嚮大師學插畫---西方經典美術技法譯叢 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

[美] 安德魯·路米斯 著

圖書標籤:

• 插畫
• 美術技法
• 西方美術
• 繪畫
• 藝術
• 技法
• 教程
• 大師
• 經典
• 美術

店鋪： 巧藝圖書專營店

齣版社： 上海人民美術齣版社

ISBN：9787532298624

商品編碼：29906581541

包裝：平裝

齣版時間：2016-06-01

基本信息

書名：嚮大師學插畫---西方經典美術技法譯叢

：68.00元

作者：安德魯·路米斯

齣版社：上海人民美術齣版社

齣版日期：2016-06-01

ISBN：9787532298624

字數：110000

頁碼：304

版次：1

裝幀：平裝

開本：16開

商品重量：0.4kg

編輯推薦

---

· 包含數百幅路米斯的經典插畫，欣賞大師的作品，有助於讀者更好的學習創作技法。· 闡述瞭畫麵效果背後隱藏的構思、情感和心理因素。· 對多種插畫創作領域，如雜誌廣告、雜誌封麵、戶外招貼、書籍封麵和故事插畫等做瞭一番實用的分析。· 提供專業性的建議和技巧，為你掃除插畫學習中的睏惑。· 本書適閤有一定繪畫基礎，想要提高插畫水平的中級和高級畫傢。點擊購買以下《西方經典美術技法譯叢》係列叢書嚮大師學素描（路米斯經典美術大課堂）頭與手的素描（路米斯經典美術大課堂）大師的人體素描（路米斯經典美術大課堂）

內容提要

---

嚮的老師學習，纔能掌握純熟的方法。想要學好插畫，就要跟隨插畫大師的腳步。

作者安德魯·路米斯是一名傑齣的美國插圖畫傢、作傢、美術教育傢，師從喬治·伯裏曼並發展瞭伯裏曼的素描繪畫體係，對當代素描教育産生瞭巨大的影響。這本書是他專為插畫師所作的繪畫指南，講述瞭綫條、色調和色彩的依存關係，以及如何用這三種基本手段創作好的畫麵。之後，再教授讀者畫齣有故事的創意插畫。依照大師的繪畫技巧進行大量的練習，有朝一日，你也會成為大師。

目錄

---

作者介紹

---

安德魯·路米斯(Andrew Loomis，1892—1959)，美國插圖畫傢、作傢、美術教育傢。他曾就讀於美國藝術學生聯盟，19歲時師從於喬治·伯裏曼學習繪畫，隨後發展並且延伸瞭喬治·伯裏曼的素描繪畫體係，以獨特單位視角撰寫瞭數本簡單易懂的繪畫教學書籍，對當代素描教育産生瞭巨大影響。安德魯·路米斯認為：好素描必須具有說服力和感染力。因此他從繪畫原理方麵訓練讀者，使之創作齣“真實的”藝術作品。各繪畫技法環節，他都主張作品應盡可能源於觀察、實景寫生和模特動態。正是由於其獨特、著實有效的藝術理念，在他去世後很長一段時間，其繪畫風格仍繼續影響著一大批藝術傢。

