像藝術傢一樣思考:用右腦繪畫 正版美術理論書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

• 繪畫
• 美術
• 藝術理論
• 右腦
• 創意
• 思維
• 藝術學習
• 繪畫技巧
• 藝術指導
• 繪畫入門

店鋪： 錦素圖書專營店

齣版社： 北方文藝齣版社

ISBN：9787531722786

商品編碼：29924242535

基本信息

商品名稱：	像藝術傢一樣思考:用右腦繪畫
作者：		開本：	16開
定價：	48	頁數：
現價：	見頂部	齣版時間	2008-05-01
ISBN號：	9787531722786	印刷時間：	2012-08-01
齣版社：	北方文藝齣版社	版次：
商品類型：	圖書	印次：

內容提要 作者簡介 目錄 前言
**部分 對邊緣的感知
自畫像——指導前練習（練習1）
手的自畫像——指導前練習（練習2）
房間一角——指導前練習（練習3）
自由命題畫作——指導前練習（練習4）
花瓶與側臉（練習5）
顛倒著繪昏（練習6）
隻畫輪廓綫（練習7）
在顯像闆上百自己的手（練習8）
設置背景顔色（練習9）
把手的圖畫從顯像闆轉換到畫紙上（練習10）
畫你拿著物品的手（練習11）
畫一朵花（練習12）
畫一個橙子（練習13）
第二部分 對空間的感知
畫葉子的陰形畫（練習14）
畫一把椅子的陰形吾（練習15）
畫一件傢居用品（練習16）
畫一張運動圖片的陰形唇（練習17）
用陰形法雷一把真實的椅子（練習18）
臨摹大師作品：
凡?高的《讀<*>的男人》（練習19）
第三部分 對相互關係的感知
觀察敞開的門口（練習20）
觀察房間的一角（練習21）
畫膝蓋或腳（練習22）
畫桌子上的一本書（練習23）
畫帶橢圓形的靜物場景（練習24）
觀察人物畫的相互關係（練習25）
側麵頭像的比例（練習26）
臨摹大師的肖像作品（練習27）
畫側麵肖像（練習28）
畫靜止的美國國旗（練習29）
第四部分 對光和影的感知
畫一枚由上光源照射的雞蛋（練習30）
光影畫——查理?卓彆林（練習31）
正麵頭像各部分的比例（練習32）
臨摹一張正麵頭像的畫像（練習33）
用光和影畫一張自畫像 （練習34）
使用墨水與吾畫刷（練習35）
畫城市一角（練習36）
影綫與交叉影綫（練習37）
用交叉影綫畫人像（練習38）
參考達?芬奇的建議：畫一張想象畫（練習39）
一幅正方形的圈畫（練習40）
我的一些建議
《像藝術傢一樣思考Ⅳ：用右腦繪畫》工具包
繪畫工具
繪畫術語解釋 精彩導讀

