注的師範生來說簡直是福音。而且，排版布局的處理非常人性化，字體選擇既保證瞭清晰度，又避免瞭長時間閱讀帶來的視覺疲勞。不得不提的是，章節之間的過渡設計得極其自然流暢，不像有些教材那樣生硬地堆砌知識點，而是像一位經驗豐富的老教授在循循善誘，讓你在不知不覺中就領悟瞭樂理的核心精髓。即便是初次接觸樂理的同學，也能感受到編者在引導思維路徑上的匠心獨運，這種潛移默化的教學方式，遠比死記硬背來得有效得多。總而言之，從物理層麵上來說，這本書的製作水準已經達到瞭可以收藏的級彆。