伟大的指挥家卡拉扬 交响诗和交响组曲教材 原版引进教程附CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300888

商品编码：29867656311

丛书名： 伟大的指挥家卡拉扬(附光盘交响诗和交响组曲原

开本：16开

出版时间：2013-01-01

 

 

目录 “环球经典名曲导读”说明 前言 伟大的指挥家——卡拉扬 交响诗的百年发展 1沃尔塔瓦河／贝德里希斯美塔那 名曲导读 作曲家生平 创作背景 聆听指南 作品解析 音乐结构图 2芬兰颂／让西贝柳斯 名曲导读 作曲家生平 创作背景 聆听指南 作品解析 音乐结构图 3《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第I曲／让西贝柳斯 名曲导读 创作背景 聆听指南 作品解析 音乐结构图 4《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第二曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 5《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第三曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 6《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第四曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 7《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第五曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 8《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第六曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 9《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第七曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 10《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第八曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 11《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第九曲／让西贝柳斯 聆听指南 作品解析 音乐结构图 12前奏曲／弗朗茨李斯特 名曲导读 作曲家生平 创作背景 聆听指南 作品解析 音乐结构图 柏林爱乐乐团的发展历程 曲目表

《伟大的指挥家卡拉扬:交响诗和交响组曲(原版引进)》是首套逐分逐秒解析卡拉扬指挥柏林爱乐乐团演奏的世界经典小品；书里的“名曲导读”“聆听指南”为您讲述44位作曲家的生平故事，介绍120部作品的创作背景、音乐奥秘；书里的“音乐小辞典”量身定制，与作品同步呈现，让您轻松迈入古典音乐之门。

编辑推荐

《伟大的指挥家卡拉扬:交响诗和交响组曲(原版引进)》由上海音乐出版社出版。  

 

目录：

“环球经典名典导读”说明
前言
伟大的指挥家——卡拉扬
交响诗的百年发展
沃尔塔瓦河
芬兰颂
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第I曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第二曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第三曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第四曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第五曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第六曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第七曲
《佩利亚斯与梅丽桑德》组曲之第二曲

 

内容介绍：

《伟大的指挥家卡拉扬:交响诗和交响组曲(原版引进)》是逐分逐秒解析卡拉扬指挥柏林爱乐乐团演奏的世界经典小品；里的“名曲导读”“聆听指南”为您讲述44位作曲家的生平故事，介绍120部作品的创作背景、音乐奥秘；里的“音乐小辞典”量身定制，与作品同步呈现，让您轻松迈入古典音乐之门。

 

