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Stephen Neale & Murray... 著

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店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Routledge

ISBN：9780415170109

商品编码：1104527155

包装：平装

外文名称：Contemporary Hollywood...

出版时间：1998-07-09

页数：360

正文语种：英语

图书基本信息

Contemporary Hollywood Cinema
作者： Stephen Neale;Murray Smith;Steve Neale;
ISBN13： 9780415170109
类型： 平装(简装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 1998-07-09
出版社： Routledge
页数： 360
重量（克）： 771
尺寸： 21.7424 x 16.0274 x 2.2098 cm

商品简介

A comprehensive overview of the film industry in Hollywood today, Contemporary Hollywood Cinema brings together leading international cinema scholars to explore the technology, institutions, film makers and movies of contemporary American film making.

好的，这是一部关于电影史与理论的著作，书名为《光影幻境：从默片时代到数字前沿的电影艺术探索》。 --- 《光影幻境：从默片时代到数字前沿的电影艺术探索》 作者： [此处可留空或填写虚构作者名] 内容概述： 本书深入剖析了电影作为一种艺术形式和文化现象的百年演变历程。它并非简单地罗列技术革新或商业成功案例，而是着眼于电影叙事结构、视觉语言的内在逻辑及其对社会观念产生的深远影响。全书以严谨的学术视角，结合丰富的案例分析，力图构建一个宏大而精微的电影史图景，引导读者超越单纯的“观看”行为，进入“理解”与“思辨”的层面。 第一部分：电影的诞生与早期探索（1895-1927） 本部分聚焦于电影从一种街头奇观转变为成熟艺术媒介的初期阶段。 第一章：镜头的首次聚焦：发明与早期实践 详细考察了卢米埃尔兄弟的写实主义倾向与梅里爱的魔术化想象之间的张力。我们分析了如何从短小的“在场感”片段，逐步发展出空间和时间上的模拟构建能力。重点探讨了格里菲斯在长片叙事和蒙太奇理论上的奠基性贡献，尽管其内容带有争议，但其对电影语法的规范化作用不容忽视。 第二章：流派的兴起与风格的形成 深入探讨了各国早期电影运动的特性。德国表现主义对非自然主义布景、光影的极端运用，及其如何反映战后德国的集体焦虑；苏联的蒙太奇学派，尤其是爱森斯坦对“碰撞蒙太奇”的理论构建，如何挑战了传统的线性叙事，强调影像的观念性而非仅仅是记录性；法国印象派和超现实主义对潜意识和视觉节奏的探索。这一时期，电影语言的“语法”正在激烈地重塑。 第二部分：声音的革命与黄金时代的定型（1927-1950） 声音的引入不仅是技术升级，更是对电影美学基础的一次根本性颠覆。 第三章：有声电影的冲击与适应 分析了有声片带来的叙事挑战和表演方式的转变。早期有声片如何笨拙地将舞台剧搬上银幕，以及导演们如何逐渐学会将声音融入剪辑和场景设计中，而非仅仅作为对话的补充。重点讨论了美国制片厂制度（Studio System）的成熟，它如何标准化了制作流程，并在艺术上催生了类型片的黄金时代——从黑色电影（Film Noir）的阴郁氛围到西部片的道德疆域。 第四章：现实主义的回响与风格化反思 考察了二战前后，电影对社会现实的关注。意大利新现实主义的兴起，标志着对制片厂精致布景的反叛，转而采用非职业演员、实景拍摄，力图捕捉日常生活的粗粝质感。我们对比分析了奥逊·威尔斯《公民凯恩》如何结合了深焦镜头、复杂音效设计和非线性叙事，成为打破古典好莱坞范式的里程碑。 第三部分：战后反思与新浪潮的冲击（1950-1970） 战后，全球范围内的知识分子开始质疑既有的社会结构和电影传统，这直接催生了激进的电影美学革命。 第五章：作者论的崛起与个体视角的回归 系统梳理了法国新浪潮（Nouvelle Vague）的核心理念，特别是特吕弗和戈达尔如何将导演地位提升至“作者”，强调个人经验、即兴创作和对传统叙事的解构。这一时期的电影不再寻求提供完整的、被社会认可的“答案”，而是提出挑战性的、主观的问题。同时，我们也将关注日本的“新浪潮”——小津安二郎对家庭伦理的静默观察，以及黑泽明的史诗性叙事。 第六章：东欧的政治寓言与批判现实主义 本章聚焦于特定政治环境下，电影如何成为一种隐晦的、充满张力的表达工具。从波兰的安杰伊·瓦伊达到捷克的米洛什·福尔曼，分析了这些电影工作者如何运用象征、反讽和间接的叙事策略，来评论和挑战集权体制。 第四部分：后经典时代的多元化与技术融合（1970至今） 电影工业进入一个更加商业化、技术驱动，但同时也更加风格多元的时代。 第七章：大片时代的来临与类型片的重塑 分析了1970年代中期开始，以《大白鲨》、《星球大战》为代表的“新好莱坞”商业模式的成熟。探讨了视觉特效（VFX）如何从辅助工具演变为叙事的主导力量，以及如何利用全球发行网络重塑观众的期待。我们审视了类型片如何被解构与重组，如对经典科幻和恐怖片的后现代式挪用。 第八章：全球化视野下的电影地域性 考察了世界各地新兴电影力量的崛起，特别是亚洲电影的国际影响力。从香港武侠片的动作设计哲学，到韩国电影在社会议题上的尖锐表达，分析了全球化背景下，地方性叙事如何通过跨文化交流获得新的生命力。 第九章：数字媒介的渗透与未来展望 最后，本书探讨了数字摄影、非线性编辑以及流媒体平台对电影制作、发行和消费模式的颠覆性影响。我们讨论了“后电影时代”中，叙事与沉浸感的新关系，以及虚拟现实（VR）等前沿技术对传统银幕经验的挑战与拓展。 结语：电影作为持续演进的文化文本 总结了电影在过去一百多年中，作为历史记录者、艺术表达者和社会对话媒介的核心功能，并强调了理解其发展脉络，对于评价当下和预测未来媒介形态演变的重要性。 本书特色： 跨越地域的广度： 不局限于好莱坞，全面覆盖了欧洲、苏联及亚洲的电影思潮。 理论与实践的结合： 将重要的电影理论家（如巴赞、爱森斯坦、德勒兹）的观点，落实到具体的影片分析中。 视觉语言的深度分析： 专注于镜头运动、场面调度、剪辑节奏和声场设计等形式要素的演变。 ---

