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店铺： 锦素图书专营店

出版社： 北方文艺出版社

ISBN：9787531722786

商品编码：29924242535

基本信息

商品名称：	像艺术家一样思考:用右脑绘画
作者：		开本：	16开
定价：	48	页数：
现价：	见顶部	出版时间	2008-05-01
ISBN号：	9787531722786	印刷时间：	2012-08-01
出版社：	北方文艺出版社	版次：
商品类型：	图书	印次：

内容提要 作者简介 目录 前言
**部分 对边缘的感知
自画像——指导前练习（练习1）
手的自画像——指导前练习（练习2）
房间一角——指导前练习（练习3）
自由命题画作——指导前练习（练习4）
花瓶与侧脸（练习5）
颠倒着绘昏（练习6）
只画轮廓线（练习7）
在显像板上百自己的手（练习8）
设置背景颜色（练习9）
把手的图画从显像板转换到画纸上（练习10）
画你拿着物品的手（练习11）
画一朵花（练习12）
画一个橙子（练习13）
第二部分 对空间的感知
画叶子的阴形画（练习14）
画一把椅子的阴形吾（练习15）
画一件家居用品（练习16）
画一张运动图片的阴形唇（练习17）
用阴形法雷一把真实的椅子（练习18）
临摹大师作品：
凡?高的《读<*>的男人》（练习19）
第三部分 对相互关系的感知
观察敞开的门口（练习20）
观察房间的一角（练习21）
画膝盖或脚（练习22）
画桌子上的一本书（练习23）
画带椭圆形的静物场景（练习24）
观察人物画的相互关系（练习25）
侧面头像的比例（练习26）
临摹大师的肖像作品（练习27）
画侧面肖像（练习28）
画静止的美国国旗（练习29）
第四部分 对光和影的感知
画一枚由上光源照射的鸡蛋（练习30）
光影画——查理?卓别林（练习31）
正面头像各部分的比例（练习32）
临摹一张正面头像的画像（练习33）
用光和影画一张自画像 （练习34）
使用墨水与吾画刷（练习35）
画城市一角（练习36）
影线与交叉影线（练习37）
用交叉影线画人像（练习38）
参考达?芬奇的建议：画一张想象画（练习39）
一幅正方形的圈画（练习40）
我的一些建议
《像艺术家一样思考Ⅳ：用右脑绘画》工具包
绘画工具
绘画术语解释 精彩导读

