復旦博學·當代電影學教程·當代電影學教程：影視剪輯（第2版） pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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聶欣如 著

圖書標籤:

• 電影學
• 影視剪輯
• 剪輯理論
• 剪輯技術
• 復旦大學
• 博學計劃
• 教材
• 第2版
• 影視製作
• 電影教程

齣版社： 復旦大學齣版社

ISBN：9787309092011

版次：2

商品編碼：11138130

包裝：平裝

叢書名： 復旦博學·當代電影學教程

開本：16開

齣版時間：2012-10-01

用紙：膠版紙

頁數：282

字數：345000

正文語種：中文

內容簡介

　　一本說得透徹、看得明白、通俗易懂深入淺齣的影視剪輯教材。
　　《復旦博學·當代電影學教程：影視剪輯（第2版）》適用於電影學專業、廣播電視編導專業、新聞傳播學專業師生，也適用於相關專業研究者、電影業餘愛好者。從內容的與時俱進程度、觀點的獨特性方麵，本書在眾多同類書中脫穎而齣。
　　《復旦博學·當代電影學教程：影視剪輯（第2版）》的論述和講解多以當代電影為例，選擇的是人們所熟悉和瞭解的影片、隨著技術的進步，過去不常用到的剪輯方法在今天已司空見慣。本書一改過去的教材在技術介紹方麵的滯後性，介紹瞭很多剪輯、方麵的新方法、新理論，對於當代電影研究者、工作者來說，顯得尤有意義。
　　第二版主要增加瞭有關紀錄片剪輯的內容，補充瞭一些最新影片案例，另外做瞭文字上的修訂。

作者簡介

　　聶欣如，男，1953年生人，曾就讀於華東師範大學、北京電影學院、德國科隆媒介藝術學院等高校，曾擔任故事片、紀錄片、動畫片、電視劇的導演或編劇，齣版瞭《類型電影》、《動畫剪輯》、《紀錄片研究》等著作。現任華東師範大學傳播學教授、博士生導師。

內頁插圖

目錄

前言
緒論
第一單元 理論
第一章 剪輯的由來
第一節 剪輯的齣現
第二節 早期的大師和流派
第三節 剪輯産生的依據
第二章 剪輯的概念和範同
第一節 剪輯的概念
第二節 剪輯的範圍

第二單元 並列
第三章 並列的鏡頭
第一節 並列鏡頭的概念
第二節 並列鏡頭的産生
第三節 經典的方法
第四節 經典方法的演變
第四章 組閤的並列鏡頭
第一節 因果敘事組閤的並列
第二節 “象徵”組閤的並列
第三節 具有時間因素的並列

第三單元 匹配
第五章 鏡頭排列的匹配
第一節 關於景彆
第二節 什麼是匹配
第三節 匹配在今天電影中的形態
第六章 匹配的原理及其在非剪輯鏡頭中的錶現
第一節 匹配的原理
第二節 匹配和推拉鏡頭
第三節 匹配和長鏡頭
第四節 匹配和變焦鏡頭

第四單元 動接動
第七章 動作的連接
第一節 動作連接的剪點
第二節 動接動原則的主導性
第八章 動勢和運動鏡頭的連接
第一節 動勢連接
第二節 運動鏡頭的連接

第五單元 方嚮
第九章 運動方嚮的保持
第一節 方嚮的概念和運動的方式
第二節 畫麵運動方嚮的保持
第十章 運動方嚮的改變
第一節 通過畫麵中物體的運動改變運動的原有方嚮
第二節 通過攝影機的運動改變物體運動的原有方嚮
第三節 通過中性鏡頭改變物體運動的原有方嚮
第四節 通過動作改變物體運動的原有方嚮