創意與洞察：解鎖視覺敘事的力量 一、 藝術的本質：超越技法的深度探索 本書深入剖析瞭藝術創作的核心——“觀看”與“感知”的方式。我們相信，真正的藝術錶達源於對世界的獨特理解，而非僅僅對既有技巧的機械模仿。我們將探討視覺語言的深層結構，包括如何通過光影、構圖和色彩的微妙變化，來構建情感共鳴和敘事深度。 光影的哲學：塑造形態與氛圍的無形之手 光與影並非簡單的明暗對比，它們是塑造空間、定義形態、引導觀眾情緒的關鍵工具。本書將引導讀者超越基礎的光源定義，進入對“自然光”與“人造光”特性的細緻研究。我們將分析倫勃朗式的戲劇性光照如何烘托人物內心世界，以及印象派畫傢如何捕捉轉瞬即逝的光影波動來錶達時間流逝感。讀者將學習如何分析場景中的光源方嚮、強度和色溫，並將這些知識轉化為有意識的創作選擇，從而賦予作品以生命力和空間感。 構圖的交響樂：平衡、張力與視覺流程 構圖是作品的骨架，它決定瞭信息的傳達效率和觀眾的視覺體驗。我們不會停留在傳統的“三分法”或“黃金分割”等靜態規則上。本書著重探討動態構圖——如何利用綫條的引導、形狀的重復與對比、以及負空間的運用，來製造視覺的張力與和諧的流動。通過剖析大師們的經典作品，我們將揭示他們如何在不犧牲平衡感的前提下，巧妙地打破常規，引導觀眾的目光在畫麵中進行一場富有意義的“旅行”。重點章節將涵蓋非對稱構圖的心理影響，以及如何利用視覺錯覺來增強作品的衝擊力。 色彩的心理學：情緒的調色闆 色彩不僅僅是顔料的混閤，它是直接作用於人類情感的無聲語言。本書將提供一套係統的色彩理論，超越色輪的基本應用，深入到色彩的情感投射和文化象徵意義。我們將詳細研究冷暖色的微妙互動、鄰近色與對比色的搭配邏輯，以及如何通過調整飽和度和明度，來控製畫麵的情緒基調——從寜靜的冥想到熱烈的衝突。案例分析將集中於後印象派和野獸派對色彩的大膽運用，展示色彩如何獨立於描繪對象，成為錶達主題的強大工具。 二、 敘事與錶達：從觀察到意義的轉化 藝術的最終價值在於其講述故事的能力，無論故事是宏大的曆史場景，還是一個簡單的日常瞬間。 捕捉瞬間的本質：形式與內容的辯證統一 我們探討如何從日常生活中提煉齣“值得描繪的瞬間”。這要求創作者具備高度的敏銳度，識彆齣那些蘊含著普遍真理的個體事件。本書將教授如何通過選擇性的描繪——即取捨信息——來增強敘事焦點，避免細節的堆砌而導緻的敘事模糊。內容將側重於如何通過物體間的關係（如靜物中的擺放）或人物的肢體語言（如肖像中的姿態），來暗示背後的情節和人物關係。 材質的觸感：媒介的物理性錶達 不同的媒介（油畫、水彩、素描、版畫）擁有各自獨特的“聲音”。本書鼓勵創作者理解並尊重材料的物理屬性。我們將分析筆觸的力度、顔料的堆積厚度、以及綫條的粗細變化如何共同構建作品的觸覺質感和內在能量。例如，粗糲的筆觸如何傳達焦慮或力量，而流暢的綫條又如何暗示優雅與流動性。理解材料的局限性與潛力，是拓展錶達範圍的關鍵。 風格的演變：在模仿與創新之間 風格並非一蹴而就的標簽，而是創作者在不斷實踐中自然沉澱的思維習慣和視覺傾嚮的總和。本書倡導一種審慎的“風格學習”態度：首先，深入研究曆史上的主要流派（如巴洛剋、浪漫主義、抽象錶現主義），理解它們産生的社會文化背景及其技術革新；其次，是批判性地吸收其核心精神，而非盲目復製其錶麵特徵。最終目標是形成一種既能與傳統對話，又能鮮明錶達個人視角的獨特印記。 三、 創作過程的心理學：剋服阻礙與提升專注力 藝術創作是一個高度需要心理韌性的過程。本書關注的不僅僅是“畫什麼”，更是“如何以最佳狀態去畫”。 心流的培養：進入高效創作狀態 “心流”（Flow）是許多頂尖藝術傢共同追求的創作狀態。我們將介紹一套行之有效的訓練方法，幫助讀者減少自我批判的噪音，增強對當前任務的完全投入。這包括如何設計固定的工作環境、建立清晰的階段性目標，以及運用正念技巧來校準時間和空間感，從而最大化創作的效率與愉悅感。 審美疲勞與自我革新 麵對同一主題或材料時間過長，容易産生視覺疲勞，導緻作品趨於僵化。本書提供“跨界激活”策略：鼓勵創作者暫時抽離主項目，轉嚮完全不同的媒介或主題進行探索，以期在無意識中為原有項目帶來新的視角和解決方案。討論還將涵蓋如何有效地進行自我批判，將批評視為成長的燃料，而非停滯的障礙。 四、 藝術的曆史語境：理解我們從何處來 深入理解藝術史，能為當下的創作提供堅實的參照係與靈感源泉。 我們將考察文藝復興時期對人體結構與透視學的科學化處理，如何奠定瞭西方具象藝術的基礎；分析巴洛剋藝術中對戲劇性敘事和情感強度的極緻追求；以及現代藝術（如立體主義和超現實主義）如何係統性地解構和重塑我們對“現實”的感知。通過這種曆史縱深感，創作者能更清晰地定位自身在當代藝術譜係中的位置，並確定其作品所要對話的對象。 本書旨在成為一位引導者，帶領讀者超越對“工具使用”的關注，直抵視覺錶達的心髒——即如何以更深刻、更具洞察力的方式去看待、理解並呈現我們所身處的世界。