创意与洞察：解锁视觉叙事的力量 一、 艺术的本质：超越技法的深度探索 本书深入剖析了艺术创作的核心——“观看”与“感知”的方式。我们相信，真正的艺术表达源于对世界的独特理解，而非仅仅对既有技巧的机械模仿。我们将探讨视觉语言的深层结构，包括如何通过光影、构图和色彩的微妙变化，来构建情感共鸣和叙事深度。 光影的哲学：塑造形态与氛围的无形之手 光与影并非简单的明暗对比，它们是塑造空间、定义形态、引导观众情绪的关键工具。本书将引导读者超越基础的光源定义，进入对“自然光”与“人造光”特性的细致研究。我们将分析伦勃朗式的戏剧性光照如何烘托人物内心世界，以及印象派画家如何捕捉转瞬即逝的光影波动来表达时间流逝感。读者将学习如何分析场景中的光源方向、强度和色温，并将这些知识转化为有意识的创作选择，从而赋予作品以生命力和空间感。 构图的交响乐：平衡、张力与视觉流程 构图是作品的骨架，它决定了信息的传达效率和观众的视觉体验。我们不会停留在传统的“三分法”或“黄金分割”等静态规则上。本书着重探讨动态构图——如何利用线条的引导、形状的重复与对比、以及负空间的运用，来制造视觉的张力与和谐的流动。通过剖析大师们的经典作品，我们将揭示他们如何在不牺牲平衡感的前提下，巧妙地打破常规，引导观众的目光在画面中进行一场富有意义的“旅行”。重点章节将涵盖非对称构图的心理影响，以及如何利用视觉错觉来增强作品的冲击力。 色彩的心理学：情绪的调色板 色彩不仅仅是颜料的混合，它是直接作用于人类情感的无声语言。本书将提供一套系统的色彩理论，超越色轮的基本应用，深入到色彩的情感投射和文化象征意义。我们将详细研究冷暖色的微妙互动、邻近色与对比色的搭配逻辑，以及如何通过调整饱和度和明度，来控制画面的情绪基调——从宁静的冥想到热烈的冲突。案例分析将集中于后印象派和野兽派对色彩的大胆运用，展示色彩如何独立于描绘对象，成为表达主题的强大工具。 二、 叙事与表达：从观察到意义的转化 艺术的最终价值在于其讲述故事的能力，无论故事是宏大的历史场景，还是一个简单的日常瞬间。 捕捉瞬间的本质：形式与内容的辩证统一 我们探讨如何从日常生活中提炼出“值得描绘的瞬间”。这要求创作者具备高度的敏锐度，识别出那些蕴含着普遍真理的个体事件。本书将教授如何通过选择性的描绘——即取舍信息——来增强叙事焦点，避免细节的堆砌而导致的叙事模糊。内容将侧重于如何通过物体间的关系（如静物中的摆放）或人物的肢体语言（如肖像中的姿态），来暗示背后的情节和人物关系。 材质的触感：媒介的物理性表达 不同的媒介（油画、水彩、素描、版画）拥有各自独特的“声音”。本书鼓励创作者理解并尊重材料的物理属性。我们将分析笔触的力度、颜料的堆积厚度、以及线条的粗细变化如何共同构建作品的触觉质感和内在能量。例如，粗粝的笔触如何传达焦虑或力量，而流畅的线条又如何暗示优雅与流动性。理解材料的局限性与潜力，是拓展表达范围的关键。 风格的演变：在模仿与创新之间 风格并非一蹴而就的标签，而是创作者在不断实践中自然沉淀的思维习惯和视觉倾向的总和。本书倡导一种审慎的“风格学习”态度：首先，深入研究历史上的主要流派（如巴洛克、浪漫主义、抽象表现主义），理解它们产生的社会文化背景及其技术革新；其次，是批判性地吸收其核心精神，而非盲目复制其表面特征。最终目标是形成一种既能与传统对话，又能鲜明表达个人视角的独特印记。 三、 创作过程的心理学：克服阻碍与提升专注力 艺术创作是一个高度需要心理韧性的过程。本书关注的不仅仅是“画什么”，更是“如何以最佳状态去画”。 心流的培养：进入高效创作状态 “心流”（Flow）是许多顶尖艺术家共同追求的创作状态。我们将介绍一套行之有效的训练方法，帮助读者减少自我批判的噪音，增强对当前任务的完全投入。这包括如何设计固定的工作环境、建立清晰的阶段性目标，以及运用正念技巧来校准时间和空间感，从而最大化创作的效率与愉悦感。 审美疲劳与自我革新 面对同一主题或材料时间过长，容易产生视觉疲劳，导致作品趋于僵化。本书提供“跨界激活”策略：鼓励创作者暂时抽离主项目，转向完全不同的媒介或主题进行探索，以期在无意识中为原有项目带来新的视角和解决方案。讨论还将涵盖如何有效地进行自我批判，将批评视为成长的燃料，而非停滞的障碍。 四、 艺术的历史语境：理解我们从何处来 深入理解艺术史，能为当下的创作提供坚实的参照系与灵感源泉。 我们将考察文艺复兴时期对人体结构与透视学的科学化处理，如何奠定了西方具象艺术的基础；分析巴洛克艺术中对戏剧性叙事和情感强度的极致追求；以及现代艺术（如立体主义和超现实主义）如何系统性地解构和重塑我们对“现实”的感知。通过这种历史纵深感，创作者能更清晰地定位自身在当代艺术谱系中的位置，并确定其作品所要对话的对象。 本书旨在成为一位引导者，带领读者超越对“工具使用”的关注，直抵视觉表达的心脏——即如何以更深刻、更具洞察力的方式去看待、理解并呈现我们所身处的世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书彻底颠覆了我对绘画的认知，原来一直以来我都是用“左脑”在画画，而这本书则像一把钥匙，打开了我通往右脑绘画世界的大门。我一直觉得自己是个“画不好”的人，总是被线条、比例、明暗关系这些条条框框束缚，画出来的东西总是死气沉沉，缺乏灵气。直到我读了这本书，我才明白，原来那些所谓的“技巧”和“规则”并非绘画的全部，甚至可以说是阻碍我们真正去“看”和“感受”的屏障。