向大师学插画---西方经典美术技法译丛 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 安德鲁·路米斯 著

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店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532298624

商品编码：29906581541

包装：平装

出版时间：2016-06-01

基本信息

书名：向大师学插画---西方经典美术技法译丛

：68.00元

作者：安德鲁·路米斯

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2016-06-01

ISBN：9787532298624

字数：110000

页码：304

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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· 包含数百幅路米斯的经典插画，欣赏大师的作品，有助于读者更好的学习创作技法。· 阐述了画面效果背后隐藏的构思、情感和心理因素。· 对多种插画创作领域，如杂志广告、杂志封面、户外招贴、书籍封面和故事插画等做了一番实用的分析。· 提供专业性的建议和技巧，为你扫除插画学习中的困惑。· 本书适合有一定绘画基础，想要提高插画水平的中级和高级画家。点击购买以下《西方经典美术技法译丛》系列丛书向大师学素描（路米斯经典美术大课堂）头与手的素描（路米斯经典美术大课堂）大师的人体素描（路米斯经典美术大课堂）

内容提要

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向的老师学习，才能掌握纯熟的方法。想要学好插画，就要跟随插画大师的脚步。

作者安德鲁·路米斯是一名杰出的美国插图画家、作家、美术教育家，师从乔治·伯里曼并发展了伯里曼的素描绘画体系，对当代素描教育产生了巨大的影响。这本书是他专为插画师所作的绘画指南，讲述了线条、色调和色彩的依存关系，以及如何用这三种基本手段创作好的画面。之后，再教授读者画出有故事的创意插画。依照大师的绘画技巧进行大量的练习，有朝一日，你也会成为大师。

目录

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作者介绍

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安德鲁·路米斯(Andrew Loomis，1892—1959)，美国插图画家、作家、美术教育家。他曾就读于美国艺术学生联盟，19岁时师从于乔治·伯里曼学习绘画，随后发展并且延伸了乔治·伯里曼的素描绘画体系，以独特单位视角撰写了数本简单易懂的绘画教学书籍，对当代素描教育产生了巨大影响。安德鲁·路米斯认为：好素描必须具有说服力和感染力。因此他从绘画原理方面训练读者，使之创作出“真实的”艺术作品。各绘画技法环节，他都主张作品应尽可能源于观察、实景写生和模特动态。正是由于其独特、着实有效的艺术理念，在他去世后很长一段时间，其绘画风格仍继续影响着一大批艺术家。