評分☆☆☆☆☆

作為一名長期從事設計工作的從業者，我一直渴望能夠將藝術的感知力融入到我的設計作品中，但總覺得自己在色彩和造型的運用上缺乏一種“感覺”。這本書的齣現，無疑為我打開瞭一扇新的大門。作者以其獨到的見解，將枯燥的美術理論變得生動有趣，特彆是關於“色彩的情緒”和“光影的語言”的闡述，讓我受益匪淺。我以前對色彩的理解，更多的是停留在理論層麵，這本書則讓我學會瞭如何用“眼睛”去感受色彩的情緒，如何用“直覺”去搭配顔色，從而賦予我的設計作品更強的生命力和感染力。書中關於“整體構圖”的講解，也讓我明白瞭如何在畫麵中創造齣和諧的視覺效果，如何運用負空間來突齣主體。我嘗試瞭書中一些關於“快速寫生”的練習，雖然初期會遇到一些挑戰，但隨著練習的深入，我發現自己對事物的觀察力和錶達能力有瞭顯著的提升。這本書不僅提升瞭我的專業技能，更重要的是，它喚醒瞭我內心深處的藝術感知力，讓我看到瞭將藝術與設計更完美結閤的無限可能。

評分☆☆☆☆☆

這本書徹底顛覆瞭我對繪畫的認知，原來一直以來我都是用“左腦”在畫畫，而這本書則像一把鑰匙，打開瞭我通往右腦繪畫世界的大門。我一直覺得自己是個“畫不好”的人，總是被綫條、比例、明暗關係這些條條框框束縛，畫齣來的東西總是死氣沉沉，缺乏靈氣。直到我讀瞭這本書，我纔明白，原來那些所謂的“技巧”和“規則”並非繪畫的全部，甚至可以說是阻礙我們真正去“看”和“感受”的屏障。作者以極其生動形象的比喻，講解瞭如何調動右腦的潛能，如何擺脫理性的束縛，去捕捉事物最本質的形態和光影。書中有很多讓人豁然開朗的練習，比如如何“倒著畫”，如何用“眼睛的直覺”去衡量距離，而不是用大腦的計算。一開始我嘗試這些練習時，感到非常彆扭，甚至有些抗拒，因為這完全違背瞭我長期以來形成的繪畫習慣。但隨著練習的深入，我驚喜地發現，我的眼睛變得越來越敏銳，我開始能夠真正“看見”對象，而不是“知道”對象。我不再糾結於細節的準確，而是去感受整體的韻律和氛圍。這種轉變是循序漸進的，但效果卻是驚人的。我發現自己畫齣來的東西開始有瞭生命力，有瞭情感的溫度。這本書不隻是一本繪畫技巧的書，更是一次心靈的洗禮，它教會我如何用一顆童真的心去觀察世界，如何擁抱不確定性，如何在創作中找到真正的樂趣。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對藝術充滿好奇但又缺乏專業訓練的愛好者，我一直在尋找一本能夠真正引導我入門，讓我能夠“看見”並“錶達”內心世界的書籍。這本書的齣現，恰好填補瞭我一直以來的空白。它沒有那些艱澀難懂的理論術語，而是用一種非常接地氣、非常生活化的方式，來講解藝術創作的核心。我特彆喜歡書中關於“整體感”的闡述，作者用瞭很多形象的例子，比如如何用橡皮泥來感受物體的立體感，如何通過聽覺來理解視覺的節奏。這讓我意識到，繪畫並非孤立的技能，它與我們對世界的感知方式息息相關。書中強調的“慢下來”，去“感受”和“體驗”，也讓我重新審視瞭自己以往急於求成的學習態度。我發現，很多時候，我們之所以畫不好，不是因為能力不足，而是因為我們太想“畫好”，反而失去瞭原本的感知力。這本書就像一位耐心而智慧的導師，它不會告訴你“應該怎麼畫”，而是引導你去“如何去感受”和“如何去錶達”。我嘗試瞭書中一些關於捕捉光影和色彩的練習，雖然初次嘗試並不完美，但我能明顯感覺到自己對色彩的敏感度在提升，對光綫的運用也有瞭新的理解。這本書不僅僅是傳授技巧，更是喚醒瞭內心深處的創作潛能，讓我看到瞭藝術創作無限的可能性。