文摘

---

序言

---

藝術的探索與實踐：精選美術技法深度解析 本套叢書精選自全球範圍內最具影響力、最受推崇的美術技法專著，旨在為不同階段的藝術學習者提供係統、深入、實用的學習指南。我們深知，掌握精湛的技藝是實現藝術理想的基石，因此，本係列叢書嚴格篩選內容，力求覆蓋從基礎素描到高級色彩、從經典造型到現代媒介的全麵體係。 叢書核心聚焦領域： 一、 經典素描與造型基礎的重建 本係列中關於素描的部分，完全側重於歐洲文藝復興時期至19世紀學院派對形體結構、光影關係以及空間透視的嚴謹訓練方法。我們不涉及任何現代插畫或數字繪畫的特定軟件技巧。 1. 《光影的幾何學：從布麵到紙張的體積塑造》 本書深入剖析瞭古典大師如何通過對光的精確理解來構建三維空間感。內容涵蓋： 透視法則的嚴密推演： 重點講解單點、兩點、多點透視在復雜建築和環境中的實際應用，強調“視綫水平”與“視點距離”對畫麵氣氛的決定性影響，而非簡單的輔助綫繪製。 明暗五調子的科學劃分： 詳細解析瞭高光、亮麵、中間調、暗麵、反光、投影之間的微妙過渡與數值關係，指導讀者如何運用鉛筆的硬度變化和排綫方嚮來模擬不同材質（如金屬、絲綢、木材）的反光特性。 人體結構素描的骨骼肌理： 藉鑒安德烈·洛倫（André Lhote）等大師的分析方法，強調骨骼結構對肌肉形態的製約作用。練習集中於靜態人體結構解剖圖的臨摹與分析，而非快速寫生或動態捕捉。 靜物寫生的深度構圖： 教授如何利用古典的“三角構圖”和“金字塔結構”來穩定畫麵，並探討瞭通過調整對象的紋理對比來增強視覺重量的技巧。 2. 《材質的觸感：素描中的紋理錶現力》 本書專注於如何用單色調來“描繪”齣物質的物理屬性，完全基於傳統乾性或濕性媒介（如炭筆、石墨、粉筆）。 石材與金屬的處理： 探討如何通過銳利的邊緣處理和極端的反差來錶現石頭的堅硬和金屬的冰冷，重點在於控製筆觸的“碎裂感”與“光滑度”。 織物與皮革的褶皺分析： 詳細解析不同厚度織物在重力作用下産生的規律性褶皺模式，強調褶皺的起點和終點如何服務於形體的體積感。 --- 二、 色彩理論與油畫技法的深度迴歸 本部分聚焦於油畫和蛋彩畫的曆史演進中，色彩運用的核心原理，特彆是對中世紀晚期和巴洛剋時期色彩體係的研究。 3. 《顔料的魔力：古典油畫的色彩調和與層次構建》 這是一本關於顔料科學與色彩哲學的結閤體，不涉及現代丙烯或水性媒介。 色彩的物理學基礎： 深度解析瞭在沒有光學顔料的時代，藝術傢如何通過混閤礦物顔料（如群青、赭石、硃砂）來實現色彩的純淨度和飽和度。內容包括對“色彩光譜”的早期理解。 濕畫法（Alla Prima）與罩染（Glazing）的對比： 詳細對比瞭提香、魯本斯等大師常用的直接畫法與倫勃朗所推崇的、通過多層透明釉彩構建深邃色彩層次的技法。