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陈振濂 著

图书标签:

• 书法
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• 中国书法
• 艺术史
• 书法理论
• 审美
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• 传统文化
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• 艺术

出版社： 山东人民出版社

ISBN：9787209039659

版次：1

商品编码：10071227

包装：平装

丛书名： 人文脉点

开本：16开

出版时间：2006-03-01

用纸：胶版纸

页数：319

字数：270000

编辑推荐

　　本书主要介绍了书法美学的确立、书法艺术的性质、文字在书法中的载体地位、书法形式美感受的多无构成、书法美的欣赏及其具体途径等。

内容简介

　　《书法美学》是有关书法美学方面一部特色鲜明、见解独到而又相当有深度的著作，较系统地阐述了书法美学的基本原理、形式法则及与其他艺术门类的比较，颇多新颖见解。作者从书法中提取出美学问题，再以美学思辨武器去解释、证明。在这里，美学理论是手段而不是目的，书法是目的对象而不是证明材料与手段。全书笔调诙谐，文风流畅，可帮助读者打开思路、扩大视野，对书法美的存在、价值以及与生活的关系、所拥有的文化含义等有个较全面的认识。
　　本书主要介绍了书法美学的确立、书法艺术的性质、文字在书法中的载体地位、书法形式美感受的多无构成、书法美的欣赏及其具体途径等。

内页插图

目录

《书法美学》新版序
原版序 沈鹏
第一章 书法美学的确立
书法美学研究的意义
体系建立的目的——高度·广度
书法美学研究的对象、方法与范围
书法美学与一般欣赏理论的区别
书法美学与一般美学的区别
书法美学与书法艺术理论的区别
美学研究的方法论问题
第二章 书法美的性质
时空观
作为认识论的空间
空间的三个层次
作为本体论的空间
书法空间的三种形态
空间观的确立
时间观
与创作同步的时间特征
回溯的可能性
诸艺术中时间性格的比较
时空交叉
时空交叉的三种性质
时空交叉的书法起点
时空交叉与视觉
两个往复的过程
抒情
情的确立
情的深化
情的探究与类型整理
抒情的一般方式
抽象-表现
抽象性
抽象的形象
抽象艺术
各类艺术的不同抽象
书法抽象的特征
表现的一般理论
第三章 文字在书法中的载体地位
视觉选择
文字范围内的“方”与汉字意义上的“视”
视觉选择的落点与位置
空间分割的限制
静态分割
动态分割
以时引空
为空间可减损笔画
空间方位观念的被强调
形式框架
五体书的价值
“计白当黑”
一定的格律导致一定的自由
有余地的格式
内容契机’
分析：重实用的历史观
重修养的艺术观
重识读的形式观
内容在书法创作上的含义：触发创作冲动
欣赏依据的线索
综合欣赏的民族审美心理
归属系统与过程系统的图示
第四章 线条的独立美学价值
笔法的意义
观念
物质前提
观念理由与艺术需要
技巧
执笔法在古今的差异
写与刻的现象上的统一
效果
原则
对”千古不易”说的辨正
力
“知书不在笔牢”
逆、蓄、留三要素
“中实”：三要素的综合
五指齐力与万毫齐力
技巧之力与蛮力的界说
立体感
中．侧锋之争的由来
“君子藏器”的观念
笔与纸的工具规定
中锋的意义及它的内涵的开拓
节奏
基本律
速率
力率
质率
回护律
起伏律
间隔律
余论
第五章 书法形式美感的多元构成
界定层次的图示
界定方向的图示
形式美构成
形式美导向
意境美：形式的超越
意境与抒情的关系
神采
韵趣
诗情
意境的内涵的三个构成
材料美：形式的底蕴
质地美
限制与追加
文房四宝的实际价值
格局美
拓本与墨迹
装潢
结论：材料美发展与质地美发展的反向
主观精神的主导作用
顺向：可视效果的升华
“势”的概念的提出
书法与美术字的界定标准
线条运动的基本方式
组合线条的潜在基础
章法构成的节律元
单轨沿伸与多维交叉
逆向：美学中的“丑学”
自然的效果
历史感与形式对比
人为的技巧
涨墨的变形
观念基础
傅山的宣言与时代潮流
第六章 书法美之欣赏
书法美欣赏观念之演变
自在美
品评标准的确立
风格变迁
书法美欣赏的传统原则
先质后文
学问气
重家数
“无意于佳而佳”
取神弃形
书法美欣赏的具体途径
困难：与绘画的视角比较
从静止到运动
从抽象到具体
从原形到延伸
从平到到立体
从明确到朦胧
“世间无物非草书”的启示
后记

前言/序言

　　

