周龙音乐作品 箜篌引 为女高音与钢琴而作 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552313246

商品编码：29867663681

丛书名： 箜篌引

作者介绍

周龙，有名作曲家，1953年出生于中国北京。1973年开始向罗忠镕、黎英海、樊祖荫学习作曲，向严良垄学习指挥。1983年毕业于中央音乐学院，师从苏夏。曾任中国广播艺术团驻团作曲家。1985年获纽约哥伦比亚大学奖学金赴美学习，师从周文中、达维多夫斯基和爱德华兹。1993年获音乐艺术博士学位。现任美国密苏里大学堪萨斯城音乐舞蹈学院作曲教授及天津音乐学院特聘教授。

周龙的作品汇集了东西方审美观念和音乐元素。2011年，周龙以他的靠前部歌剧《白蛇传》成为获得普利策音乐奖的首位美籍华裔作曲家(波士顿歌剧院与北京靠前音乐节联合委约)。他获得的奖项还包括美国文学艺术院终身成就奖、纽约林肯中心室内乐协会颁发的斯托格靠前大奖、美国巴罗基金会靠前作曲比赛首奖、美国古根海姆基金会奖金。他曾多次受到美国国会图书馆库茨维斯基音乐基金会、哈佛大学弗朗姆音乐基金会、美国国家艺术委员会委约创作。此外，周龙和陈怡的交响乐《虎门1839》唱片专辑被提名2016年格莱美奖，同年周龙被授予纽约艺术基金会名人堂荣誉称号。

近年来，周龙完成了由青岛交响乐团委约的《琴岛》序曲(获得中国国家艺术基金)；由北京交响乐团委约的交响组曲《京华风韵》；由新加坡交响乐团与BBc逍遥音乐节联合委约的钢琴协奏曲《态势》(2014音乐季首演)；由北京靠前音乐节委约的大型交响史诗《九歌》(2013年首演)。这些作品均由世界各

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乐音的流淌：当代音乐的多元探索与深度对话 这部汇集了多位当代作曲家心血的作品集，如同一幅色彩斑斓的音画卷，展现了二十世纪末至二十一世纪初，中国音乐创作的勃勃生机与广阔视野。它并非仅仅是对传统美学的简单继承或再现，而是在深刻理解西方音乐语言体系与民族文化根基之上，进行大胆的、富有探索性的结构重塑与情感表达。 全书收录的作品，题材广泛，风格多样，从宏大的交响诗篇到精致的室内乐小型作品，无不体现出作曲家们对音乐本体语言的精雕细琢与对时代精神的敏锐捕捉。整体来看，这些作品呈现出一种张力与平衡的对话——既有对现代主义技法如序列、偶然性、拼贴手法的审慎运用，以期拓展声音的可能性边界；又不失对旋律线条、和声色彩的回归，强调音乐的抒情性和可感知性。 结构与形式的革新： 许多作品打破了传统奏鸣曲式或三段式结构中僵硬的界限，转而采用更具流动性、更贴合音乐内在逻辑的自由结构。例如，有几部管弦乐作品，放弃了明确的主题呈示与发展，而是通过“声场构建”和“音响景观的层次推移”来构建整体。作曲家们巧妙地运用复调织体，使得多条旋律线索相互缠绕、渗透，在复杂的对比中形成整体的张力场。在节奏处理上，传统的规整节拍受到挑战，取而代之的是多重节奏的叠加、非周期性的切分以及基于复杂数学关系的节奏模进，使得音乐的律动感变得更加内敛而富于变化。 和声与音色的探索： 和声语言是衡量一部当代作品是否具有创新性的重要标尺。此集中的作品展现了对传统大小调体系的超越。大量的“音高集合”和“微音程”被引入，创造出既陌生又引人入胜的听觉体验。一些作品倾向于使用集群和弦，通过密集的音高堆叠来营造出厚重、饱和的音响块，类似于色彩学中的浓缩涂抹。同时，也有作品偏爱空灵、稀疏的音响布局，利用高区泛音和低音区的嗡鸣来勾勒出广阔的空间感。 配器法上，体现了极高的精细度。作曲家们不再满足于传统管弦乐团的既有音色组合，而是深入挖掘乐器自身音色的“边缘地带”。比如，对弦乐弓法（如巴洛克弓法、膝上拨弦）的极端化使用，对木管乐器气流声的刻意保留，以及对打击乐器组（特别是新式打击乐器和日常材料）的巧妙融入，都极大地拓宽了作品的音色调色板。 精神内涵与人文关怀： 超越纯粹的声音实验，这些作品深深植根于中国当代文化语境。它们探讨了在快速现代化进程中，个体记忆的消逝与重塑、传统叙事在现代语境下的转译，以及人与自然环境的复杂关系。 例如，部分室内乐作品，其情感基调往往是内省的、略带沉思的，它们仿佛在追溯某种失落的田园牧歌，或是在对历史的宏大叙事进行个人化的、碎片化的解读。音乐中常出现的对中国传统五声音阶或特定调式音高的“引用”，并非简单的模仿，而是经过现代和声的“过滤”和“重构”，使得它们与周围的现代织体和谐共存，形成一种“在彼岸的此岸性”的审美趣味。 室内乐作品的精妙： 在室内乐部分，作品更显亲密和技术上的挑战性。作曲家们将复杂的对位技巧与乐器间的对话性发挥到了极致。例如，为特定乐器组合（如长笛、单簧管与打击乐）而作的作品，注重的是三者之间快速、精密的能量交换与角色互换，要求演奏者不仅具备高超的技巧，更要有极强的默契与对音乐呼吸的理解。这些作品，如同精密的手工艺品，每一个音符的放置都经过深思熟虑，旨在探索最少音材料如何建构出最丰富的情感层次。 总而言之，这部作品集代表了中国当代音乐界一批富有创造力和学术深度的成果。它不仅是演奏家们技术与表现力的试金石，更是音乐学者们研究当代音乐语言演变、探寻民族音乐学与西方作曲技法融合路径的宝贵资料库。作品的深度，在于其在拥抱全球音乐思潮的同时，始终保持着对本土文化精神的真诚致敬与创造性转化。

