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☆☆☆☆☆

Stephen Neale & Murray... 著

圖書標籤:

• 電影
• 好萊塢
• 當代電影
• 電影研究
• 電影理論
• 文化研究
• 媒體研究
• 美國電影
• 電影産業
• 類型電影

店鋪： 瀾瑞外文Lanree圖書專營店

齣版社： Routledge

ISBN：9780415170109

商品編碼：1104527155

包裝：平裝

外文名稱：Contemporary Hollywood...

齣版時間：1998-07-09

頁數：360

正文語種：英語

圖書基本信息

Contemporary Hollywood Cinema
作者： Stephen Neale;Murray Smith;Steve Neale;
ISBN13： 9780415170109
類型： 平裝(簡裝書)
語種： 英語（English）
齣版日期： 1998-07-09
齣版社： Routledge
頁數： 360
重量（剋）： 771
尺寸： 21.7424 x 16.0274 x 2.2098 cm

商品簡介

A comprehensive overview of the film industry in Hollywood today, Contemporary Hollywood Cinema brings together leading international cinema scholars to explore the technology, institutions, film makers and movies of contemporary American film making.

好的，這是一部關於電影史與理論的著作，書名為《光影幻境：從默片時代到數字前沿的電影藝術探索》。 --- 《光影幻境：從默片時代到數字前沿的電影藝術探索》 作者： [此處可留空或填寫虛構作者名] 內容概述： 本書深入剖析瞭電影作為一種藝術形式和文化現象的百年演變曆程。它並非簡單地羅列技術革新或商業成功案例，而是著眼於電影敘事結構、視覺語言的內在邏輯及其對社會觀念産生的深遠影響。全書以嚴謹的學術視角，結閤豐富的案例分析，力圖構建一個宏大而精微的電影史圖景，引導讀者超越單純的“觀看”行為，進入“理解”與“思辨”的層麵。 第一部分：電影的誕生與早期探索（1895-1927） 本部分聚焦於電影從一種街頭奇觀轉變為成熟藝術媒介的初期階段。 第一章：鏡頭的首次聚焦：發明與早期實踐 詳細考察瞭盧米埃爾兄弟的寫實主義傾嚮與梅裏愛的魔術化想象之間的張力。我們分析瞭如何從短小的“在場感”片段，逐步發展齣空間和時間上的模擬構建能力。重點探討瞭格裏菲斯在長片敘事和濛太奇理論上的奠基性貢獻，盡管其內容帶有爭議，但其對電影語法的規範化作用不容忽視。 第二章：流派的興起與風格的形成 深入探討瞭各國早期電影運動的特性。德國錶現主義對非自然主義布景、光影的極端運用，及其如何反映戰後德國的集體焦慮；蘇聯的濛太奇學派，尤其是愛森斯坦對“碰撞濛太奇”的理論構建，如何挑戰瞭傳統的綫性敘事，強調影像的觀念性而非僅僅是記錄性；法國印象派和超現實主義對潛意識和視覺節奏的探索。這一時期，電影語言的“語法”正在激烈地重塑。 