美术丛书9（初集第9辑） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄宾虹，邓实 编

图书标签:

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• 初中美术
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• 教学参考
• 素描

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534034435

版次：1

商品编码：11229854

包装：平装

开本：32开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：279

正文语种：中文

内容简介

　　《美术丛书》是上海神州国光社从1911年春开始刊行的一大套关于中国美术的丛书，编者是神州国光社的创办人邓实，后来又有黄宾虹加入。这是集中国古代重要美术著作于一身的大型丛书，依传统四部分类法的“书画、琴谱、篆刻、杂技”，将所收书籍分为“书画类、雕刻摹印类、磁铜玉石类、文艺类、杂记类”等五类，共收书270余种，约300万字。其中书画类最多，占全书七成，其中不甚经见之书，更为言书画者所不可不备。

作者简介

　　黄宾虹（1865-1955），近现代画家、学者。原籍安徽歙县，生于浙江金华。初名懋质，后改名质，字朴存，号宾虹，别署予向、虹叟、黄山山中人。除绘画之外，并从事绘画史论、篆刻的研究和教学。擅画山水，精研传统与关注写生齐头并进。早年受“新安画派”影响，以干笔淡墨、疏淡清逸为特色，为“白宾虹”；八十岁后以黑密厚重、黑里透亮为特色，为“黑宾虹”。其画风苍浑华滋，意境深邃。偶作花鸟草虫亦奇崛有致。曾任杭州国立艺专教授、中国美协常务理事等职。著有《黄山画家源流考》《虹庐画谈》《画法要旨》等。
　　邓实（1877～1951），字秋枚，别署枚子、野残、鸡鸣，风雨楼主，广东顺德人。1877年生于上海。五岁亡父，与弟邓方（字秋门）相依为命。从青年起，便崇拜顾炎武，“喜为经世通今之学”。光绪二十八年（1902）创办《政艺通报》，宣传民主科学思想。后与黄节、章太炎、马叙伦、刘师培等创立国学保存会、神州国光社，出版《风雨楼丛书》和《古学会刊》，主编《国粹学报》，在知识界产生过较大的影响。关心时局，“凡阅国内外月报、旬报、时报至百余种，钞辑成书”，至数百卷之多。弟兄二人，寒夜读书，每及“当世之故”，常慷慨悲歌，饮酒起舞，期期以报国自许。

