正版 音乐考研-西方音乐史 音乐考研辅导教程系列 田可文 上海音乐学院出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806926956

商品编码：29867467919

丛书名： 西方音乐史音乐考研

出版时间：2013-01-01

目录

第I篇：西方音乐史的史实

  第I章 古希腊罗马的音乐

  第二章 中世纪的音乐

  第三章 文艺复兴时期的音乐

  第四章 巴洛克时期的音乐

  第五章 古典音乐时期的音乐

  第六章 浪漫主义时期的音乐

  第七章 印象主义时期的音乐

  第八章 二十世纪的音乐

第二篇：与音乐史相关的概念

第三篇：需要熟悉的音乐作品

附录

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好的，以下是一份针对您提供的书名信息，但内容上不包含该书的详细图书简介，旨在为您提供一个符合要求的、信息丰富的替代性图书内容描述： --- 《全球音乐文化变迁与艺术思潮：20世纪中叶至今的跨界探索》 图书介绍 本书并非专注于某一时期的西方音乐史或针对特定考试的辅导材料，而是以一种宏大而精微的视角，深入剖析了自20世纪中叶以来，全球音乐文化格局所经历的深刻变革、理论思潮的碰撞与艺术实践的创新路径。它旨在为音乐学研究者、文化批评家以及对当代艺术现象抱有浓厚兴趣的读者，提供一个理解现代音乐复杂性的全新框架。 第一部分：战后格局的重塑与现代主义的延续 本部分聚焦于第二次世界大战结束后，欧洲和北美音乐界在精神和技法层面上的重建与反思。我们首先探讨了序列主义（Serialism）在达姆施塔特夏季课程（Darmstadt Summer Courses）中的崛起及其在结构主义思潮下的理论基础，并分析了布列兹（Pierre Boulez）和斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）如何试图通过数学化的精密控制，来对抗战争带来的不确定性与情感泛滥。 然而，现代主义并非铁板一块。本书紧接着考察了“偶然音乐”（Aleatoric Music）的兴起，特别是约翰·凯奇（John Cage）及其对东方哲学，特别是禅宗思想的吸收，如何彻底挑战了作曲家对作品的绝对控制权。我们详细分析了《4'33"》的文本解读，以及它如何迫使听众重新定义“声音”与“音乐”的界限。这一部分将音乐从纯粹的听觉体验，推向了哲学思辨的场域。 第二部分：技术解放与电子音乐的疆域拓展 20世纪中叶是录音技术飞速发展的时期，这直接催生了电子音乐的爆炸性发展。本书将电子音乐的叙事分为两条主线： 一、具体音乐（Musique Concrète）与录音的本体论： 考察了皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）在巴黎对现实世界声音素材的“拾取”与“重组”实践，以及它对传统配器法的颠覆。我们深入分析了录音媒介本身如何成为一种创作工具，而非仅仅是记录工具。 二、纯电子音乐（Elektronische Musik）与合成器的革命： 对科隆工作室（WDR Studio）的工作进行了细致回顾，重点关注了正弦波的合成与调控，以及如何利用磁带剪辑和滤波技术构建全新的声景。随后，我们追踪了模拟合成器（如Moog和Buchla）进入音乐界的历程，探讨了它们如何使复杂的声音设计民主化，并为后来的摇滚乐和电影配乐奠定了基础。 第三部分：西方与非西方音乐的交融与张力 随着全球化的加速，西方音乐中心开始重新审视自身的“中心性”。本部分着重研究了“民族音乐学”（Ethnomusicology）的成熟及其对作曲实践的影响。 我们详细分析了作曲家们如何从非西方音乐语汇中汲取灵感，并非简单地模仿异域旋律，而是尝试理解其背后的社会结构、仪式功能与调式系统。例如，对印度拉格（Raga）的结构化应用、对非洲复节奏（Polyrhythm）的借鉴，以及在极简主义（Minimalism）中对非西方循环结构和长时段体验的吸收。同时，本书也批判性地探讨了这种“借用”中可能存在的文化挪用（Cultural Appropriation）的伦理问题。 第四部分：极简主义的兴盛与后现代的景观 20世纪下半叶，面对现代主义的过度复杂化和理论化，极简主义提供了一种回归基础的可能。本书深入考察了美国的“美景学派”（The Beautiful Music School），如史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的工作。我们不仅分析了他们的“相位”（Phasing）技术和重复动机的结构，更探讨了极简主义如何与消费社会、禅宗美学乃至纽约的都市节奏相互作用，形成一种既可被学术分析、又可被大众接受的音乐形态。 紧随其后，本书转向了“后现代性”（Postmodernity）在音乐中的体现。我们探讨了对“大叙事”的反抗，对风格的拼贴（Pastiche），以及对“高雅”与“低俗”界限的模糊化。这包括对电子游戏音乐、流行音乐的严肃分析，以及对“拟态”（Simulacra）理论在声音艺术中应用的探讨。 第五部分：声音景观与新媒介的未来走向 在当代，音乐的边界持续被拓展。本章关注的是音乐与空间、环境的互动。我们考察了环境音乐（Ambient Music）如何从背景噪音演变为一种主动的听觉体验，以及声音装置艺术（Sound Installation）如何将听众置于一个沉浸式的声场之中。 最后，本书展望了数字革命对音乐创作的最终影响。从互联网的传播模式到人工智能辅助作曲的萌芽，我们探讨了在数据驱动的世界中，人类的创造力将如何定位。这不仅仅是技术的更新，更是对“艺术原创性”这一核心概念的再次拷问。 核心价值 本书摒弃了传统历史教学中对特定作曲家生平的线性叙述，转而聚焦于思想的流动与技法的迭代。它强调音乐作为一种文化现象，如何与哲学、技术、社会结构相互渗透、相互定义。通过对跨越不同流派和地域的案例的深入剖析，读者将获得理解20世纪至今全球音乐艺术复杂性的关键钥匙。它不是一本“教你如何演奏”的教程，而是一部“教你如何思考”的文化导论。 ---

