鲁迅美术学院摄影系：摄影专业教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘立宏 著

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店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787802361836

商品编码：29906779247

包装：平装

出版时间：2008-07-01

基本信息

书名:鲁迅美术学院摄影系：摄影专业教程

定价：98.00元

售价：71.5元,便宜26.5元,折扣72

作者:刘立宏

出版社：中国摄影出版社

出版日期：2008-07-01

ISBN：9787802361836

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

内容提要

鲁迅美术学院摄影系组织编写的一本专业教程，覆盖摄影原理、摄影材料、成像原理、摄影技术、数码影像、摄影史、视觉心理学、摄影报道和图片编辑、商业摄影、摄影艺术表现等广泛的范畴，为近年来不可多得的一本摄影教程。《鲁迅美术学院摄影系──摄影专业教程》其定位高于《纽约摄影学院教材》，可以成为有一定摄影基础的摄影爱好者和专业摄影师的专业教程。

目录

部分 影像的视觉基础
章 造型基础
节 素描
一、素描基础能力的训练
二、思维能力的训练
三、想象能力的训练
第二节 色彩
一、色彩印象理论
二、色彩表现能力的训练
第二章 摄影与构成
节 平面构成
一、重复
二、特异
三、发射
四、对比与统一
第二节 色彩构成
一、色彩的基础
二、色彩知觉
三、色彩的体系
四、色彩的对比
五、色彩的调和
六、色彩的感觉
七、色彩与生活
第二部分 摄影工具与材料
章 照相机及其镜头
节 照相机
一、照相机机身结构的分类及照相机的品牌
二、现代单镜头反光式照相机的基本结构
三、现代传承经典的旁轴取景式相机的基本结构差异
四、数码照相机与传统胶片相机的结构区别
五、照相机机身的一些特殊设计及其功用
六、照相机机身的附件及其功用
七、照相机的使用窍门
第二节 镜头
一、镜头的分类
二、镜头的成像规律和原理
三、镜头的结构和应用
四、镜头的滤镜及其效果
第二章 感光材料
节 黑白感光材料
一、感光材料基本结构原理
二、现代感光材料的应用
第二节 彩色感光材料
一、彩色胶片的工作原理
二、光的三原色、三补色
三、成色法
四、彩色感光材料的成色结构
五、彩色胶片
六、色温的平衡与转换
七、彩色摄影滤光镜
第三部分 影像的形成
章 摄影曝光
节 摄影曝光
一、什么是摄影曝光
……
第二章 摄影用光
第三章 黑白暗房工艺
第四部分 影像的构成
章 黑白摄影
第二章 摄影色彩与彩色摄影
第三章 摄影构图
第五部分 数码影像应用
章 数码影像基础
第二章 数码影像艺术
第六部分 摄影简史
章 摄影的诞生和初期的影像实践
第二章 早期摄影技术的试验与发明
第三章 早期的人像摄影
第四章 早期的纪实摄影
第五章 早期的艺术摄影
第七部分 视觉心理学
章 视觉心理学概论
第二章 认知心理学
第三章 格式塔心理学
第四章 视觉的阅读
第八部分 报道摄影与图片编辑
章 报道摄影
第二章 图片编辑
第九部分 商业摄影
章 产品摄影
第二章 时尚人物
第十部分 摄影艺术表现
章 艺术摄影
第二章 摄影艺术创作方法以论
第三章 摄影创作观点