目录

安吴论书
小山画谱
曝书亭书画跋
说砚
赏延素心録
琉璃志
石友赞
洞天清禄集

前言/序言

美术丛书系列其他分册简介 美术丛书系列旨在系统地梳理和介绍世界及中国美术史上的重要流派、艺术大师及其代表作品，为美术爱好者、专业人士及广大读者提供深入浅出的学术参考与艺术鉴赏指南。本丛书的编纂遵循学术严谨性与艺术普及性的统一，力求呈现一个多元、立体的艺术全景图。 以下为您呈现美术丛书系列中其他重要分册的主要内容概要，这些分册构成了完整的知识体系，但不包含《美术丛书9（初集第9辑）》的具体内容。 --- 《美术丛书1：古代西方艺术的起源与辉煌》 本卷聚焦于西方文明曙光初现至古典盛期的艺术发展脉络。内容详尽探讨了史前艺术（如拉斯科洞穴壁画）的神秘主义与早期符号系统，随后深入解析了古埃及文明的永恒追求，通过对金字塔建筑、陵墓壁画和雕塑（如狮身人面像、图坦卡蒙面具）的细致剖析，揭示其宗教信仰与来世观念对艺术形式的深刻影响。 重点章节投入大量篇幅介绍古希腊艺术的黄金时代。从早期的几何风格到古风时期的“古风式微笑”，再到古典时期的理想化人体表现（如菲狄亚斯、波留克列特斯的作品），详细阐述了“黄金比例”与人文主义精神在雕塑和建筑（帕特农神庙）中的完美融合。同时，本册也涵盖了伊特鲁里亚艺术的过渡性特征及其对罗马艺术的奠基作用。本书的分析侧重于艺术形式如何反映早期西方社会的哲学思辨与政治理想。 --- 《美术丛书2：罗马帝国与拜占庭的艺术遗产》 本册承接古希腊的写实传统，转而关注古罗马艺术的实用性、宏大叙事以及对征服与帝王权威的彰显。内容涵盖了罗马的工程奇迹（如万神殿、引水渠），对希腊雕塑的系统性模仿与创新，以及壁画（庞贝出土）中对日常生活场景的生动描绘。重点分析了纪念性雕塑（如马克·奥勒留骑马像）和凯旋门浮雕在政治宣传中的作用。 随后，本书将视角转向拜占庭艺术的独特风格。在基督教信仰的绝对主导下，艺术从写实转向了平面化、程式化的象征表达。详细考察了圣索菲亚大教堂的恢宏空间结构、马赛克镶嵌画的色彩语言（如查士丁尼大帝组画），以及圣像画（Icon）的制作规范与神学内涵。本册旨在阐明罗马的世俗权力如何在拜占庭的宗教框架中，转化为一种庄严、神秘且极具影响力的视觉语言。 --- 《美术丛书3：中世纪的信仰与结构——罗马式与哥特式》 本书深入剖析了贯穿欧洲中世纪的罗马式艺术和哥特式艺术。 罗马式部分着重介绍修道院建筑的堡垒式厚重感、幽暗的内部空间，以及其对外墙和卷轴门楣上布满的教化性浮雕的描绘。这些雕塑和壁画，服务于文盲大众的教化需求，风格粗犷而富有力量。 哥特式部分则聚焦于“光的建筑”——宏伟的哥特式大教堂。内容详细解析了尖拱、肋拱和飞扶壁等结构创新如何使得建筑得以向上无限延伸，引入彩色玻璃花窗，将自然光转化为神圣之光。对兰斯大教堂、沙特尔大教堂等经典案例的建筑形制、雕塑群（如“微笑天使”）的演变及其对“人性化”宗教表达的尝试进行了细致的图解与论述。 --- 《美术丛书4：文艺复兴的觉醒——早期与盛期大师》 本卷标志着艺术史的重大转折点，聚焦于15世纪和16世纪意大利的文艺复兴运动。 早期文艺复兴部分，重点分析了佛罗伦萨如何成为艺术的摇篮。详细研究了透视法（布鲁内莱斯基）的科学确立、解剖学在雕塑和绘画中的回归（多那太罗的《大卫》），以及马萨乔对光影的突破性运用。 盛期文艺复兴部分则达到高潮，系统介绍“三杰”的艺术成就：达·芬奇对科学与艺术的融合（《蒙娜丽莎》的神秘性、素描技巧）、米开朗基罗对人体潜能的极致探索（西斯廷天顶画、《大卫》雕像）以及拉斐尔对和谐与理想美的追求（《雅典学院》）。本册着重探讨了人文主义思想如何解放了艺术家，使其成为独立的创造者。 --- 《美术丛书5：北方文艺复兴与风格的多元化》 本册将目光投向阿尔卑斯山以北的艺术发展，展现了与意大利截然不同的艺术气质。 内容详述了尼德兰文艺复兴的特点，即对自然细节的极致描摹、对油画媒材特性的深入挖掘（凡·艾克的油画技术革命）。重点分析了扬·凡·艾克的《根特祭坛画》中复杂而精妙的象征符号系统，以及对世俗生活场景的细致入微的描绘。 同时，本卷也涵盖了德国文艺复兴，尤其是丢勒的版画艺术，探讨了其如何将意大利的造型观念与北方的虔诚精神相结合。此外，本书还收录了老勃鲁盖尔对风俗画的开创性贡献，展示了北方艺术如何将宗教主题与日常经验紧密联系起来。 --- 《美术丛书6：巴洛克与洛可可的激情与奢华》 本册探索17世纪至18世纪上半叶，艺术如何从文艺复兴的理性回归到情绪的表达。 巴洛克艺术部分，聚焦于罗马作为中心的反宗教改革运动的艺术工具。详细分析了卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Chiaroscuro）带来的戏剧性冲击、贝尼尼雕塑中捕捉瞬间动态的技巧（《圣特蕾莎的狂喜》），以及鲁本斯作品中饱满的生命力和动感。本部分旨在展示巴洛克艺术如何通过宏大场面和强烈的感情来打动观众。 洛可可艺术部分，则描绘了法国宫廷文化下的艺术转向。