第六單元 軸綫
第七單元 討論
第八單元 紀錄片的剪輯
參考文獻
參考片目

精彩書摘

　　一、剪輯概念強調“模擬或虛構的時空關係”
　　這是鮑特、格裏菲斯、庫裏肖夫、愛森斯坦和普多夫金等各種不同風格的濛太奇得以成立的根本原因，或者也可以說是剪輯藝術得以成立的前提條件。如果剪輯不能按照作者的想象或假設處理素材的話，剪輯就不可能呈現齣不同的風格，剪輯也不可能創造齣不同的效果，其本身也就不能成為一門藝術。藝術處理對象的過程，就是一個將對象藝術化的過程，或者也可以說是假定化的過程。這一點在許多有關電影美學的書中都有提及。
　　庫裏肖夫曾經針對濛太奇的空間關係進行過試驗，試驗是這樣的：第一個鏡頭是一個人從剋裏姆林宮走齣穿過紅場，下個一個鏡頭他走入瞭美國的白宮。從熟悉兩地的人來說，這是一個荒謬的連接，因為這兩個地方相距實在太遠，銀幕上錶現的事情根本沒有可能發生。但是對於兩地都不熟悉的人來說，這樣的事情完全有可能發生。在他們看來，隻不過是一個人從一個建築走入瞭另一個建築，這兩個建築靠得很近。這說明通過剪輯組閤的時空關係是一種藝術的時空關係，而並不是真實的時空關係。巴贊對此說道：“庫裏肖夫的濛太奇、愛森斯坦或阿貝爾，岡斯的濛太奇都不是展現事件：它們都是暗示事件。無疑，他們的濛太奇構成元素至少有大部分是從他們力求描述的現實中取得的。但影片的最終含義更多地取決於這些元素的組織安排，而不是取決於這些元素本身的客觀內容。”巴贊的意思是說通過濛太奇有可能改變客觀事物的本身，但他並沒有因此而貶低濛太奇，而是在濛太奇盛行的時代指齣“場麵調度”同樣也是一種可能性。所謂的長鏡頭美學、紀實美學是後人將其理論強調到極緻的一種做法。這些理論反對使用剪輯手段創造效果，這些理論片麵地認為，電影提供給人們的應該至少是接近真實的而非夢幻的世界。今天的人們已經越來越清楚，一部電影真實與否、動人與否根本不取決於技巧本身，而是取決於作品的內容、取決於創作者——即那些使用技巧的人。
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前言/序言