作者介绍

文摘

序言

摄影艺术的深度探索与实践指南：不止于技术的光影之旅 导言： 摄影，作为一种捕捉瞬间、记录时代、表达情感的媒介，其魅力在于光影的魔力与瞬间的永恒。本书并非某特定院校的专业教程，而是一部面向所有热爱摄影、渴望深入理解并精进技艺的同仁们所精心编纂的综合性光影艺术探索之作。我们旨在提供一套既涵盖摄影技术基础，又着重于审美构建、理论深度与个人风格塑造的全面指南，引导读者超越简单的“按快门”，进入到光影语言的深度叙事之中。 第一部分：光影的语法——技术基石的精雕细琢 本卷聚焦于摄影实践的硬性基础，以严谨而详尽的方式，剖析现代摄影中不可或缺的技术要素。我们相信，对工具的深刻理解是自由创作的前提。 一、相机的物理与光学原理： 我们将深入剖析数码成像系统（CMOS/CCD）的工作机制，从传感器尺寸对画质和景深的影响，到图像处理引擎（ISP）在色彩科学中的核心作用。镜头部分，我们将超越焦距和光圈的简单定义，探讨光学设计（如高斯结构、复曲面镜片）如何决定畸变、像场平坦度和分辨率。尤其关注大光圈定焦镜头和专业变焦镜头的微反差与锐度表现的内在联系。 二、曝光的三角与动态控制： 曝光不再是快门、光圈、ISO的简单组合，而是对光线信息的采样策略。本章详述如何根据不同的光照条件（如逆光、侧逆光、漫射光）制定曝光计划。更进一步，我们探讨高动态范围（HDR）技术的物理限制与后期融合的艺术决策，以及如何通过中灰渐变滤镜（GND）实现物理层面上的曝光平衡，为后期处理预留最佳的素材空间。 三、色彩的科学与心理学基础： 色彩不仅仅是RGB值，它是光波的频率，更是情感的载体。本部分细致讲解色温、白平衡的科学校准与艺术性倾斜。我们探讨色彩空间（sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB）在工作流程中的选择逻辑，以及色彩管理系统（CMS）如何确保显示器、打印机与相机之间色彩的一致性。此外，我们引入色彩心理学，分析不同色调组合如何影响观众对画面的情绪感知。 四、对焦系统的精确掌控： 现代自动对焦（AF）系统的复杂性要求使用者具备更高的掌控欲。从相位检测（PDAF）到反差检测（CDAF），再到混合对焦系统的演变，我们将详细拆解不同场景下（如追焦运动、微距对焦、弱光对焦）的最佳对焦模式选择与区域划分策略。对焦精度的细微差别如何影响最终画面的清晰度和视觉焦点引导，将被放在显微镜下审视。 第二部分：视觉的构建——构图、光线与场景的哲学 技术是基础，而光线与构图则是赋予技术以灵魂的艺术语言。本部分侧重于引导读者建立强大的视觉感知能力。 一、超越“三分法”的构图理论： 我们深入研究古典艺术中的构图原理，如黄金分割、斐波那契螺旋在摄影中的应用，并拓展到更具现代性的动态平衡、负空间运用、引导线的多维解读。我们将分析如何通过画面的重量分布、线条的张力与方向性，来控制观众的视觉流向，实现画面的节奏感与张力。 二、光线的性格与塑形能力： 光线是摄影的本质。我们细致区分硬光与柔光、直射光与漫射光在表现物体质感、体积感上的差异。重点在于对时间性光线（如黎明、正午、黄昏）的捕捉与利用，分析如何通过改变拍摄角度（如掠射光、逆光）来赋予主体戏剧性的轮廓或细腻的层次。理解“光线如何描述物质”是本章的核心目标。 三、景深与焦段的情感表达： 景深不仅仅是背景虚化程度的量化指标，它更是作者选择性聚焦观众注意力的工具。我们将探讨浅景深在人像与微距中的情感放大作用，以及大景深在风光和建筑摄影中构建宏大叙事空间的应用。不同焦段的选择（广角对空间夸张的倾向，长焦对压缩与隔离的偏好）如何塑造我们对场景的认知和心理投射。 第四部分：风格的锤炼——从记录到创造的蜕变 真正的摄影师，在于其独一无二的视觉签名。本部分引导读者进行深层次的自我探索与风格确立。 一、纪实与表达的张力： 探讨新闻摄影、人文摄影与艺术摄影之间的界限与交汇点。我们分析如何通过瞬间的捕捉，挖掘事件背后的普遍性意义，同时审视“摆拍”与“纯粹记录”在伦理和美学上的辩证关系。学习如何构建一个连贯的系列作品，而非孤立的图像。 二、后期处理的“数字暗房”哲学： 后期不再是弥补拍摄失误的工具，而是扩展创作边界的延伸。本章不侧重于特定软件的操作按钮，而强调处理逻辑。从RAW文件的解构与重建开始，探讨如何运用明暗关系调整（Dodge & Burn）来重塑光照，如何通过色彩分级（Color Grading）来统一作品的情绪基调。成功的后期是为原始素材注入作者意图的再创作。 三、构建个人叙事与视觉语言： 风格的形成是一个漫长而痛苦的自我审视过程。我们将提供框架，引导读者梳理自己的兴趣点、关注的社会议题以及偏爱的视觉元素。通过分析大师（如布列松的决定性瞬间、安塞尔·亚当斯的崇高感、辛迪· Sherman 的角色扮演）的作品，帮助读者反思：你的镜头最想对世界说什么？如何通过一贯的曝光倾向、构图偏好和后期调性，形成无法被轻易模仿的“指纹”。 结语： 摄影是一门永无止境的学问。本书提供的不仅仅是知识点，更是一种思考方式——一种训练眼睛、训练头脑、最终训练心灵感知世界的方式。