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，作者在收尾部分对“未来好莱坞”的可能性和挑战的预测。这部分内容充满了对媒介融合与观众主体性转变的深刻洞察。书中讨论了跨媒介叙事（如电影宇宙的扩展到电视剧、游戏和虚拟现实）如何重塑观众对故事世界观的忠诚度，以及这种深层嵌入如何创造出一种新型的‘沉浸式粉丝文化’，而这种文化本身也成为电影产业新的驱动力。这种展望不仅仅是技术上的猜想，更是对人性在高度互联的娱乐环境中将如何适应的哲学思辨。我喜欢作者没有提供一个简单乐观的结论，而是提出了一系列尖锐的问题：当叙事变得无限延伸，电影的‘终结’意义何在？当观众成为故事世界的一部分，他们是更自由了，还是被更牢固地锁定了？这种开放式的结尾，让我合上书后仍然久久沉浸在思考之中，真正体会到了一部优秀理论著作的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书对独立电影在当代好莱坞体系中的边缘化与生存策略的分析，极大地拓宽了我的视野。我一直关注独立制作，但很少能从产业结构的角度去审视它们。作者精准地描绘了‘独立’这个标签在好莱坞金融版图中的多重含义——它有时是孵化器，有时是品牌营销的工具，有时甚至仅仅是一个被收购后用于清洗‘艺术性’标签的子公司。书中对‘流媒体’平台介入电影发行和制作生态的冲击的论述，尤其具有前瞻性。流媒体巨头如何绕过传统的院线窗口期，直接改变了电影的社会流通方式，以及这种方式如何反过来影响了中等成本剧情片的生存空间。这种对‘替代路径’的深入研究，展示了‘好莱坞’的概念正在变得越来越松散和多中心化。它迫使我们重新定义什么是‘好莱坞电影’，它的边界在哪里，以及独立精神如何在被收编的过程中保持微弱的抵抗。