　　這是一本針對大學廣播電視編導、新聞媒體製作以及與視聽語言相關專業的本、專科學生和業餘愛好者的教材，也可以作為專業工作者和學術研究者的參考用書。
　　“剪輯”是影視領域一個專門的職業，估計最遲從20世紀的30年代開始便已成為電影製作中的一個專職。其專業性自不待言。國內以前也齣版過非常專業的有關剪輯的書籍。但是目前在各大學開設的課程中大部分都把“剪輯”作為“視聽語言”的一個部分來開設，原因可能是多種多樣的。首先，可能是教學指導思想的不同，許多學校認為自己培養的人纔不需要具備過於專業的知識，隻要對專業有一般的瞭解就可以瞭，因此有意疏遠專業的技術。其次，主觀上並不想忽略專業。但是在客觀上缺少具有能夠講授專業知識的教師，甚至缺少必要的拍攝和剪輯設備，隻能泛泛而談。如果說第二個原因還情有可原的話，那麼第一個原因我認為是無論如何站不住的。因為不論什麼大學培養的人纔，都不可能在求職的時候“一步登天”。對於影視這個行業來說，也就是不可能給一個大學剛畢業的學生導演或編導的職位，任何人可能都要從拍攝、剪輯這樣最基礎的工作做起。如果沒有專業的知識，恐怕連日後晉升的機會都沒有。
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好的，這是一份關於其他電影學相關圖書的詳細簡介，重點介紹其內容和特色，力求詳盡且自然： --- 《電影的視覺語言與敘事結構解析》 內容導讀： 本書深入探討瞭電影作為一種獨特藝術形式的本質，聚焦於視覺元素和敘事構建這兩大核心支柱。它並非一本側重於具體技術操作（如剪輯軟件使用或後期製作流程）的教材，而是更偏嚮於理論思辨和美學分析的專著。 全書分為三個主要部分： 第一部分：電影的視覺語法 這一部分著重剖析瞭構成電影畫麵的基本元素及其功能。作者細緻梳理瞭從濛太奇理論（尤其是愛森斯坦和庫裏肖夫的經典思想）到現代數字影像風格的演變。內容涵蓋： 1. 景彆與構圖的心理學效應： 探討不同景彆（如全景、中景、特寫）如何影響觀眾的情感投射和對空間關係的認知。書中通過大量經典案例分析，說明瞭如黃金分割、三分法在電影場景調度中的應用及其突破。 2. 光影的敘事功能： 深入解析瞭硬光、柔光、側光等不同照明方式在營造氛圍、塑造人物性格方麵的作用。特彆關注瞭高調與低調照明在不同電影流派（如黑色電影與新浪潮）中的標誌性運用。 3. 色彩的象徵體係： 闡述瞭色彩理論在電影中的應用，從原色、對比色到飽和度對情緒的調動。書中包含對特定導演（如韋斯·安德森的對稱色彩美學或阿方索·卡隆的冷峻色調）色彩哲學的研究。 4. 運動鏡頭的設計與意義： 詳細分析瞭搖攝（Pan）、移攝（Tilt）、跟拍（Tracking）以及斯坦尼康（Steadicam）等運動方式在引導視綫、錶達主體內心流動性方麵的錶現力。 第二部分：敘事結構的深層構建 本部分從文本學角度解構電影故事的組織方式，超越瞭簡單的三幕劇模式，探討瞭更復雜、更具實驗性的敘事框架。 1. 經典敘事模型的解構與重構： 在介紹傳統的好萊塢式綫性敘事基礎上，重點分析瞭非綫性敘事、循環敘事和碎片化敘事在提升主題復雜性方麵的優勢。書中特彆設置章節討論瞭“倒敘/閃迴”在重塑觀眾對事件認知中的技巧性運用。 2. 人物弧光與動機探究： 敘事的核心在於人物。本書從認知心理學角度分析瞭角色動機的層次性，以及如何通過潛颱詞和非語言交流來構建復雜且可信的人物成長綫或衰敗綫。 3. 節奏控製與時間感： 節奏不僅是剪輯層麵的事，更是敘事層麵的策略。本書探討瞭如何通過場景長度、對話密度和信息釋放的節點來精確控製觀眾對銀幕時間的感知，實現敘事的張弛有度。 4. 類型片與敘事母題： 考察瞭科幻、西部、驚悚等主要類型片在敘事慣例上的繼承與反叛，分析瞭這些類型如何承載特定的文化母題和社會議題。 第三部分：電影美學與跨媒介對話 最後一部分將目光投嚮電影的時代價值和與其他藝術形式的互動。 1. 電影的現代性與後現代性： 探討瞭從現代主義電影（如安東尼奧尼的疏離感）到後現代電影（如昆汀的拼貼風格）在美學觀念上的轉變，以及技術進步（如CG和沉浸式體驗）對傳統電影美學的衝擊。 2. 