中国民歌(音乐学卷)/音乐自学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周青青 编

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103011287

商品编码：29888930859

开本：32

出版时间：1993-12-01

基本信息

• 商品名称：中国民歌(音乐学卷)/音乐自学丛书
• 作者：周青青
• 定价：36
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103011287

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1993-12-01
• 印刷时间：2018-04-01
• 版次：1
• 印次：10
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：358

目录

前言
绪论
第一章 汉族民歌音乐的体裁分类及其艺术特征
第一节 关于体裁和汉族民歌音乐体裁的划分
第二节 号子
第三节 山歌
结语
第二章 汉族民歌的色彩区划分及其特征
第一节 概述
第二节 西北色彩区
第三节 东北色彩区
第四节 江汉色彩区
第五节 湘色彩区
第六节 西南色彩区
第七节 客家民歌特区
结语 关于本章的几点说明
第三章 少数民族民歌
第一节 概述
第二节 蒙古族民歌
第三节 哈萨克族民歌
第四节 维吾尔族民歌
第五节 我国南方少数民族多声部民歌
第四章 民歌的研究方法
第一节 实地考察
第二节 资料的整理与分析
第三节 调查报告和论文
主要参考书目和文章
附录 民歌21首
穿心调
摔西瓜
哈腰挂
川江船夫号子
我的哥哥当了红军
阳婆里抱柴瞭哥哥
三天的路程两天到
郎在外章打山歌
绣灯笼
对花
孟姜女
放风筝
丢戒指
小看戏
茉莉花
无锡景
五只小船
普茹莱弟弟
黑缎子坎肩
我的花儿
美丽的姑娘