《不朽的交响史诗：从巴赫到马勒的管弦乐艺术》 一部深入剖析西方交响音乐核心精神与演奏实践的权威著作 本书聚焦于西方古典音乐史上，从巴洛克晚期至20世纪中叶，交响诗与交响组曲这一重要器乐体裁的演变历程、结构奥秘及其在指挥艺术中的实现路径。本书旨在为音乐学院学生、专业演奏家、资深乐迷以及所有致力于理解管弦乐队艺术的探索者提供一套详尽、系统且富有洞察力的学习资源。 --- 第一部分：交响组曲的诞生与古典主义的规范（约300字） 本部分追溯了交响组曲这一形式在巴洛克时期舞曲套曲基础上的初步发展。我们首先审视了巴赫与亨德尔作品中组曲的结构特点，例如组曲的固定序列（前奏曲、快板、萨拉班德、吉格等）如何奠定了清晰的器乐组段概念。 随后，本书着重分析了古典主义时期，尤其是在海顿和莫扎特手中，交响曲与大型器乐组曲的相互影响。虽然严格意义上的“交响组曲”尚未完全定型，但其前身——如歌剧序曲（Overture）和纯器乐套曲的结构逻辑——为后来的浪漫主义发展积蓄了力量。重点探讨了古典主义对清晰的结构、均衡的配器以及奏鸣曲式在组曲内部的灵活运用所产生的深远影响。本部分强调了“组曲”这一概念如何从单一功能性（如为戏剧服务）转向独立的艺术审美追求。 第二部分：浪漫主义的解放与叙事性管弦乐的崛起（约450字） 浪漫主义思潮彻底打破了古典主义的结构桎梏，为交响诗和内容丰富的交响组曲铺平了道路。 一、 标题音乐的先声：李斯特与交响诗的定型 本书对李斯特（Liszt）开创的“交响诗”（Symphonic Poem）进行了深入研究。我们分析了李斯特如何通过“主导动机”（Thematic Transformation）的手法，实现音乐内容的连贯叙事和结构上的统一。重点分析了《前奏曲》、《马捷帕》等作品中，音乐如何直接映射文学、哲学或绘画的主题。此外，还对比研究了理查德·施特劳斯（Richard Strauss）在这一体裁上的继承与发展，特别是《查拉图斯特拉如是说》中对标题的哲学性诠释及其宏大的配器结构。 二、 丰富色彩的组曲：从剧伴到独立的艺术品 浪漫主义作曲家开始将为戏剧、芭蕾或特定场景创作的音乐，提炼、重组并扩展为独立的管弦乐组曲。本书细致考察了格里格的《培尔·金特》组曲、比才的《卡门》组曲，以及柴可夫斯基的芭蕾组曲（如《胡桃夹子》）。分析的重点在于：作曲家如何处理音乐的内在逻辑（如组曲内各乐章间的速度、调性对比），使其在脱离原有戏剧背景后，依然能保持强大的听觉感染力和内在的戏剧张力。探讨了配器法在此阶段的突破，如对铜管、打击乐和木管色彩的精妙运用，以描绘特定的情感氛围或场景细节。 第三部分：民族主义与管弦乐的“国家色彩”（约350字） 19世纪下半叶，欧洲各国音乐家积极寻求摆脱德奥传统，发展具有本土特色的管弦乐语言。本书将此视为交响组曲和交响诗发展中至关重要的一环。 一、 俄罗斯五人组的探索： 重点分析了里姆斯基-科萨科夫的管弦乐色彩学——如何通过对不同乐器音区和组合的精妙把控，营造出浓郁的东方、神话或民间色彩（例如《天方夜谭》的配器法）。穆索尔斯基《展览会图画》在管弦乐改编（特别是拉威尔的版本）中的成功，展示了如何将一系列独立的场景描绘有机地统一在一个整体的“漫步”结构中。 二、 捷克与北欧的声音： 德沃夏克和斯美塔那的作品为我们提供了理解民族主义叙事音乐的范例。斯美塔那的《我的祖国》组曲（特别是《伏尔塔瓦河》）展示了如何将地理景观和历史传说融入宏大的交响框架内，从而构建起一个国家的音乐肖像。本书对比了这种基于“地方性”的音乐叙事，与李斯特基于“文学性”的叙事之间的差异。 第四部分：20世纪的挑战与对传统的重塑（约300字） 进入20世纪，面对瓦格纳主义带来的巨大影响以及现代主义思潮的冲击，交响诗和交响组曲的形式和内涵发生了深刻变化。 一、 结构上的回归与扩展： 勋伯格、巴托克等作曲家在探索无调性或新古典主义风格时，并未完全抛弃标题音乐。本书分析了他们如何在不依赖传统调性关系的情况下，依然利用“动机发展”或“音色分区”来维持音乐的连贯性。例如，分析巴托克的《管弦乐协奏曲》中看似组曲化的乐章结构，实际上是对巴洛克组曲的结构化重构。 二、 配器的极端化与音响实验： 面对新的和声语言，作曲家对管弦乐队的音响提出了前所未有的要求。拉威尔的管弦乐配器大师地位无可撼动，他的作品（如《圆舞曲》）展示了如何在单一的、看似简单的音乐动机中，通过复杂的层次和技法，营造出极度的紧张感和衰败感，这也是一种新的“交响叙事”。 结语：交响艺术的永恒生命力（约100字） 本书的最终目标是揭示：无论是结构严谨的古典组曲，还是自由奔放的浪漫主义交响诗，它们共同构成了西方器乐艺术中“有故事的音乐”的核心。理解它们的结构、技巧与历史语境，是通往真正欣赏和演奏宏大管弦乐作品的必经之路。 --- 本书特色： 深度结构分析： 详细图解主导动机的演变链条和组曲的乐章平衡。 配器法透视： 结合乐谱示例，解析特定作曲家对不同乐器组的独特处理。 艺术史的交叉视角： 将音乐形式置于其产生的文学、哲学背景中进行考察。 批判性综述： 总结了不同时代评论界对标题音乐与纯音乐辩论的焦点。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于指挥大师的书籍，十本有八本会陷入无休止的赞美中，显得有些空洞。我更希望这本《伟大的指挥家卡拉扬》能提供一些批判性的视角，或者至少是探讨他艺术道路上的“转折点”。比如，他在早期与早期录音中，和后期使用数字录音技术时，对同一部作品的理解和处理会有哪些本质上的区别？“交响组曲”这个概念本身就意味着结构上的灵活，这本书是否会对比卡拉扬处理同一作曲家不同时期组曲的侧重点？比如对德彪西的《儿时印象》组曲和穆索尔斯基的《展览会图画》的处理，那种法式的印象派色彩和俄式的厚重感是如何被他统一在“卡拉扬式”的宏大框架下的？如果这本书能给我提供一个“多角度审视”的工具，而不是简单地把我变成一个“粉丝”，那它就真正具有教材的意义了。