文摘

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序言

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艺术的探索与实践：精选美术技法深度解析 本套丛书精选自全球范围内最具影响力、最受推崇的美术技法专著，旨在为不同阶段的艺术学习者提供系统、深入、实用的学习指南。我们深知，掌握精湛的技艺是实现艺术理想的基石，因此，本系列丛书严格筛选内容，力求覆盖从基础素描到高级色彩、从经典造型到现代媒介的全面体系。 丛书核心聚焦领域： 一、 经典素描与造型基础的重建 本系列中关于素描的部分，完全侧重于欧洲文艺复兴时期至19世纪学院派对形体结构、光影关系以及空间透视的严谨训练方法。我们不涉及任何现代插画或数字绘画的特定软件技巧。 1. 《光影的几何学：从布面到纸张的体积塑造》 本书深入剖析了古典大师如何通过对光的精确理解来构建三维空间感。内容涵盖： 透视法则的严密推演： 重点讲解单点、两点、多点透视在复杂建筑和环境中的实际应用，强调“视线水平”与“视点距离”对画面气氛的决定性影响，而非简单的辅助线绘制。 明暗五调子的科学划分： 详细解析了高光、亮面、中间调、暗面、反光、投影之间的微妙过渡与数值关系，指导读者如何运用铅笔的硬度变化和排线方向来模拟不同材质（如金属、丝绸、木材）的反光特性。 人体结构素描的骨骼肌理： 借鉴安德烈·洛伦（André Lhote）等大师的分析方法，强调骨骼结构对肌肉形态的制约作用。练习集中于静态人体结构解剖图的临摹与分析，而非快速写生或动态捕捉。 静物写生的深度构图： 教授如何利用古典的“三角构图”和“金字塔结构”来稳定画面，并探讨了通过调整对象的纹理对比来增强视觉重量的技巧。 2. 《材质的触感：素描中的纹理表现力》 本书专注于如何用单色调来“描绘”出物质的物理属性，完全基于传统干性或湿性媒介（如炭笔、石墨、粉笔）。 石材与金属的处理： 探讨如何通过锐利的边缘处理和极端的反差来表现石头的坚硬和金属的冰冷，重点在于控制笔触的“碎裂感”与“光滑度”。 织物与皮革的褶皱分析： 详细解析不同厚度织物在重力作用下产生的规律性褶皱模式，强调褶皱的起点和终点如何服务于形体的体积感。 --- 二、 色彩理论与油画技法的深度回归 本部分聚焦于油画和蛋彩画的历史演进中，色彩运用的核心原理，特别是对中世纪晚期和巴洛克时期色彩体系的研究。 3. 《颜料的魔力：古典油画的色彩调和与层次构建》 这是一本关于颜料科学与色彩哲学的结合体，不涉及现代丙烯或水性媒介。 色彩的物理学基础： 深度解析了在没有光学颜料的时代，艺术家如何通过混合矿物颜料（如群青、赭石、朱砂）来实现色彩的纯净度和饱和度。内容包括对“色彩光谱”的早期理解。 湿画法（Alla Prima）与罩染（Glazing）的对比： 详细对比了提香、鲁本斯等大师常用的直接画法与伦勃朗所推崇的、通过多层透明釉彩构建深邃色彩层次的技法。重点演示如何调配不同稀释度的媒介剂来控制釉色的渗透性。 古典的配色方案： 介绍并实践了多种历史上的经典调色板，如“ সীমিত调色盘（Limited Palette）”，以及如何通过限制颜色种类来增强画面整体的和谐统一性。 光线的色彩属性： 探讨阴影中色彩的微妙变化，强调阴影并非简单地“变黑”，而是会受到环境色和物体固有色的综合影响。 4. 《湿壁画与蛋彩的耐久之道：千年技艺的重现》 本书侧重于历史上对持久性和稳定性的追求，主要面向对壁画、木板画感兴趣的实践者。 蛋彩的制作与应用： 详述了蛋黄乳液的精确配比，以及蛋彩颜料在木板或石膏底子上迅速干燥的特性，如何影响笔触的运用。 纯色与媒介的结合： 探讨了在蛋彩画中，如何使用蜡或树脂媒介来增加光泽和色彩的深度。 --- 三、 经典构图与叙事性绘画的结构 本丛书的构图部分，完全基于古典美术中对叙事性、戏剧性表达的需求，强调稳定、平衡与引导观众视线的能力。 5. 《平衡的艺术：从文艺复兴到浪漫主义的叙事构图》 本书是一本纯粹的构图分析教程，完全不涉及任何现代图形设计或排版理论。 黄金分割与斐波那契数列的应用： 深入分析了拉斐尔、达芬奇等如何将数学比例融入到人物布局和背景划分中，以达到视觉上的完美和谐。 动态平衡与对角线： 教授如何通过使用强烈的对角线来制造运动感和张力，并如何用静止的水平或垂直元素来锚定画面。 “视线引导线”的隐形设计： 分析了如何利用肢体朝向、道具摆放、光照焦点等“非线条”元素，在画面中建立一条清晰的观看路径，将观众的注意力精确导向叙事的核心。 群像描绘的组织： 针对历史画和宗教画中的多人物场景，提供了将复杂群体组织成易于理解、富有层次的视觉单元的结构方法。 --- 四、 快速速写与观察力的训练（传统视角） 本部分强调的是对自然界中瞬间动态和内在精神的捕捉，完全依赖于手与眼的直接协同，不涉及任何参考照片或数字辅助。 6. 《瞬间的永恒：炭笔与钢笔的现场速写训练》 本书关注的是19世纪学院派对快速捕捉对象的训练，适用于户外写生和课堂练习。 观察的层级： 强调从整体到细节的观察顺序，首先确立最大形体和动态线，然后才处理结构和光影。 工具的特性运用： 详细区分了硬炭笔（强调轮廓和重量感）、软炭笔（强调阴影和氛围感）以及钢笔（强调线条的精确性和节奏感）在速写中的不同功能和表现力。 环境氛围的捕捉： 教授如何通过对背景的简化处理和对光线强度的快速标记，在几分钟内定下整幅画的情绪基调。 本套丛书，是献给所有致力于深入理解和掌握西方传统绘画精髓的学习者和实践者的一套全面参考资料。它要求学习者回归对材料的本真理解，回归对光影和结构的严谨训练，是通往精湛技艺的坚实阶梯。