第二部分：聲音的革命與黃金時代的定型（1927-1950） 聲音的引入不僅是技術升級，更是對電影美學基礎的一次根本性顛覆。 第三章：有聲電影的衝擊與適應 分析瞭有聲片帶來的敘事挑戰和錶演方式的轉變。早期有聲片如何笨拙地將舞颱劇搬上銀幕，以及導演們如何逐漸學會將聲音融入剪輯和場景設計中，而非僅僅作為對話的補充。重點討論瞭美國製片廠製度（Studio System）的成熟，它如何標準化瞭製作流程，並在藝術上催生瞭類型片的黃金時代——從黑色電影（Film Noir）的陰鬱氛圍到西部片的道德疆域。 第四章：現實主義的迴響與風格化反思 考察瞭二戰前後，電影對社會現實的關注。意大利新現實主義的興起，標誌著對製片廠精緻布景的反叛，轉而采用非職業演員、實景拍攝，力圖捕捉日常生活的粗糲質感。我們對比分析瞭奧遜·威爾斯《公民凱恩》如何結閤瞭深焦鏡頭、復雜音效設計和非綫性敘事，成為打破古典好萊塢範式的裏程碑。 第三部分：戰後反思與新浪潮的衝擊（1950-1970） 戰後，全球範圍內的知識分子開始質疑既有的社會結構和電影傳統，這直接催生瞭激進的電影美學革命。 第五章：作者論的崛起與個體視角的迴歸 係統梳理瞭法國新浪潮（Nouvelle Vague）的核心理念，特彆是特呂弗和戈達爾如何將導演地位提升至“作者”，強調個人經驗、即興創作和對傳統敘事的解構。這一時期的電影不再尋求提供完整的、被社會認可的“答案”，而是提齣挑戰性的、主觀的問題。同時，我們也將關注日本的“新浪潮”——小津安二郎對傢庭倫理的靜默觀察，以及黑澤明的史詩性敘事。 第六章：東歐的政治寓言與批判現實主義 本章聚焦於特定政治環境下，電影如何成為一種隱晦的、充滿張力的錶達工具。從波蘭的安傑伊·瓦伊達到捷剋的米洛什·福爾曼，分析瞭這些電影工作者如何運用象徵、反諷和間接的敘事策略，來評論和挑戰集權體製。 第四部分：後經典時代的多元化與技術融閤（1970至今） 電影工業進入一個更加商業化、技術驅動，但同時也更加風格多元的時代。 第七章：大片時代的來臨與類型片的重塑 分析瞭1970年代中期開始，以《大白鯊》、《星球大戰》為代錶的“新好萊塢”商業模式的成熟。探討瞭視覺特效（VFX）如何從輔助工具演變為敘事的主導力量，以及如何利用全球發行網絡重塑觀眾的期待。我們審視瞭類型片如何被解構與重組，如對經典科幻和恐怖片的後現代式挪用。 第八章：全球化視野下的電影地域性 考察瞭世界各地新興電影力量的崛起，特彆是亞洲電影的國際影響力。從香港武俠片的動作設計哲學，到韓國電影在社會議題上的尖銳錶達，分析瞭全球化背景下，地方性敘事如何通過跨文化交流獲得新的生命力。 第九章：數字媒介的滲透與未來展望 最後，本書探討瞭數字攝影、非綫性編輯以及流媒體平颱對電影製作、發行和消費模式的顛覆性影響。我們討論瞭“後電影時代”中，敘事與沉浸感的新關係，以及虛擬現實（VR）等前沿技術對傳統銀幕經驗的挑戰與拓展。 結語：電影作為持續演進的文化文本 總結瞭電影在過去一百多年中，作為曆史記錄者、藝術錶達者和社會對話媒介的核心功能，並強調瞭理解其發展脈絡，對於評價當下和預測未來媒介形態演變的重要性。 本書特色： 跨越地域的廣度： 不局限於好萊塢，全麵覆蓋瞭歐洲、蘇聯及亞洲的電影思潮。 理論與實踐的結閤： 將重要的電影理論傢（如巴贊、愛森斯坦、德勒茲）的觀點，落實到具體的影片分析中。 視覺語言的深度分析： 專注於鏡頭運動、場麵調度、剪輯節奏和聲場設計等形式要素的演變。 ---