重點演示如何調配不同稀釋度的媒介劑來控製釉色的滲透性。 古典的配色方案： 介紹並實踐瞭多種曆史上的經典調色闆，如“ সীমিত調色盤（Limited Palette）”，以及如何通過限製顔色種類來增強畫麵整體的和諧統一性。 光綫的色彩屬性： 探討陰影中色彩的微妙變化，強調陰影並非簡單地“變黑”，而是會受到環境色和物體固有色的綜閤影響。 4. 《濕壁畫與蛋彩的耐久之道：韆年技藝的重現》 本書側重於曆史上對持久性和穩定性的追求，主要麵嚮對壁畫、木闆畫感興趣的實踐者。 蛋彩的製作與應用： 詳述瞭蛋黃乳液的精確配比，以及蛋彩顔料在木闆或石膏底子上迅速乾燥的特性，如何影響筆觸的運用。 純色與媒介的結閤： 探討瞭在蛋彩畫中，如何使用蠟或樹脂媒介來增加光澤和色彩的深度。 --- 三、 經典構圖與敘事性繪畫的結構 本叢書的構圖部分，完全基於古典美術中對敘事性、戲劇性錶達的需求，強調穩定、平衡與引導觀眾視綫的能力。 5. 《平衡的藝術：從文藝復興到浪漫主義的敘事構圖》 本書是一本純粹的構圖分析教程，完全不涉及任何現代圖形設計或排版理論。 黃金分割與斐波那契數列的應用： 深入分析瞭拉斐爾、達芬奇等如何將數學比例融入到人物布局和背景劃分中，以達到視覺上的完美和諧。 動態平衡與對角綫： 教授如何通過使用強烈的對角綫來製造運動感和張力，並如何用靜止的水平或垂直元素來錨定畫麵。 “視綫引導綫”的隱形設計： 分析瞭如何利用肢體朝嚮、道具擺放、光照焦點等“非綫條”元素，在畫麵中建立一條清晰的觀看路徑，將觀眾的注意力精確導嚮敘事的核心。 群像描繪的組織： 針對曆史畫和宗教畫中的多人物場景，提供瞭將復雜群體組織成易於理解、富有層次的視覺單元的結構方法。 --- 四、 快速速寫與觀察力的訓練（傳統視角） 本部分強調的是對自然界中瞬間動態和內在精神的捕捉，完全依賴於手與眼的直接協同，不涉及任何參考照片或數字輔助。 6. 《瞬間的永恒：炭筆與鋼筆的現場速寫訓練》 本書關注的是19世紀學院派對快速捕捉對象的訓練，適用於戶外寫生和課堂練習。 觀察的層級： 強調從整體到細節的觀察順序，首先確立最大形體和動態綫，然後纔處理結構和光影。 工具的特性運用： 詳細區分瞭硬炭筆（強調輪廓和重量感）、軟炭筆（強調陰影和氛圍感）以及鋼筆（強調綫條的精確性和節奏感）在速寫中的不同功能和錶現力。 環境氛圍的捕捉： 教授如何通過對背景的簡化處理和對光綫強度的快速標記，在幾分鍾內定下整幅畫的情緒基調。 本套叢書，是獻給所有緻力於深入理解和掌握西方傳統繪畫精髓的學習者和實踐者的一套全麵參考資料。它要求學習者迴歸對材料的本真理解，迴歸對光影和結構的嚴謹訓練，是通往精湛技藝的堅實階梯。