繁花落尽：宋代文人画的意境与技法 一、 引言：宋画的时代精神与审美转向 本书旨在深入探讨宋代（960年—1279年）文人画这一中国艺术史上至关重要的阶段。宋代，一个在政治、经济和文化上都达到了前所未有高度的王朝，其艺术成就尤以绘画为代表，展现出内敛、精微、重精神的审美取向。 与唐代追求富丽堂皇和外在气势不同，宋代绘画的核心精神转向了对“理”与“意”的探求。这种转向不仅是技法上的革新，更是哲学思想——尤其是理学兴起——在视觉艺术中的投射。文人画的崛起，标志着艺术创作主体从宫廷画师向士大夫阶层的转移，绘画不再仅仅是记录和粉饰的工具，而成为个体心灵世界和道德修养的载体。 二、 技法之变：从写实到写意的前奏 宋代的绘画技法达到了炉火纯青的地步，但其精妙之处，恰恰在于“不露痕迹”的内敛性。 1. 院体画的极致写实：格物致知 北宋时期，以徽宗朝为代表的院体画，将写实主义推向了高峰。这并非简单的摹仿自然，而是带有强烈“格物致知”哲学意味的观察。 花鸟画的科学性与诗意结合： 以宋徽宗的《芙蓉锦鸡图》为例，不仅对花瓣的脉络、羽毛的层次进行了近乎科学的描摹，更通过精微的笔触，赋予了物象一种宁静而尊贵的生命力。这种细致入微的观察，体现了宋人对世界本真结构的尊重。 山水画的“全景式”构建： 郭熙的“高远、深远、平远”理论，构建了宋代山水画的经典空间布局。画家不再满足于描绘一景一隅，而是试图在尺幅之内，囊括天地之辽阔，如范宽的《溪山行旅图》，其雄伟的巨碑式山体，展现了人与自然在宇宙尺度下的关系——人是渺小的，但精神可以与之并肩。 2. 笔墨语言的内化：皴法的精神化 皴法（描绘山石纹理的笔法）在宋代经历了深刻的转型。董源、巨然开创的江南“披麻皴”，强调的是一种湿润、温和的笔触，意在表现南方水汽氤氲的生命力，与北方李唐的斧劈皴的坚硬结构形成了鲜明对比。苏轼提出的“论画以形似，见与 শিশু游”的观点，直接推动了对笔墨韵味本身的重视，使得皴法开始超越物象的物理层面，进入表达作者心性的阶段。 三、 意境的探索：文人画的精神内核 宋代中后期，随着士大夫阶层对艺术的介入加深，“意境”的概念逐渐取代了“形似”，成为衡量艺术价值的最高标准。 1. 诗入画：以诗为画，以画为诗 文人画的核心在于将诗歌的哲思、情感与绘画的视觉语言进行融合。他们追求的不是景物本身，而是景物在特定心境下的象征意义。 墨戏的兴起： 以苏轼、米芾为代表的文人士大夫，开始轻视设色和精工描绘，转而推崇用水墨的浓淡干湿来表达“胸中逸气”。米芾的“刷墨山水”，以淋漓挥洒的笔法，强调的是瞬间的直觉反应和对笔墨自身特性的探索，这在艺术史上具有划时代的意义，它宣告了笔墨本体论的初步确立。 2. 枯淡的趣味与禅宗影响 宋代美学，特别是南宋时期，深受禅宗思想的影响。这种影响体现在对“不完全”、“枯寂”和“空”的欣赏上。 留白的处理： 宋人深谙“计白当黑”的艺术手法。画面中大面积的空白，并非未完成，而是作为意境的载体，象征着无限的可能性和“空”的哲学概念。观者需要在此留白处，主动参与到作品的意境构建中去。马远、夏圭的山水画，常被誉为“边角式”构图，将主体物象置于画面的一角或一侧，大片的空白不仅扩大了空间的深度，更强化了画面的静谧与疏离感。 3. 人物画的世俗化与情感表达 与院体山水和花鸟的崇高感不同，宋代的人物画则更贴近世俗生活，展现出细腻的人文关怀。 市井百态的记录： 张择端的《清明上河图》是对北宋繁荣景象的百科全书式记录，它不仅是绘画史上的杰作，更是社会史的珍贵文献。它所展现的生动性、叙事性，体现了宋代对现实生活细致入微的观察和记录欲望。 心理深度的刻画： 即使在表现历史题材时，宋代人物画家也更注重人物的内心活动。例如，李唐、刘松年的作品，虽然继承了北宋的法度，但其人物形象往往带有更多内省式的、略显萧瑟的情绪，预示着即将到来的时代变局。 四、 宋代美学的总结与后续影响 宋代绘画，以其内在的张力和外在的和谐统一，确立了中国艺术审美的新坐标。它成功地将技艺的精湛与哲思的深邃相结合，使绘画从一种“匠作”提升为一种“文道”。 宋代的院体画奠定了中国古典写实绘画的最高标准；而文人画的兴起，则为元明清的绘画发展指明了方向，特别是对后世水墨画一脉的影响，几乎是决定性的。宋画的“韵”、“意”和“趣”，穿越历史，至今仍是中国艺术批评和创作中反复探讨的核心议题。它教会后人，最伟大的艺术往往不是对世界的描摹，而是对世界在心灵中留下的独特印记的表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书中最让我感到惊喜的，是其中对于“创作心法”的探讨，这一点在很多技术性指导书籍中是常常被忽略的。它没有过多纠结于如何一笔一画地模仿，而是着重于引导读者去体悟书写者当时的心境和精神状态。比如，作者在描述唐代颜真卿书法时，不仅分析了其结构上的雄强，更深入挖掘了其所蕴含的“忠义”与“气节”，这种将人文精神融入笔墨的解读，极大地提升了阅读的深度和趣味性。读完相关章节后，我拿起笔进行练习时，感觉思路都变得开阔了，不再是机械地复制，而是开始尝试表达“自我”。这种从“技”到“道”的引导，是任何单纯的技法手册都无法比拟的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直让人眼前一亮，从封面到内页的排版，都透露着一种沉稳而又不失灵动的古典韵味。纸张的选择非常考究，那种略带纹理的质感，拿在手里就有一种亲切感，仿佛能感受到纸张本身的呼吸。尤其是那些配图的印刷质量，色彩的还原度和线条的清晰度都达到了一个很高的水准，对于我们这些注重细节的读者来说，这无疑是一种视觉上的享受。我尤其喜欢它在章节分隔处的留白处理，简洁而不单调，让每一次翻阅都像是在进行一次小小的仪式。整体来看，这本书的物质形态已经超越了一般书籍的范畴，更像是一件精心打磨的艺术品，光是放在书架上，都能为整个空间增添几分雅致的气息。我期待着内容能与之匹配，但仅从外在来看，这已经是一次非常成功的出版尝试了。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的结构安排得非常有逻辑性，它并非简单地罗列各种碑帖的特征，而是构建了一个清晰的知识脉络。从宏观的历史演变，到微观的笔法解析，再到最后对不同书体风格的比较鉴赏，层层递进，井然有序。特别是其中关于不同朝代审美取向对书风影响的分析部分，让我豁然开朗，明白了为何同一时代的书家会有如此迥异的面貌。作者似乎非常擅长将复杂的历史背景与具体的艺术实践相结合，使得理论不再是空洞的说教。这种系统性的梳理，极大地帮助我梳理了以往零散的知识点，感觉像是在脑海中构建了一个完整的知识体系框架。这对于系统学习和研究是极其宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的开篇部分让我略感有些晦涩难懂，它似乎没有采取那种平易近人的叙事方式，反而直接切入了比较深奥的理论层面。那些关于“气韵生动”和“意境营造”的论述，对于初学者来说可能需要反复研读好几遍才能领悟一二。我不得不承认，作者的学识是毋庸置疑的，他引用的典籍和案例都非常扎实，显示出深厚的学术功底。然而，这种“精英式”的表达方式，使得阅读过程变成了一种需要高度专注力的“攻坚战”。我花了大量时间去查阅补充材料，试图理解那些被作者视为常识的背景知识。这并非批评，而是提醒那些希望轻松入门的读者，准备好迎接一次智力上的挑战。这本书显然是写给有一定基础，渴望深入钻研的读者的，它拒绝提供速成的捷径。