作者以极其生动形象的比喻，讲解了如何调动右脑的潜能，如何摆脱理性的束缚，去捕捉事物最本质的形态和光影。书中有很多让人豁然开朗的练习，比如如何“倒着画”，如何用“眼睛的直觉”去衡量距离，而不是用大脑的计算。一开始我尝试这些练习时，感到非常别扭，甚至有些抗拒，因为这完全违背了我长期以来形成的绘画习惯。但随着练习的深入，我惊喜地发现，我的眼睛变得越来越敏锐，我开始能够真正“看见”对象，而不是“知道”对象。我不再纠结于细节的准确，而是去感受整体的韵律和氛围。这种转变是循序渐进的，但效果却是惊人的。我发现自己画出来的东西开始有了生命力，有了情感的温度。这本书不只是一本绘画技巧的书，更是一次心灵的洗礼，它教会我如何用一颗童真的心去观察世界，如何拥抱不确定性，如何在创作中找到真正的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术充满好奇但又缺乏专业训练的爱好者，我一直在寻找一本能够真正引导我入门，让我能够“看见”并“表达”内心世界的书籍。这本书的出现，恰好填补了我一直以来的空白。它没有那些艰涩难懂的理论术语，而是用一种非常接地气、非常生活化的方式，来讲解艺术创作的核心。我特别喜欢书中关于“整体感”的阐述，作者用了很多形象的例子，比如如何用橡皮泥来感受物体的立体感，如何通过听觉来理解视觉的节奏。这让我意识到，绘画并非孤立的技能，它与我们对世界的感知方式息息相关。书中强调的“慢下来”，去“感受”和“体验”，也让我重新审视了自己以往急于求成的学习态度。我发现，很多时候，我们之所以画不好，不是因为能力不足，而是因为我们太想“画好”，反而失去了原本的感知力。这本书就像一位耐心而智慧的导师，它不会告诉你“应该怎么画”，而是引导你去“如何去感受”和“如何去表达”。我尝试了书中一些关于捕捉光影和色彩的练习，虽然初次尝试并不完美，但我能明显感觉到自己对色彩的敏感度在提升，对光线的运用也有了新的理解。这本书不仅仅是传授技巧，更是唤醒了内心深处的创作潜能，让我看到了艺术创作无限的可能性。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对“右脑绘画”这个概念一直持保留态度，总觉得这是一种比较虚无缥缈的说法，可能更适合一些有天赋的人。然而，这本书彻底改变了我的看法。作者的讲解非常具有说服力，他从神经科学和心理学的角度，解释了右脑在艺术创作中的关键作用，让我明白了为什么很多时候我们越想画好，反而越画不好。书中提出的“模仿”，并非简单的复制，而是要深入理解物体的结构和内在逻辑，用右脑去“感受”它的形态，而不是用左脑去“分析”它。我尝试了书中一些关于“速写”的练习，刚开始会感到有些手忙脚乱，但随着练习的进行，我发现自己对事物的观察能力有了显著的提升，能够更快地捕捉到物体的关键特征。更重要的是，我开始不再害怕失败，而是享受创作的过程。这本书让我明白了，真正的艺术创作，源于内心的真实感受，而非外在的技巧束缚。它教会我如何放下评判，如何拥抱不确定性，如何在创作中找到真正的乐趣。这本书不仅仅是关于绘画，更是一种生活态度，一种看待世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期从事设计工作的从业者，我一直渴望能够将艺术的感知力融入到我的设计作品中，但总觉得自己在色彩和造型的运用上缺乏一种“感觉”。这本书的出现，无疑为我打开了一扇新的大门。作者以其独到的见解，将枯燥的美术理论变得生动有趣，特别是关于“色彩的情绪”和“光影的语言”的阐述，让我受益匪浅。我以前对色彩的理解，更多的是停留在理论层面，这本书则让我学会了如何用“眼睛”去感受色彩的情绪，如何用“直觉”去搭配颜色，从而赋予我的设计作品更强的生命力和感染力。书中关于“整体构图”的讲解，也让我明白了如何在画面中创造出和谐的视觉效果，如何运用负空间来突出主体。我尝试了书中一些关于“快速写生”的练习，虽然初期会遇到一些挑战，但随着练习的深入，我发现自己对事物的观察力和表达能力有了显著的提升。这本书不仅提升了我的专业技能，更重要的是，它唤醒了我内心深处的艺术感知力，让我看到了将艺术与设计更完美结合的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来对素描这门学科都感到一种莫名的恐惧，总觉得它是一门高深的学问，需要天生的天赋和多年的刻苦训练才能掌握。这本书的出现，彻底打破了我对素描的固有印象。作者用一种极其轻松有趣的方式，将复杂的素描原理拆解得通俗易懂，甚至用到了很多生活中的比喻，让我茅塞顿开。我印象最深刻的是书中关于“负空间”的讲解，我以前画画总是习惯于关注物体本身，而忽略了物体周围的空间。这本书让我明白，负空间同样具有重要的造型意义，甚至能帮助我们更好地理解物体的轮廓和体积。书中的练习，也让我受益匪浅。特别是那些关于“眼见不等于所得”的练习，让我开始质疑自己长期以来形成的视觉习惯，学会用一种全新的、更客观的视角去观察对象。虽然刚开始练习时，我总是会犯一些低级错误，但作者鼓励我们拥抱不完美，从错误中学习，这极大地减轻了我内心的压力。这本书让我觉得，素描不再是遥不可及的艺术，而是一种人人都可以掌握的沟通方式，一种表达内心世界的有力工具。它不仅提升了我的绘画技巧，更重要的是，它让我重新找回了对艺术的热情和自信。