好的，以下是一本关于中国传统戏曲艺术的专著的详细简介，内容涵盖其历史渊源、流派纷呈、表演艺术、音乐特色以及当代传承与发展等多个方面，旨在展现中国戏曲艺术的博大精深与独特魅力。 --- 《梨园春秋：中国戏曲艺术的流变与精粹》 内容提要 《梨园春秋：中国戏曲艺术的流变与精粹》是一部全面而深入探讨中国传统戏曲艺术发展历程、核心美学特征及经典剧目魅力的学术著作。本书不仅梳理了戏曲自唐宋萌芽，历经元明清的繁盛，直至近现代转型的宏大历史脉络，更着力剖析了不同剧种在声腔、板式、表演身段、脸谱化妆以及舞台调度等方面的独特技艺与审美范式。全书以扎实的文献考证为基础，辅以丰富的田野调查资料，力求展现中国戏曲作为“综合性舞台艺术”的复杂结构与生动实践。 第一部分：溯源与奠基——戏曲的孕育与雏形 本部分追溯了中国戏曲艺术的漫长源头。从先秦的乐舞百戏，汉代的角抵戏，到唐代的参军戏和歌舞大戏，直至宋元时期“诸宫调”和“杂剧”的兴起，系统阐述了戏曲如何逐渐脱离单纯的说唱或舞蹈，吸纳说、唱、做、舞的综合元素，最终定型为具有独立艺术体系的表演形式。重点分析了唐玄宗设立“梨园”对后世戏曲表演体系构建的奠基作用，以及宋代市民阶层的崛起对戏曲题材、语言风格和市场化运作产生的决定性影响。 第二部分：百花齐放——明清戏曲流派的形成与鼎盛 明清两代是中国戏曲的黄金时期，各类地方戏曲剧种竞相发展，形成了“南昆北弋”的格局。本部分详尽介绍了昆曲和弋阳腔这两大主要声腔体系的兴衰与艺术成就。 昆曲（水磨腔）： 深入剖析了昆曲“百戏之祖”的典雅精妙。重点阐述了其以“雅”为核心的美学追求，尤其是在曲牌与板式的运用上，如何通过严谨的声腔韵律和细腻的“水磨”唱法，塑造出士大夫阶层和闺阁女子复杂微妙的内心世界。对《牡丹亭》、《长生殿》等经典剧目的唱词结构、身段程式（如“云步”、“兰花指”）进行了细致的图文解析。 地方戏的崛起： 继而，本书将目光投向了更具地域生命力的剧种。详细考察了秦腔（梆子声腔的鼻祖）的粗犷雄浑、徽班进京对京剧形成的决定性作用，以及花部乱弹对传统戏曲审美规范的冲击与革新。书中特别辟出一章，对比分析了 梆子腔 与 皮黄腔 的声腔结构差异，及其如何适应不同地域的审美情趣。 第三部分：表演的本体——“唱、念、做、打”的技艺体系 戏曲的魅力核心在于其高度程式化的表演语言。本书将“唱、念、做、打”拆解为独立的艺术模块进行深入研究： 唱（声腔艺术）： 探讨了不同剧种在发声方法、气息运用上的地域差异，如京剧的“二黄”与“西皮”的对比，川剧“高腔”的垫腔技巧等。强调了唱腔如何承载人物情感与叙事功能。 念（韵白艺术）： 分析了戏曲念白（韵白、散白）的音乐性和节奏感，阐释了其如何超越日常口语，达到诗化的表达效果。 做（表演身段）： 系统梳理了文武场面的身段程式。通过对“亮相”、“起势”、“走边”等基本动作的分解，揭示了程式化动作背后蕴含的象征意义和情感张力。 打（武术与技巧）： 详细介绍了武戏中对中国传统武术和杂技技巧的继承与改造，包括翻跟、跌扑、兵器技艺（如十八般兵器）的舞台化处理，以及如何通过武戏展现人物的性格和命运。 第四部分：视觉的盛宴——脸谱、服装与舞台意象 戏曲舞台的视觉符号具有极强的表意功能。本部分聚焦于戏曲的造型艺术： 脸谱艺术： 深入剖析了以京剧为代表的脸谱艺术的“图腾化”特征。研究了不同色彩（如红忠、黑直、白奸）和纹饰（如“十字门”、“歪脸”）所代表的性格、身份与命运规律。 服饰的等级与象征： 阐释了戏曲服装（蟒、靠、帔、褶）在材质、颜色、纹样上严格遵循的等级制度，以及它们如何瞬间完成对人物身份（帝王、将相、文人、侠客）的界定。 舞台的写意性： 探讨了中国戏曲舞台的写意空间——“一桌二椅”的哲学。分析了马鞭象征骑行、挥袖象征水流等“虚指”表演手法，揭示了戏曲艺术在有限空间内激发观众想象力的强大能力。 第五部分：传承与革新——近现代的挑战与未来 本书最后部分关注了戏曲艺术在近现代社会转型中的适应与挣扎。探讨了“五四”新文化运动对传统戏曲“旧道德”的批判，以及程砚秋、荀慧生等前辈艺术家在声腔和表演上对“花旦”艺术的提升与拓展。重点分析了现代戏（如革命现代京剧）对传统戏曲体制的冲击与融合，以及当代戏曲界在数字化传播、青年人才培养和经典复排等方面所面临的机遇与挑战。 结语 《梨园春秋》旨在提供一个多维度的视角，去欣赏和理解中国戏曲这一活态的文化遗产。它不仅是戏曲研究者的案头参考，更是所有热爱中华传统艺术的读者开启戏曲大门的钥匙。通过这部作品，读者将能领略到中华民族在舞台艺术领域所创造出的，集诗、歌、舞、剧于一体的独特艺术高峰。 ---