真正的摄影师，永远在路上，用光影作为媒介，与我们所处的时代进行永恒的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直就像是我多年摄影学习生涯中的一本“救命稻草”。我一直以来都对摄影充满热情，但总感觉自己缺少系统性的指导，拍摄出来的作品总是不够有力量，构图也显得杂乱无章。直到我翻开这本《鲁迅美术学院摄影系：摄影专业教程》，我才真正意识到之前走了多少弯路。它没有空洞的理论，而是用非常接地气的方式，从最基础的光线运用讲起，如何捕捉和利用自然光，如何布置人造光源，甚至连不同光源的色温变化对画面质感的影响都解释得清清楚楚。我之前以为的“会用相机就行”，在这里被彻底颠覆了。书中对于镜头语言的讲解也让我大开眼界，比如如何利用景深来突出主体，如何通过不同的焦段来塑造空间感，这些都是我之前从未深入思考过的问题。更重要的是，它不仅仅是教你“拍什么”，更在于教你“怎么想”。它引导我去思考摄影背后的叙事性，如何通过镜头去表达情感，去讲述一个故事，这让我对摄影的理解上升到了一个新的高度。我真的感觉自己像一个懵懂的学徒，终于找到了一个严谨而充满智慧的师傅。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始是被这本书的封面设计所吸引，觉得它充满了艺术气息，但没想到内容也如此的厚重扎实。我是一个比较感性的人，对摄影的理解更多是停留在“喜欢就拍”，但这本书让我意识到，真正的摄影需要理性的思考和扎实的技艺。它对于摄影器材的介绍，不是简单地列举参数，而是详细解释了不同类型相机、镜头、感光元件等对成像质量的影响，让我对自己的器材有了更深的认识，也知道如何根据拍摄需求来选择和运用器材。最让我惊喜的是，书中对于后期处理的讲解也相当到位，它并没有将后期看作是“欺骗”观众的手段，而是将其视为创作过程的重要组成部分，教我如何通过后期来更好地呈现作品的艺术理念。它详细介绍了各种后期软件的操作技巧，以及如何通过色彩、影调、对比度等元素的调整，来增强画面的表现力。我之前一直对后期处理感到头疼，觉得它太复杂，但这本书用一种非常清晰易懂的方式，让我克服了这种障碍，并且能够熟练运用后期技术来提升我的作品质量。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书的初衷，是想找一本能帮助我快速提升摄影技巧的书籍。我本来对“专业教程”这类词语抱着一丝怀疑，认为它们往往过于枯燥和理论化。然而，《鲁迅美术学院摄影系：摄影专业教程》彻底打破了我的刻板印象。它并没有回避技术细节，而是将技术与艺术理念巧妙地结合起来。它详细讲解了不同场景下的拍摄技巧，比如人像摄影中的眼神光捕捉，风光摄影中的天气利用，以及纪实摄影中的抓拍时机。这些技巧的传授，都建立在对摄影本质的深刻理解之上，并不是机械的“套路”。我尤其欣赏书中对于“瞬间”的捕捉的阐述，它让我明白，摄影的魅力不仅仅在于静态的美，更在于捕捉那些转瞬即逝的生命力和情感。此外，书中还对摄影伦理和版权问题进行了探讨，这在很多同类书籍中是很少见的，体现了其作为一本专业教程的严谨性和前瞻性。它不仅教授了我“怎么拍”，更让我思考“为何拍”，以及“拍了之后该怎么做”。这本书为我打开了一扇通往更深层次摄影世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对影像语言充满好奇但又时常感到迷茫的摄影爱好者。我常常对着一张精彩的照片，思考它为何如此打动人心，但却难以用言语表达，更遑论自己去创作出这样的作品。《鲁迅美术学院摄影系：摄影专业教程》就像一位循循善诱的导师，为我拨开了重重迷雾。它深入浅出地讲解了色彩心理学在摄影中的应用，不同色彩的搭配如何营造出不同的情绪和氛围，以及如何利用色彩来引导观众的视线。我之前只是凭感觉去使用色彩，现在我明白了色彩背后的逻辑和规律，能够更有意识地去运用色彩来强化我的作品的主题。书中还探讨了构图的黄金法则、三分法、对称构图等经典原理，并结合了大量的实例，让我能够清晰地理解这些构图方式的精髓，以及如何在实际拍摄中灵活运用，而不是死板地套用。它让我明白，构图不仅仅是为了美观，更是为了有效地传达信息和情感。这本书的价值，远超其印刷的纸张，它给了我一种全新的看世界的方式，一种用镜头去观察、去表达的艺术视角。

评分☆☆☆☆☆

作为一个曾经尝试过各种“速成”摄影技巧书籍的人，我对这类教程的态度向来是持保留意见的。但《鲁迅美术学院摄影系：摄影专业教程》却让我刮目相看。它不是那种告诉你“三步拍出大片”的浅薄读物，而是真正从艺术院校的专业角度出发，构建了一个扎实的摄影知识体系。我特别喜欢它对摄影史的梳理，以及其中蕴含的各个摄影流派的思想精髓，这让我明白，我们今天的摄影创作，并非空中楼阁，而是站在巨人的肩膀上。书中对经典摄影作品的分析更是精辟入里，每一个构图、每一处光影，都蕴含着创作者的深思熟虑。它不是简单地罗列名家作品，而是深入剖析其背后的创作逻辑和艺术价值，这极大地启发了我的创作灵感。而且，这本书非常注重实践性，每一章节都配有大量的案例分析和练习建议，让我能够立刻将学到的知识运用到自己的拍摄中去，并从中获得反馈和改进。这种理论与实践相结合的学习方式，是我之前从未在其他书中找到的。