评分☆☆☆☆☆

这部电影理论的探讨，简直是为我打开了一扇全新的窗户，尤其是在分析好莱坞主流叙事结构时，作者那种抽丝剥茧的细腻程度令人叹服。我一直觉得现代好莱坞的成功，绝不仅仅是市场营销的胜利，更深层次在于其对经典叙事范式的巧妙挪用与解构。书中对于类型片（比如超级英雄电影和高概念科幻片）如何在新自由主义意识形态下进行自我包装和意识形态输出的剖析，看得我拍案叫绝。它不是那种枯燥的学术堆砌，而是充满了对具体影片的生动案例分析。比如，书中深入研究了某个特定导演在处理后现代主义碎片化叙事时，如何既满足了观众对清晰情节的需求，又在视觉风格上实现了对传统好莱坞美学的颠覆与重构。这种复杂性的讨论，让我对那些看似‘爆米花’的商业大片有了更深一层的理解，原来每一帧画面背后都暗藏着深远的文化意图和社会隐喻。读完之后，我再看任何一部新的好莱坞大制作，都会不自觉地去寻找其潜在的权力结构和叙事陷阱，极大地提升了我的观影体验，让我从一个单纯的消费者，变成了一个更具批判精神的观察者。

评分☆☆☆☆☆

这本书在探讨视觉语言和技术革新对当代好莱坞电影美学的影响方面，简直是一部教科书级别的著作。作者对于数字摄影、CGI技术成熟后，电影“真实感”的边界是如何被不断推移和模糊的论述，极其发人深省。我尤其欣赏它对‘奇观美学’的批判性继承。它没有停留在简单的技术赞扬，而是深入探讨了当技术越来越能够无所不能地创造出‘不可能’的场景时，电影的情感核心是否会被其庞大的视觉效果所稀释。书中对于某个经典动作场面的分解分析，展示了蒙太奇理论在数字时代如何被重新诠释，声音设计与图像合成之间的复杂互动关系，构建出一种全新的沉浸式体验，但这沉浸感究竟是艺术的进步，还是感官的麻痹？这种辩证的思考方式，贯穿了全书。对于我这种既热爱电影技术又对艺术本质保持警惕的人来说，这本书提供的思考工具箱实在太实用了，它让我明白了技术本身是中立的，关键在于它如何被好莱坞的权力中心所驾驭和利用。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间才消化完这本书中关于全球化背景下好莱坞产业模式的变迁那一部分，因为它涉及的经济学和地缘政治分析实在是太扎实了。作者非常清晰地阐述了二十世纪末以来，好莱坞如何从一个主要面向美国本土市场的工业，转型为一个必须同步考量亚洲市场（尤其是中国市场）需求的跨国娱乐复合体。这种转型对电影内容生产的制约和反向塑造作用，被揭示得淋漓尽致。书中对“迎合”与“创作自由”之间永恒矛盾的探讨尤其尖锐。它不仅仅讨论了审查制度的影响，更深入分析了市场预期如何内化为创作者的自我审查，如何导致某些具有争议性或文化特定性的主题被系统性地规避或淡化。这种对产业运作的‘幕后’观察，让人看到光鲜亮丽的银幕背后，隐藏着巨大的金融和政治博弈。它让我意识到，一部电影的‘全球成功’，往往意味着它必须在文化意义上做出某种程度的‘稀释’和‘普适化’处理。