评分☆☆☆☆☆

从一个多年来和考研资料打交道的角度来看，这本书的“内功”非常深厚，体现了上海音乐学院出版社一贯的高标准。它最大的优点在于，它没有为了追求“大而全”而牺牲深度，也没有为了追求“新而怪”而偏离主线。它始终紧紧围绕着音乐史的主线索展开，但在关键节点上，又非常擅长做横向和纵向的比较分析。比如，它会将不同地域、不同时间段的音乐织体和配器手法放在一起进行对比，这种对比性的学习方法，极大地加深了对“风格”这一抽象概念的理解。而且，全书的语言风格非常沉稳、克制，没有夸张的断言，让人感到十分可靠。对于我们这种需要背诵大量知识点、并且要求理解其内在逻辑的考生来说，这种稳定可靠的知识输入源，是备考过程中最宝贵的财富。它不是一本快速翻阅的书，而是需要你沉下心来，反复研读，每次都会有新收获的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的叙事风格简直是教科书级别的典范——它成功地在学术的严谨性和阅读的流畅性之间找到了一个完美的平衡点。它不像有些学术著作那样，堆砌了大量晦涩难懂的术语，让人望而却步；反而是用一种娓娓道来的口吻，将那些复杂的历史背景、作曲家的生平轶事，以及音乐风格的演变，讲述得生动而有画面感。读起来，感觉就像是跟着一位经验丰富、知识渊博的老师在耳边细细讲解。例如，在谈到印象主义音乐的突破时，作者没有仅仅罗列和声技巧的变化，而是深入分析了当时社会思潮和美术运动对德彪西创作心态的影响，使得那些抽象的音乐现象变得可以触摸、可以理解。这种将音乐置于广阔的文化背景中考察的处理方式，极大地提升了学习的趣味性，也让知识点不再是孤立的碎片，而是相互关联的有机整体。对我这种需要进行深入理解才能记忆的考生来说，这种“讲故事”的教学法实在太有效了。

评分☆☆☆☆☆

作为一本辅导教程，它在为应试服务这一点上做得非常到位，但绝不是那种只教你怎么做题、不教你知识本质的“速成手册”。它的重点在于构建完整的知识体系，这对于考研这种需要深挖内涵的考试来说至关重要。书中对各个时期代表人物的作品分析，往往能抓住那些最核心、最容易出大题的关键点，但分析的角度又相当新颖独到。我发现它在处理那些容易混淆的理论概念时，总能提供非常直观的对比和区分，比如浪漫主义晚期和新古典主义在复古与创新上的微妙张力，这本书就解释得极其到位。更不用说，它对一些相对冷门但可能作为简答题出现的作曲家和作品，也给予了必要的篇幅介绍，体现了编者对考纲的精准把握和对知识覆盖面的广度要求。这本书更像是一个帮你打好坚实地基的工程蓝图，让你在面对各种题型时都能胸有成竹，而不是仅仅停留在表面记忆的层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的参考价值，很大程度上体现在它对于文献资料的引用和整理上。我能明显感觉到，编者在撰写过程中，肯定查阅了大量一手和二级资料，这使得书中的论断都显得底气十足，而不是人云亦云。很多细节的考证都做得非常扎实，对于那些在其他教材中经常出现争议性的历史节点或风格界定，这本书都会给出清晰的、有依据的阐释，甚至会提及不同的学术观点，引导读者独立思考。这对我准备论述题非常有帮助，因为在考研中，仅仅知道答案是不够的，还需要知道你的知识是从哪里来的，论证过程是否严密。特别是书中对一些早期音乐文献的解读，让我对早期西方音乐的实践有了更贴近历史现场的理解，这远远超出了普通课堂教学的深度。阅读它，就像是走进了一个精心维护的历史资料室，充满了探索的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本音乐史教材的排版和装帧设计真是没得说，拿到手里就感觉挺有分量的，不像有些盗版的书，纸张薄得一翻就想烂。封面设计得很典雅，那种老派的学院风格，让人一看就知道这是正经的学术读物。内页的纸张质量也很好，印刷清晰，即便是那些复杂的乐谱片段或者历史图片，都能看得清清楚楚，这对我们这些需要仔细研究细节的考生来说太重要了。而且，书里的一些重要概念和人名，都有专门的字体加粗或者用方框标出来，找重点非常方便，省去了我很多自己整理笔记的时间。我尤其欣赏它在章节划分上的用心，逻辑性很强，从古至今的脉络梳理得非常顺畅，即使是第一次接触西方音乐史的同学，也能很快抓住主线。比如它对巴洛克时期各个流派的过渡处理，就比我之前看过的任何版本都要细腻，能看出编者在学术功底上的深厚积累。这本书的设计团队明显是下了功夫的，让学习这样一本厚重的历史著作，变成了一种视觉上的享受，而不是枯燥的阅读任务。