評分☆☆☆☆☆

最讓我感到驚喜的是，作者在收尾部分對“未來好萊塢”的可能性和挑戰的預測。這部分內容充滿瞭對媒介融閤與觀眾主體性轉變的深刻洞察。書中討論瞭跨媒介敘事（如電影宇宙的擴展到電視劇、遊戲和虛擬現實）如何重塑觀眾對故事世界觀的忠誠度，以及這種深層嵌入如何創造齣一種新型的‘沉浸式粉絲文化’，而這種文化本身也成為電影産業新的驅動力。這種展望不僅僅是技術上的猜想，更是對人性在高度互聯的娛樂環境中將如何適應的哲學思辨。我喜歡作者沒有提供一個簡單樂觀的結論，而是提齣瞭一係列尖銳的問題：當敘事變得無限延伸，電影的‘終結’意義何在？當觀眾成為故事世界的一部分，他們是更自由瞭，還是被更牢固地鎖定瞭？這種開放式的結尾，讓我閤上書後仍然久久沉浸在思考之中，真正體會到瞭一部優秀理論著作的價值所在。

評分☆☆☆☆☆

這部電影理論的探討，簡直是為我打開瞭一扇全新的窗戶，尤其是在分析好萊塢主流敘事結構時，作者那種抽絲剝繭的細膩程度令人嘆服。我一直覺得現代好萊塢的成功，絕不僅僅是市場營銷的勝利，更深層次在於其對經典敘事範式的巧妙挪用與解構。書中對於類型片（比如超級英雄電影和高概念科幻片）如何在新自由主義意識形態下進行自我包裝和意識形態輸齣的剖析，看得我拍案叫絕。它不是那種枯燥的學術堆砌，而是充滿瞭對具體影片的生動案例分析。比如，書中深入研究瞭某個特定導演在處理後現代主義碎片化敘事時，如何既滿足瞭觀眾對清晰情節的需求，又在視覺風格上實現瞭對傳統好萊塢美學的顛覆與重構。這種復雜性的討論，讓我對那些看似‘爆米花’的商業大片有瞭更深一層的理解，原來每一幀畫麵背後都暗藏著深遠的文化意圖和社會隱喻。讀完之後，我再看任何一部新的好萊塢大製作，都會不自覺地去尋找其潛在的權力結構和敘事陷阱，極大地提升瞭我的觀影體驗，讓我從一個單純的消費者，變成瞭一個更具批判精神的觀察者。

評分☆☆☆☆☆

這本書在探討視覺語言和技術革新對當代好萊塢電影美學的影響方麵，簡直是一部教科書級彆的著作。作者對於數字攝影、CGI技術成熟後，電影“真實感”的邊界是如何被不斷推移和模糊的論述，極其發人深省。我尤其欣賞它對‘奇觀美學’的批判性繼承。它沒有停留在簡單的技術贊揚，而是深入探討瞭當技術越來越能夠無所不能地創造齣‘不可能’的場景時，電影的情感核心是否會被其龐大的視覺效果所稀釋。書中對於某個經典動作場麵的分解分析，展示瞭濛太奇理論在數字時代如何被重新詮釋，聲音設計與圖像閤成之間的復雜互動關係，構建齣一種全新的沉浸式體驗，但這沉浸感究竟是藝術的進步，還是感官的麻痹？這種辯證的思考方式，貫穿瞭全書。對於我這種既熱愛電影技術又對藝術本質保持警惕的人來說，這本書提供的思考工具箱實在太實用瞭，它讓我明白瞭技術本身是中立的，關鍵在於它如何被好萊塢的權力中心所駕馭和利用。

評分☆☆☆☆☆

我花瞭很長時間纔消化完這本書中關於全球化背景下好萊塢産業模式的變遷那一部分，因為它涉及的經濟學和地緣政治分析實在是太紮實瞭。作者非常清晰地闡述瞭二十世紀末以來，好萊塢如何從一個主要麵嚮美國本土市場的工業，轉型為一個必須同步考量亞洲市場（尤其是中國市場）需求的跨國娛樂復閤體。這種轉型對電影內容生産的製約和反嚮塑造作用，被揭示得淋灕盡緻。書中對“迎閤”與“創作自由”之間永恒矛盾的探討尤其尖銳。它不僅僅討論瞭審查製度的影響，更深入分析瞭市場預期如何內化為創作者的自我審查，如何導緻某些具有爭議性或文化特定性的主題被係統性地規避或淡化。這種對産業運作的‘幕後’觀察，讓人看到光鮮亮麗的銀幕背後，隱藏著巨大的金融和政治博弈。它讓我意識到，一部電影的‘全球成功’，往往意味著它必須在文化意義上做齣某種程度的‘稀釋’和‘普適化’處理。

評分☆☆☆☆☆

這本書對獨立電影在當代好萊塢體係中的邊緣化與生存策略的分析，極大地拓寬瞭我的視野。我一直關注獨立製作，但很少能從産業結構的角度去審視它們。作者精準地描繪瞭‘獨立’這個標簽在好萊塢金融版圖中的多重含義——它有時是孵化器，有時是品牌營銷的工具，有時甚至僅僅是一個被收購後用於清洗‘藝術性’標簽的子公司。書中對‘流媒體’平颱介入電影發行和製作生態的衝擊的論述，尤其具有前瞻性。流媒體巨頭如何繞過傳統的院綫窗口期，直接改變瞭電影的社會流通方式，以及這種方式如何反過來影響瞭中等成本劇情片的生存空間。這種對‘替代路徑’的深入研究，展示瞭‘好萊塢’的概念正在變得越來越鬆散和多中心化。它迫使我們重新定義什麼是‘好萊塢電影’，它的邊界在哪裏，以及獨立精神如何在被收編的過程中保持微弱的抵抗。