评分☆☆☆☆☆

然而，这本书在图文对照的呈现上，有几个地方略显不足，这在很大程度上影响了阅读的流畅性。有时，正文提到了一个非常关键的范例进行详细阐述，但对应的图片却被放在了章节的末尾或者跨了好几页之后，读者需要不断地来回翻阅，着实打断了思路的连贯性。此外，对于一些尺寸较小的细节图，比如某个特定笔画的起收部分，其放大效果不够清晰，使得我们这些需要精确观察的人感到有些吃力。如果能采用更先进的排版技术，确保关键图例与文字论述能够做到即时对应，并且在关键细节处提供更高分辨率的特写，那么这本书的实用价值将能更上一层楼。这可以说是全书在编辑和设计上，可以改进的一个小小遗憾。

评分☆☆☆☆☆

质量非常好，送货速度快，服务态度好。

评分☆☆☆☆☆

用最接地气的方法破解楷书，让人从千头万绪中理出主线，提高效率

评分☆☆☆☆☆

很期待的书，趁着活动入手

评分☆☆☆☆☆

好好好，看起来不错。好评了先。

评分☆☆☆☆☆

学习书法的好书，继续支持。

评分☆☆☆☆☆

正在练习书法，这本书能让你从不同的角度去理解和学习！

评分☆☆☆☆☆

一直在京东快递上买东西，划算得

评分☆☆☆☆☆

侯老师的书我已经读过啦，写的挺好，对书法的启发很好。

评分☆☆☆☆☆

应该是不错的一本书吧