評分☆☆☆☆☆

我一直以來對素描這門學科都感到一種莫名的恐懼，總覺得它是一門高深的學問，需要天生的天賦和多年的刻苦訓練纔能掌握。這本書的齣現，徹底打破瞭我對素描的固有印象。作者用一種極其輕鬆有趣的方式，將復雜的素描原理拆解得通俗易懂，甚至用到瞭很多生活中的比喻，讓我茅塞頓開。我印象最深刻的是書中關於“負空間”的講解，我以前畫畫總是習慣於關注物體本身，而忽略瞭物體周圍的空間。這本書讓我明白，負空間同樣具有重要的造型意義，甚至能幫助我們更好地理解物體的輪廓和體積。書中的練習，也讓我受益匪淺。特彆是那些關於“眼見不等於所得”的練習，讓我開始質疑自己長期以來形成的視覺習慣，學會用一種全新的、更客觀的視角去觀察對象。雖然剛開始練習時，我總是會犯一些低級錯誤，但作者鼓勵我們擁抱不完美，從錯誤中學習，這極大地減輕瞭我內心的壓力。這本書讓我覺得，素描不再是遙不可及的藝術，而是一種人人都可以掌握的溝通方式，一種錶達內心世界的有力工具。它不僅提升瞭我的繪畫技巧，更重要的是，它讓我重新找迴瞭對藝術的熱情和自信。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我之前對“右腦繪畫”這個概念一直持保留態度，總覺得這是一種比較虛無縹緲的說法，可能更適閤一些有天賦的人。然而，這本書徹底改變瞭我的看法。作者的講解非常具有說服力，他從神經科學和心理學的角度，解釋瞭右腦在藝術創作中的關鍵作用，讓我明白瞭為什麼很多時候我們越想畫好，反而越畫不好。書中提齣的“模仿”，並非簡單的復製，而是要深入理解物體的結構和內在邏輯，用右腦去“感受”它的形態，而不是用左腦去“分析”它。我嘗試瞭書中一些關於“速寫”的練習，剛開始會感到有些手忙腳亂，但隨著練習的進行，我發現自己對事物的觀察能力有瞭顯著的提升，能夠更快地捕捉到物體的關鍵特徵。更重要的是，我開始不再害怕失敗，而是享受創作的過程。這本書讓我明白瞭，真正的藝術創作，源於內心的真實感受，而非外在的技巧束縛。它教會我如何放下評判，如何擁抱不確定性，如何在創作中找到真正的樂趣。這本書不僅僅是關於繪畫，更是一種生活態度，一種看待世界的方式。