評分☆☆☆☆☆

我一直對古典油畫的質感和錶現力著迷，尤其是那些描繪靜物的作品，每一件物品都仿佛擁有生命，散發著獨特的光澤和觸感。這本書在這一點上做得尤為齣色。它沒有迴避那些看似繁瑣的步驟，而是把調色、筆觸、肌理的營造拆解得非常透徹。比如，它講解如何錶現金屬的冷冽光澤，如何模擬絲絨的柔軟垂墜，甚至如何捕捉玻璃器皿的透明摺射，都給齣瞭詳盡的示範和理論支持。我之前嘗試畫水果，總是顯得不夠“水潤”，畫布料也總是硬邦邦的，看瞭這裏關於“濕中濕”和“乾筆”運用的技巧，纔恍然大悟。書中的一些案例分析，更是直接將大師作品的局部放大，用箭頭和文字標注齣關鍵的筆觸走嚮和色彩疊加順序，這種“解碼”式的講解方式，對我幫助巨大。我開始理解，原來那種厚重而富有層次感的色彩，並非一蹴而就，而是需要精妙的疊加和耐心。這本書讓我對油畫的錶現力有瞭更深的敬畏，也給瞭我堅持下去的動力。

評分☆☆☆☆☆

讓我感到非常欣喜的是，這本書在講解人物肖像方麵，給予瞭我前所未有的啓發。我一直覺得畫人臉是最睏難的，特彆是如何捕捉到人物的神韻和內在氣質，總覺得差瞭那麼一點點。這本書從麵部結構的精確描繪，到光影在五官上的微妙變化，再到色彩如何在皮膚上呈現齣微妙的冷暖對比，都做瞭非常細緻的講解。它不僅僅停留在解剖學層麵，更深入地探討瞭眼神的傳達，錶情的細微之處如何體現人物的性格。我尤其欣賞書中關於“皮膚色彩”的分析，它打破瞭我過去一味地使用“膚色”顔料的簡單模式，讓我理解到皮膚是由無數種色彩交織而成，冷暖、明暗、飽和度都至關重要。通過對幾位西方大師經典肖像的深入剖析，我開始學會如何去“讀”懂一張臉，如何通過筆觸和色彩去“寫”齣一個鮮活的人物。這本書讓我覺得，畫齣有靈魂的肖像，並非遙不可及。

評分☆☆☆☆☆

老實說，我之前對水彩畫的印象一直停留在“透明”和“輕盈”上，總覺得它無法承載厚重的情感和復雜的細節。然而，這本書徹底顛覆瞭我的認知。它展現瞭水彩畫在錶現寫實主義、甚至是某種程度上的錶現主義方麵的強大潛力。書裏有很多關於“濕畫法”和“乾畫法”的對比演示，以及如何利用水痕和色彩的暈染來創造肌理和氛圍的技巧。我印象特彆深刻的是，它講解如何用疊加的顔色畫齣層次感分明的花瓣，以及如何通過控製水分來錶現雨後的濕潤街道。這些技法對於我這個一直以來都覺得水彩“水”太多就失控的人來說，簡直是救星。它讓我看到，水彩的“不確定性”恰恰是其魅力所在，而掌握瞭技巧，就能將這份“不確定性”轉化為令人驚嘆的錶現力。我迫不及待地想去嘗試用這些方法來描繪我喜歡的那些靜物和風景。

評分☆☆☆☆☆

這本書帶給我的驚喜，遠不止於技法的講解。它更像是一本關於“如何思考”的藝術哲學讀物。在講解構圖和色彩搭配時，它不僅僅停留在“黃金分割”或“色彩三要素”的層麵，而是深入探討瞭色彩如何影響觀者的情緒，構圖如何引導視綫，以及如何在畫麵中營造氛圍。我過去畫風景，總覺得畫麵“平”，缺乏故事感，看完這部分的講解，纔明白原來是忽略瞭“主觀錶達”。書中引用瞭很多關於畫傢創作理念的文字，讓我開始思考，我想要通過我的畫傳達什麼？是寜靜的田園風光，還是喧囂都市的活力？這種對“意圖”的強調，讓我感覺繪畫不再是一項單純的技巧訓練，而是一種與世界對話的方式。它鼓勵我嘗試不同的視角，大膽地運用色彩，去捕捉那些轉瞬即逝的情感瞬間。我發現，當我開始帶著思考去創作時，我的畫麵真的開始有瞭“生命”。

評分☆☆☆☆☆

剛拿到這本《嚮大師學插畫---西方經典美術技法譯叢》，簡直是為我這種苦苦尋找提升技法的小透明量身定做的！翻開第一頁，就被那種沉靜而專業的態度所感染。它不像市麵上很多速成的教程，上來就告訴你各種“秘訣”，而是耐心地從最基礎的素描關係講起，那種對光影、體積、透視的細緻剖析，簡直把我之前模糊的概念一下子撥開瞭迷霧。我尤其喜歡它在講解骨骼結構和肌肉走嚮時，那種條理清晰、層層遞進的方式。我過去畫人物總是感覺“飄”，不夠紮實，看完這部分，纔明白原來是忽略瞭內部支撐的重要性。它還非常注重“觀察”的訓練，教你如何真正地“看”懂對象，而不是機械地照搬。書裏大量的圖例，無論是名傢手稿還是作品局部，都經過瞭精心的挑選和標注，配閤著文字講解，我仿佛置身於大師的畫室，聽他們娓娓道來創作的奧秘。每一頁都充滿瞭乾貨，讓我感到時間完全不夠用，恨不得立刻拿起畫筆去實踐。這套書真正做到瞭“授人以漁”，而不是簡單地“授人以魚”。