评分☆☆☆☆☆

作为一个古典音乐的资深爱好者，我听过无数卡拉扬的版本，但很多时候我只能感觉到“震撼”，却说不出“为什么震撼”。这本书的价值，理应在于揭示“如何达成这种震撼”。我更关注的是其“原版引进”的质量，翻译是否精准地传达了德文原著中那种严谨的音乐术语？很多时候，音乐评论中的词汇——比如“发散性”、“驱动力”、“呼吸感”——如果翻译不当，意思就会完全跑偏。我期待看到的是那种“教科书式”的精准表达，能够让我回去听唱片时，用更专业的视角去捕捉那些以往忽略的细节。特别是交响组曲，很多都是从歌剧或舞剧中提炼出来的，处理不好容易显得片段化。卡拉扬如何用他标志性的“柏林之声”将这些碎片粘合成一个整体，这是我想从这本书里寻找答案的。如果能深入探讨他与柏林爱乐乐团之间那种近乎独裁却又充满魔力的合作关系如何影响了这些作品的最终面貌，那就太棒了。

评分☆☆☆☆☆

这本关于卡拉扬的教材简直是音乐学子和发烧友的福音，光是看到“原版引进教程”几个字，就知道这不仅仅是一本简单的传记或者唱片赏析集。我特别期待它能深入剖析卡拉扬指挥艺术的“技术层面”，比如他如何处理不同时期、不同作曲家作品的细微差别，特别是贝多芬、勃拉姆斯这些“硬骨头”的诠释究竟有何独到之处。我希望教材里能有大量的乐谱细节分析，图文并茂地展示他是如何构建宏大音响结构、如何雕琢室内乐般精致的层次感。市面上很多音乐书籍要么过于学术化，让人望而却步，要么过于通俗，缺乏深度。如果这本书能平衡好，既有扎实的理论基础，又能生动地还原卡拉扬在录音棚和音乐厅里那些“魔术般的时刻”，那简直太完美了。我尤其关注它对“交响诗和交响组曲”这种曲式篇章的讲解，这类作品往往结构松散却意境深远，指挥家如何做到形散神不散，是衡量其功力的重要标准，这本书若能在这方面提供独家见解，绝对物超所值。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的动机非常功利——我想知道他是如何“管理”出那种无与伦比的音响的。这不仅仅是技术问题，更是对管弦乐团生理极限的认知。附带的CD（如果它包含的是分析音频）如果能针对性地展示不同乐器组在卡拉扬要求下发出的音色对比，那将是无价之宝。比如，他如何让小提琴的高音区既能穿透力十足，又不失优雅的光泽？或者，在处理马勒那些庞大配器时，低音铜管和定音鼓的“重量感”是如何被精确控制的？我尤其关注交响诗的处理，因为这类作品往往要求指挥家具有极强的叙事能力。这本书如果能清晰地梳理出卡拉扬在指挥《查拉图斯特拉如是说》时，如何用音乐语言讲述哲学思辨，而不是仅仅追求音效上的壮观，那才算真正抓住了卡拉扬艺术的精髓。我需要的是能够让我带着“工具箱”去聆听和思考的书。

评分☆☆☆☆☆

我最近沉迷于寻找那些能真正提升演奏能力的书籍，而不是那些只能用来收藏的“大部头”。这本书的标题“交响诗和交响组曲教材”非常抓人眼球，这正是我目前最欠缺的板块。我更看重的是它是否能提供可操作性的训练方法。比如，书中会不会详细拆解某个特定乐章中，弦乐组的弓法变化如何影响整体的流畅性？在处理理查·施特劳斯那些色彩斑斓的配器时，指挥家是如何在排练中让各个声部达到那种“镀金般”的统一效果？我希望这本书不仅仅是“听”卡拉扬，更是“学”卡拉扬的“做事方法论”。如果附带的CD（假设是讲解音频）能配合文字，直接播放某个片段，然后指出“请注意此处，卡拉扬要求木管组提前两拍进入，以制造紧张感”，那学习效果绝对是几何级提升。我希望它能打破指挥学习的神秘感，把它变成一种可以拆解、可以模仿的技艺。