评分☆☆☆☆☆

从音乐教育和学习的角度来看，这套作品无疑是为专业人士量身打造的精品。它的难度设置，并非是那种为了炫技而堆砌的技巧，而是每一个技术点——无论是钢琴快速音群的清晰度，还是女高音在高音区保持的圆润度——都服务于最终的情感表达。例如，某些需要快速换气和极高灵敏度的乐段，恰恰对应着文本中情绪的爆发点或转折处。这说明作曲家对人声和钢琴各自的性能特点有着深刻的理解，并且能够精准地将这些特点用在最能增强音乐张力的地方。对于声乐和钢琴专业的学生来说，攻克这样一套作品，不仅是技术上的飞跃，更是音乐理解力和表现力的一次全面提升。它提供了一个极佳的平台，去探讨人声与键盘乐器之间在现代语境下的最佳合作模式。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅这些乐曲时，我立刻被其中蕴含的情感张力所吸引。这套作品的编排似乎经历过深思熟虑，它不像一些作品集那样只是简单地罗列曲目，而是像在讲述一个完整的故事，情绪的起伏和色彩的变化都处理得非常细腻。女高音声部和钢琴伴奏之间的对话感极强，它们不是简单的互为烘托，而是真正意义上你来我往的交流，彼此独立又相互依存。有些段落，钢琴的织体异常丰富，烘托出一种宏大或神秘的氛围，而人声则在其中自由翱翔，高音部分的穿透力和低吟的内敛感都展现得淋漓尽致。这种处理方式，让我想起了一些欧洲浪漫主义时期的室内乐作品，但又巧妙地融入了某种东方的意境，形成了一种非常独特的张力。对于演唱者而言，这无疑是一次极富挑战性也极具回报的艺术实践，需要对气息控制和情感表达有极高的要求。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对声乐文学性比较看重的听众，我非常好奇这些作品的文本基础是如何与音乐完美结合的。虽然我现在手头没有直接的歌词文本，但从旋律线条的起伏和节奏的推进中，我能清晰地感受到一种强烈的文学画面感。某些乐段，人声的旋律线条拉得很长，仿佛在描绘一幅广阔的景象，而钢琴的断奏和琶音则像是在刻画细微的动作或光影的变化。这种“以音写境”的能力，是区分匠气和灵气的关键。它要求演唱者不仅要唱准音高和节奏，更要深入理解文本背后蕴含的情绪和意境，用声音去“翻译”文字。优秀的作品往往能激发演奏者更深层次的诠释潜力，促使他们超越机械的演奏，进入到角色和情感的真实体验中。我想，这些作品无疑具备了这样的潜力。

评分☆☆☆☆☆

我特别注意到，这套作品在和声语言上颇具现代性，但又没有完全脱离传统的美学框架。它并没有刻意去追求晦涩难懂的十二音体系或者纯粹的无调性，而是将现代的和声色彩融入到旋律的走向之中，使得音乐听起来既新鲜又不会让人感到疏离。钢琴的和声色彩变化尤其丰富，常常在不经意间，突然转入一个意料之外的和弦，瞬间改变了整个场景的氛围，这种“出乎意料中的必然”，是衡量优秀作品的重要标志。对于听众来说，这就像是在一次精心设计的旅程中，不断地遇到令人惊喜的风景。而且，从作品的结构上看，作曲家似乎非常注重乐章之间的逻辑联系，即使是风格迥异的几首作品放在一起，整体上依然保持了一种内在的统一性，展现了作者高超的结构驾驭能力。这使得整套作品具有很高的连贯性和完整的艺术概念。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计确实让人眼前一亮，封面的设计充满了古典韵味，那种留白的处理和字体选择，仿佛能让人感受到音乐本身带来的宁静与深邃。拿到手里的时候，那种纸张的质感也很不错，印刷清晰，看得出出版社在细节上的用心。我特别喜欢内页的排版，谱面清晰易读，即使是复杂的乐段，也能让人一目了然，这对于经常需要研读乐谱的演奏者来说，简直是太重要了。很多时候，一些版本在谱面设计上会让人感到拥挤和压抑，但这一本完全不会，它留足了呼吸的空间，让视线可以轻松地在音符间游走。这本书的厚度和重量也恰到好处，方便携带，不管是放在琴包里还是书架上，都显得很得体。整体来看，从视觉到触觉，这本书都传递出一种专业且高雅的气质，让人在打开它之前，就已经对里面的音乐作品充满了期待和敬意。它不仅仅是一本乐谱集，更像是一件艺术品，值得珍藏。