评分☆☆☆☆☆

我最近在学习音乐理论，市面上那些教材大多晦涩难懂，充满了枯燥的术语堆砌，读起来让人昏昏欲睡。直到我接触到这套丛书中的另一本关于和声学的书，才真正体会到什么叫做“化繁为简”。那位作者似乎有一种魔力，能将那些复杂到让人望而却步的定律，通过生动的生活实例和巧妙的比喻娓娓道来。比如，书中解释转调原理时，他没有直接抛出规则，而是拿我们熟悉的“串门”来比喻，一下子就让概念变得具体可感。这种教学方法极大地降低了学习的门槛，让一个半路出家的学习者也能抓住核心要点。更难得的是，书中的习题设计巧妙，不是那种机械重复的操练，而是鼓励读者进行创造性的思考和应用，让人在实践中巩固知识，这种互动性非常强，让人感觉不像在“啃书”，而是在和一位耐心的老师对话。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这套丛书中的另一本关于西方音乐史的卷册时，我最大的感受是其广阔的视野和批判性的视角。很多通史类的书籍只是简单罗列时间线和重要人物，而这本却深入探讨了音乐风格变迁背后的社会、哲学和政治动因。作者并没有将作曲家神化，而是将他们置于具体的历史背景下进行审视，分析了禁忌、赞助制度对音乐创作的制约与激发。例如，在讲述巴洛克时期的宗教音乐时，他详细剖析了路德宗改革对复调音乐结构的影响，这种层层递进的分析，使得原本静态的历史变得鲜活起来。这本书的深度远超出了基础普及读物，它要求读者具备一定的背景知识储备，但回报也是巨大的——它提供了一种更深刻、更具人文关怀的音乐理解路径，让我对“艺术与时代”的关系有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这套“音乐自学丛书”里的入门级读物，会是那种为了照顾初学者而牺牲了专业性的“简易版”。然而，在阅读关于乐器构造与演奏技巧的那一册时，我发现自己的想法完全错了。这本书对不同乐器族群的机械原理和发声机制的描述，精确到了连专业乐器维修师都会赞叹的程度。它没有回避那些复杂的物理学概念，而是巧妙地将其嵌入到对演奏美学的探讨之中。比如，它解释了小提琴弓毛的松紧度如何影响泛音的产生，以及不同指板材料对音色的细微差别，这些细节对于一个想精进演奏技巧的人来说，是黄金般的信息。书中还收录了大量不同时期、不同流派演奏家对同一曲目的不同处理方式的对比分析，提供了极佳的参考样本，让人明白“技术”的终极目标是服务于“表达”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计真是让人眼前一亮。厚实的纸张，略带粗糙的质感，捧在手里很有分量，仿佛穿越回了那个需要用心对待每一本书的年代。封面设计简洁却富有深意，那种留白的处理，加上看似随意的笔触勾勒出的传统图腾元素，让人忍不住想要去探究其中蕴含的文化密码。内页的排版也十分考究，字体选择既保证了阅读的舒适度，又兼具了古典韵味，尤其是那些乐谱的呈现方式，清晰、准确，即便是对五线谱不太熟悉的读者，也能感受到音乐的脉络。我尤其欣赏作者在章节过渡时使用的那些充满画面感的引语，它们像一个个小小的窗口，引导着我们进入下一个充满地域风情的音乐世界。整体来看，这本书不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心打磨的艺术品，阅读的过程本身就是一种享受，让人对传统文化产生由衷的敬畏之情。

评分☆☆☆☆☆

这套丛书中关于音乐美学的卷册，真是让人拍案叫绝，它彻底颠覆了我对抽象理论的刻板印象。这本书的叙事方式非常独特，它没有急于定义“什么是美”，而是通过对不同文化背景下“审美标准”的考察来反向构建美学的框架。例如，它对比了古希腊的“和谐律”与中国古代的“中和之美”，探讨了它们在数学基础上的差异，但最终却指向了人类共通的对秩序与情感张力的追求。作者的文字极富哲思，但绝不故弄玄虚，他擅长捕捉那些转瞬即逝的听觉体验，并将其固化在精确的语言之中。阅读这本书的过程，就像进行一场思想的深度漫游，它引导我不再只是被动地“听”音乐，而是开始主动地“思考”音乐，去探究声音背后的意义，极大地提升了我的审美敏感度和鉴赏力。