评分☆☆☆☆☆

让我感到非常欣喜的是，这本书在讲解人物肖像方面，给予了我前所未有的启发。我一直觉得画人脸是最困难的，特别是如何捕捉到人物的神韵和内在气质，总觉得差了那么一点点。这本书从面部结构的精确描绘，到光影在五官上的微妙变化，再到色彩如何在皮肤上呈现出微妙的冷暖对比，都做了非常细致的讲解。它不仅仅停留在解剖学层面，更深入地探讨了眼神的传达，表情的细微之处如何体现人物的性格。我尤其欣赏书中关于“皮肤色彩”的分析，它打破了我过去一味地使用“肤色”颜料的简单模式，让我理解到皮肤是由无数种色彩交织而成，冷暖、明暗、饱和度都至关重要。通过对几位西方大师经典肖像的深入剖析，我开始学会如何去“读”懂一张脸，如何通过笔触和色彩去“写”出一个鲜活的人物。这本书让我觉得，画出有灵魂的肖像，并非遥不可及。

评分☆☆☆☆☆

我一直对古典油画的质感和表现力着迷，尤其是那些描绘静物的作品，每一件物品都仿佛拥有生命，散发着独特的光泽和触感。这本书在这一点上做得尤为出色。它没有回避那些看似繁琐的步骤，而是把调色、笔触、肌理的营造拆解得非常透彻。比如，它讲解如何表现金属的冷冽光泽，如何模拟丝绒的柔软垂坠，甚至如何捕捉玻璃器皿的透明折射，都给出了详尽的示范和理论支持。我之前尝试画水果，总是显得不够“水润”，画布料也总是硬邦邦的，看了这里关于“湿中湿”和“干笔”运用的技巧，才恍然大悟。书中的一些案例分析，更是直接将大师作品的局部放大，用箭头和文字标注出关键的笔触走向和色彩叠加顺序，这种“解码”式的讲解方式，对我帮助巨大。我开始理解，原来那种厚重而富有层次感的色彩，并非一蹴而就，而是需要精妙的叠加和耐心。这本书让我对油画的表现力有了更深的敬畏，也给了我坚持下去的动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的惊喜，远不止于技法的讲解。它更像是一本关于“如何思考”的艺术哲学读物。在讲解构图和色彩搭配时，它不仅仅停留在“黄金分割”或“色彩三要素”的层面，而是深入探讨了色彩如何影响观者的情绪，构图如何引导视线，以及如何在画面中营造氛围。我过去画风景，总觉得画面“平”，缺乏故事感，看完这部分的讲解，才明白原来是忽略了“主观表达”。书中引用了很多关于画家创作理念的文字，让我开始思考，我想要通过我的画传达什么？是宁静的田园风光，还是喧嚣都市的活力？这种对“意图”的强调，让我感觉绘画不再是一项单纯的技巧训练，而是一种与世界对话的方式。它鼓励我尝试不同的视角，大胆地运用色彩，去捕捉那些转瞬即逝的情感瞬间。我发现，当我开始带着思考去创作时，我的画面真的开始有了“生命”。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本《向大师学插画---西方经典美术技法译丛》，简直是为我这种苦苦寻找提升技法的小透明量身定做的！翻开第一页，就被那种沉静而专业的态度所感染。它不像市面上很多速成的教程，上来就告诉你各种“秘诀”，而是耐心地从最基础的素描关系讲起，那种对光影、体积、透视的细致剖析，简直把我之前模糊的概念一下子拨开了迷雾。我尤其喜欢它在讲解骨骼结构和肌肉走向时，那种条理清晰、层层递进的方式。我过去画人物总是感觉“飘”，不够扎实，看完这部分，才明白原来是忽略了内部支撑的重要性。它还非常注重“观察”的训练，教你如何真正地“看”懂对象，而不是机械地照搬。书里大量的图例，无论是名家手稿还是作品局部，都经过了精心的挑选和标注，配合着文字讲解，我仿佛置身于大师的画室，听他们娓娓道来创作的奥秘。每一页都充满了干货，让我感到时间完全不够用，恨不得立刻拿起画笔去实践。这套书真正做到了“授人以渔”，而不是简单地“授人以鱼”。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我之前对水彩画的印象一直停留在“透明”和“轻盈”上，总觉得它无法承载厚重的情感和复杂的细节。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它展现了水彩画在表现写实主义、甚至是某种程度上的表现主义方面的强大潜力。书里有很多关于“湿画法”和“干画法”的对比演示，以及如何利用水痕和色彩的晕染来创造肌理和氛围的技巧。我印象特别深刻的是，它讲解如何用叠加的颜色画出层次感分明的花瓣，以及如何通过控制水分来表现雨后的湿润街道。这些技法对于我这个一直以来都觉得水彩“水”太多就失控的人来说，简直是救星。它让我看到，水彩的“不确定性”恰恰是其魅力所在，而掌握了技巧，就能将这份“不确定性”转化为令人惊叹的表现力。我迫不及待地想去尝试用这些方法来描绘我喜欢的那些静物和风景。