電影作為文化批判的工具： 關注電影如何反映和批判社會結構、意識形態和權力關係。分析瞭紀錄片傳統、政治電影的錶達方式及其對現實的介入程度。 3. 跨媒介敘事的兼容性： 探討瞭電影敘事與文學、戲劇、電子遊戲之間的共通點和差異，特彆是當故事被移植到不同媒介時，其視覺語言和敘事策略需要進行怎樣的根本性調整。 本書特色： 本書的語言風格嚴謹又不失啓發性，避免瞭過度技術化的術語堆砌，側重於培養讀者的“電影眼”和批判性思維。它尤其適閤電影專業高年級學生、研究生，以及希望深入理解電影文本深層結構的影評人和電影愛好者。隨書附贈的DVD（或在綫資源包）精選瞭大量需配閤文本分析的經典片段，旨在通過“觀看—思考—分析”的閉環學習模式，構建完整的電影學知識體係。 --- 《從默片時代到數字浪潮：世界電影史綱》 內容導讀： 這是一部宏大敘事的世界電影通史，旨在為讀者勾勒齣一部清晰、脈絡分明的全球電影發展脈絡圖。它不專注於單一國傢或某一特定技術分支，而是著力於展現電影藝術在不同曆史時期、不同文化背景下的互動、衝突與創新。 核心結構與內容模塊： 本書的結構遵循時間軸和地域分布相結閤的方式，力求全麵覆蓋電影史上的關鍵轉摺點。 第一階段：起源與早期探索（1895-1927） 詳細考察瞭電影從盧米埃爾兄弟的“活動影戲”到梅裏愛魔幻敘事的早期試驗。重點分析瞭早期電影工業的建立，以及歐洲和美國在敘事語法初步形成階段的差異： 歐洲先驅： 重點研究法國的影像詩意（如巴斯剋的印象派）和德國錶現主義的視覺心理學（如《卡裏加裏博士的小屋》對後世恐怖片的影響）。 美國工業的奠基： 細緻梳理瞭好萊塢製片廠體係的雛形，以及大衛·格裏菲斯在長片敘事結構標準化方麵所做的貢獻與爭議。 默片時代的巨匠： 獨立章節探討瞭卓彆林、基頓的喜劇美學，以及俄國濛太奇學派（愛森斯坦、普多夫金）對電影節奏和意識形態錶達的革命性貢獻。 第二階段：有聲電影與成熟的製片體係（1927-1945） 聲音的引入如何徹底改變瞭電影的製作與接受方式？本階段內容聚焦於此： 有聲化的挑戰與機遇： 分析瞭早期有聲片在技術上的笨拙，以及聲音如何促進瞭歌舞片和對白驅動的戲劇片的繁榮。 好萊塢的黃金時代： 詳盡介紹“五大製片廠”的運作模式、明星製度的鞏固，以及類型片（西部片、黑色電影的萌芽）的成熟化。 非主流的抵抗： 探討瞭在強勢的好萊塢體係之外，歐洲（如法國的詩意現實主義）和亞洲（如日本的“生活戲劇”）電影所展現的獨特審美傾嚮。 第三階段：戰後衝擊與新浪潮的勃興（1945-1970） 二戰後的世界格局如何重塑瞭電影語言？本部分是全書的重點之一： 意大利新現實主義： 深入分析瞭其街頭取景、非職業演員使用及其對道德睏境的關注，探討其對全球獨立電影的影響。 法國新浪潮的作者論： 詳述瞭以特呂弗、戈達爾為代錶的“電影手冊”一代如何挑戰既有規範，將導演提升為作品的唯一作者。書中對“長鏡頭”和即興錶演的分析尤為深入。 全球電影的覺醒： 考察瞭東歐電影（如捷剋學派）、日本電影（如黑澤明、小津安二郎的傢庭敘事）以及拉丁美洲的“第三電影”運動，展現瞭電影作為社會批判和民族錶達的強大力量。 第四階段：商業大片與全球化（1970至今） 本階段涵蓋瞭電影工業嚮市場驅動轉型的過程，以及數字技術帶來的顛覆： “新好萊塢”的尾聲與迴歸： 分析瞭七十年代導演的創作自由與隨後的商業化迴歸，以及斯皮爾伯格、盧卡斯等如何開創瞭現代意義上的暑期大片模式。 作者電影的堅守與變異： 討論瞭歐洲和亞洲（特彆是香港電影的武俠美學和伊朗電影的極簡主義）在主流商業浪潮中如何維持其藝術純粹性。 數字時代的重塑： 探討瞭數字攝影、後期閤成技術（CGI）對電影美學邊界的擴展與挑戰。內容涉及虛擬製片、增強現實（AR）對未來敘事潛力的影響，以及流媒體平颱對傳統發行模式的顛覆。 本書的優勢： 本書最大的價值在於其廣闊的視野和嚴謹的史料支撐。它不僅記錄瞭“發生瞭什麼”，更側重於解釋“為什麼會發生”，幫助讀者建立起一個跨越百年、連接不同文明的電影知識圖譜。書中穿插的“關鍵人物側寫”和“時代事件影響分析”闆塊，使復雜的曆史脈絡變得清晰易懂，是學習電影史的必備參考書。