重点分析了华托、布歇等艺术家如何创作出轻盈、柔美、充满享乐主义色彩的室内装饰风格和绘画主题。本书对比了巴洛克与洛可可在空间处理、色彩运用和主题选择上的根本差异。 --- 《美术丛书7：启蒙时代与古典复兴——新古典主义的回归》 本卷考察18世纪后期至19世纪初期，在启蒙运动和考古发现的推动下，艺术如何寻求秩序与道德的重建。 内容详述了新古典主义如何摒弃巴洛克和洛可可的浮华，转而推崇古希腊罗马的简洁、庄重与英雄气概。重点分析了雅克-路易·大卫的政治性绘画（如《贺拉斯兄弟之誓》）如何成为法国大革命和拿破仑时代的官方美学，以及安格尔在造型精确性上的不懈追求。本书探讨了理性主义如何重新主导视觉艺术的表达方式。 --- 《美术丛书8：浪漫主义的激情与风景的崛起》 本册深入探究19世纪初期对古典秩序的反叛，艺术开始歌颂个体情感、自然伟力和异域风情。 浪漫主义艺术部分，重点分析了西班牙的戈雅如何以前瞻性的视角描绘战争的残酷与人性的阴暗面，德拉克洛瓦如何用奔放的色彩和动态构图表达自由与反抗（如《自由引导人民》），以及英国风景画家特纳和康斯太勃尔如何将自然景观提升到近乎崇高的精神境界。本册强调了情感的真实性高于形式的完美性这一核心理念。 --- 《美术丛书10：印象派的光影革命与后印象派的探索》 本册涵盖了19世纪下半叶影响深远的艺术变革。 印象派部分，详细介绍了艺术家们如何走出画室，聚焦于瞬间的光影捕捉和户外的色彩实验。内容涵盖了莫奈对光线变化的系统性观察、雷诺阿对日常愉悦场景的描绘、德加对现代都市生活和动态瞬间的捕捉。分析了摄影技术对绘画观念的冲击，以及笔触的“可见性”如何挑战了学院派的传统。 后印象派部分则展现了艺术家们如何超越纯粹的视觉印象，开始注入更深层的结构、情感和象征意义。重点剖析了塞尚对几何形体的结构化探索、梵高对色彩的主观表达（表现主义先声）、以及高更对原始与象征的追寻。这些探索直接为20世纪的现代艺术开辟了道路。 --- 《美术丛书11：20世纪的爆发——野兽派、立体主义与未来主义》 本卷是现代艺术的集中爆发点。内容详述了野兽派（马蒂斯）如何解放色彩，使其脱离对物体的描摹，独立成为表达情绪的工具。 随后，重点剖析立体主义（毕加索、布拉克）如何彻底颠覆文艺复兴以来的单视角观察法，将物体解构、重组并以多重视角同时呈现于二维平面上。本书细致区分了分析立体主义和综合立体主义的区别与发展。 最后，本册介绍了未来主义，探讨了艺术家如何试图捕捉速度、机械化和动态流变，将艺术与工业时代的活力紧密结合。 --- 《美术丛书12：抽象的诞生与表现主义的呐喊》 本册探讨了艺术如何彻底摆脱具象束缚，以及在两次世界大战前夕艺术家的精神焦虑。 抽象艺术的起源部分，详细梳理了康定斯基的“精神在艺术中的作用”理论，以及他如何发展出抒情抽象（Lyrical Abstraction）和几何抽象（Geometric Abstraction）的先声。 表现主义部分，则聚焦于德国的“桥社”和“蓝骑士”团体。重点分析了克里姆特、席勒在维也纳的探索，以及德国艺术家如何通过扭曲的线条和极端的色彩来表达焦虑、异化和对社会病态的批判。 --- 《美术丛书13：二战后的艺术格局——抽象表现主义与欧洲新艺术运动》 本书聚焦于二战后艺术世界的中心转移和新的艺术思潮。 抽象表现主义（美国）是核心内容，详细分析了纽约学派的崛起。重点介绍波洛克“行动绘画”中身体介入画布的创作过程、罗斯科对“色域”的沉思性探索，以及德·库宁对具象残余的挣扎。本书分析了美国艺术如何确立其全球领导地位。 同时，本册也对比研究了欧洲在战后对美国模式的反思，如法国的“无形式艺术”（Art Informel）和意大利的“原生艺术”，以及围绕物质性与偶发性的探索。 --- 《美术丛书14：波普艺术、极简主义与观念的胜利》 本册讲述了1960年代对艺术界“严肃性”的反叛。 波普艺术部分，重点分析了安迪·沃霍尔和李奇登斯坦如何利用商业图像、大众文化符号和丝网印刷技术，模糊了高雅艺术与商业艺术的界限，探讨了消费主义对身份认同的影响。 极简主义部分，则关注艺术的去个人化倾向。详细考察了唐纳德·贾德、卡尔·安德烈等艺术家如何专注于作品的材料性、空间关系和工业制造性，将艺术从“再现”推向了“存在”。 观念艺术的兴起，作为本册的总结，探讨了“艺术不在于物体，而在于思想”的核心理念，以及如何通过文本、行为和文件来完成艺术创作。 --- 《美术丛书15：当代艺术的全球化视野与新媒介探索》 本卷涵盖了20世纪末至今的多元化艺术实践。内容包括： 后极简主义与大地艺术：对环境、规模和观看经验的再定义（如史密森的《螺旋防波堤》）。 新表现主义与涂鸦艺术的影响：对绘画性与主观性的回归与修正。 录像艺术与装置艺术的成熟：探讨新媒介如何拓展了艺术叙事的时间维度和空间体验（如白南准的作品）。 全球化背景下的身份政治：分析当代艺术如何介入社会议题，包括女性主义艺术、后殖民理论在视觉艺术中的体现。 本册旨在展现当代艺术的复杂性、跨学科性及其对文化、技术、社会结构的持续性批判与对话。