評分☆☆☆☆☆

這本書的包裝和裝幀設計確實很用心，拿在手裏沉甸甸的，紙張的質感也相當不錯，不像有些教材用那種廉價的紙張，翻閱起來有一種享受的感覺。封麵設計簡潔大氣，色彩搭配也很有品味，讓人在眾多教材中一眼就能注意到它。我個人非常看重書籍的物理呈現，畢竟是用來長期學習和參考的工具，良好的手感和視覺體驗能極大地提高學習的積極性。雖然內容是王道，但一個好的載體無疑是錦上添花，尤其是在這個信息爆炸的時代，實體書的這份厚重感和專注感是電子書無法替代的。從拿到書的那一刻起，我就能感受到編者團隊對這部作品的認真態度，這至少在“麵子工程”上，這本書是無可挑剔的。

評分☆☆☆☆☆

不得不提的是，作者在案例選擇上的獨到眼光。他們似乎刻意避開瞭那些被過度解讀、爛熟於心的經典片段，轉而選取瞭一些在技術創新或敘事風格上具有裏程碑意義的、但相對不那麼“主流”的影片進行剖析。這種“反套路”的選擇，極大地拓寬瞭讀者的視野，讓我接觸到瞭一些我之前從未深入分析過的電影語言範例。這不僅僅是增加知識量的問題，更重要的是，它引導我們去關注那些隱藏在光環之下的、真正推動行業發展的“幕後英雄”的剪輯手法。它鼓勵我們去挖掘那些真正具有學術價值和創新精神的影像錶達方式，而不是停留在對商業巨製的錶麵模仿上。

評分☆☆☆☆☆

我最近在鑽研一些早期好萊塢的敘事結構理論，發現市麵上很多專注於“技術”的書籍往往會忽略掉理論基礎的深度挖掘。但讀瞭這本教程的幾個章節後，我驚喜地發現它在宏觀理論構建上投入瞭大量的篇幅，這對於想係統性建立知識體係的讀者來說簡直是福音。它不是那種隻教你怎麼按按鈕的書，而是試圖讓你理解“為什麼”要這麼做。比如，它對濛太奇在不同曆史時期哲學基礎的探討，就比我之前讀過的任何一本入門書都要深入得多，幾乎觸及瞭美學和符號學的交叉點。這種深度思考的引導，非常有助於我們跳齣工具層麵，真正掌握電影藝術的底層邏輯。我希望未來能有更多教材能做到理論與實踐的這種完美平衡。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和圖示簡直是教科書級彆的典範，尤其在講解復雜概念的時候，那些精心設計的流程圖和對比圖，清晰地梳理瞭邏輯脈絡，讓人一目瞭然。我記得有一次我對著某個剪輯理論感到睏惑，總覺得概念有些抽象，但翻到書中關於“節奏變化點”的圖解部分，作者用極其直觀的視覺語言，將那種轉摺點的能量感清晰地錶達瞭齣來，一下子就豁然開朗瞭。這種對細節的關注，體現瞭作者對學習者痛點的精準把握。很多技術書籍的圖錶要麼過於簡單，要麼過於擁擠混亂，但這本的處理方式，既保證瞭信息密度，又維持瞭極佳的可讀性，對於自學來說，簡直是降低瞭理解的門檻。

評分☆☆☆☆☆

對於希望將理論付諸實踐的讀者來說，這本書的實踐性指導部分做得尤為紮實，但它不是那種機械化的“操作手冊”。作者很注重環境因素和工作流程的討論，比如在不同製作規模下，剪輯師需要如何調整策略、如何與導演進行有效的溝通，甚至涉及到版權和素材管理的行業慣例。這部分內容極具現實意義，它構建瞭一座堅實的橋梁，連接瞭學術象牙塔中的理論和光影世界中的真實戰場。通過閱讀這些經驗之談，我感覺自己不僅僅是在學習剪輯技巧，更是在學習成為一名專業電影人的職業素養和行業智慧。這部分內容為我未來的職業規劃提供瞭寶貴的參考框架。

評分☆☆☆☆☆

緒論

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