评分☆☆☆☆☆

我这次是冲着里面收录的某个特定时期欧洲印象派大师的早期草稿和未完成作品而来的，但惊喜地发现，这第九辑的选材视野比我想象的要开阔得多。它不仅仅是停留在我们耳熟能详的“名作赏析”上，而是深入挖掘了一些鲜为人知的中生代艺术家的实验性作品。特别是关于色彩理论在立体主义初期如何被颠覆性应用的章节，论述得深入且鞭辟入里。作者并未停留在简单的理论复述，而是通过大量精选的局部放大图，结合当时艺术家的私人信件摘录，构建了一个极具说服力的论证链条。阅读过程中，我仿佛置身于那个思想碰撞的年代，那些线条和笔触不再是僵死的图像，而是充满了生命力和内在的逻辑冲突。这种由浅入深，由表及里的分析方法，极大地提升了我的审美认知，让我对“形式追随功能”这句话有了更立体和多维的理解，绝对是专业人士进阶学习的宝贵资料。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年奔波于各类艺术展览之间的摄影师，我对书籍的“纪实性”要求极高，而这套《美术丛书》在图像还原度上确实达到了惊人的水平。我特意对比了书中收录的几幅洛可可风格的室内设计图，发现即便是那些极其细腻的丝绸褶皱、微小的光影反射，都通过高级的印刷技术得到了忠实的再现。色彩的饱和度和过渡的平滑度几乎与原作在光线下呈现的效果没有太大偏差，这对于研究光线如何塑造空间氛围至关重要。要知道，很多印刷品为了追求视觉冲击力，往往会过度锐化或加重阴影，但这里的处理非常克制，保持了原作的“呼吸感”。我甚至能从书页上感受到不同材质（如大理石的光滑、木材的粗粝）的质感差异，这在其他同类出版物中是极其罕见的成就。它为我提供了一个可以随时随地、高精度复习艺术史细节的“移动画廊”。

评分☆☆☆☆☆

这套《美术丛书9（初集第9辑）》的装帧设计简直是艺术品。封面采用了那种略带纹理的哑光纸张，触感温润而厚重，中央的烫金浮雕工艺勾勒出的主体图案，隐约透着古典与现代交织的张力。色彩搭配上，主色调是沉稳的深青与典雅的米白，既不张扬，又能瞬间抓住眼球，让人立刻联想到博物馆里那些珍藏的古代画册。我特别喜欢它内页的排版，大量留白的处理，使得每一幅作品都有足够的呼吸空间，不会显得拥挤。字体选择也十分考究，宋体的锐利与黑体的稳健完美结合，无论是阅读文字介绍还是细品图像细节，都极为舒适。装订工艺扎实可靠，厚厚的书脊能保证它经久不衰，即便频繁翻阅，也不会轻易散架。光是捧在手里，就能感受到出版方对“丛书”二字的敬畏与投入，这已经超越了一本普通画册的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品本体。那种油墨的清香混合着纸张特有的干燥气息，每次打开都像是一次仪式感的开启，让人对手中的内容充满期待。

评分☆☆☆☆☆

关于价格和实用性的权衡，我必须说，这套书绝对物超所值。我曾为了研究某一个特定时期的建筑装饰细节，花费了数倍的价格去购买零散的、质量参差不齐的专业期刊，但收获的效率远不如这一本综合性的丛书。它的知识密度高得惊人，每一页几乎都包含了至少一个值得深入思考的论点或一个需要仔细辨认的细节。虽然内容深度要求读者具备一定的艺术基础，但即便是初学者，也能通过其清晰的图文注释，逐渐进入到更高层次的鉴赏领域。它不是那种只供“翻阅”的摆设品，而是真正可以“研读”的工具书。我甚至打算将其中一些关键的比较分析部分，作为我未来工作坊的参考材料。这种兼顾学术严谨性与可读性的平衡点，是很多艺术出版物难以企及的高度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始有点担心这个“初集第9辑”的连贯性问题，担心它会不会像一个拼凑起来的大杂烩。然而，通读下来发现，编辑团队的编排逻辑非常严密且富有匠心。本辑的核心主题似乎围绕着“从具象到抽象的过渡期”，它巧妙地选取了不同地域、不同媒介（绘画、雕塑、装置）的作品进行平行对比。例如，当我在讨论版画对空间解构的尝试时，紧接着就会出现一位东方水墨画家的留白处理，这种跨文化的参照，极大地拓宽了我的思维边界。它不仅仅是简单地罗列作品，更像是在引导读者进行一场高阶的艺术对话。这种非线性的、主题驱动的编排方式，使得阅读体验非常流畅且充满惊喜，你永远不知道下一页会出现哪种意料之外却又合理的关联，强烈推荐给那些厌倦了传统按时间顺序讲解艺术史的读者。