中国美术简史 (增订本)+外国美术简史 全2册高等教育中外美术史书 中央美术学院 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 北京环球视图图书专营店

出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500646501

商品编码：12008746930

丛书名： 中国美术简史 (增订本)

开本：16开

出版时间：2015-02-01

套装数量：2

注意:避免们误会，实际出版时 中国美术史【没有塑封】 外国美术史【是塑封】

中国美术简史(新修订本）

出版社: 中国青年出版社; 第2版 (2010年6月1日)

平装: 443页

正文语种: 简体中文

开本: 16

ISBN: 9787500646501

作者：中央美术学院美术史系、 中国美术史教研室

定价：50.00

 

编辑

《中国美术简史(新修订本)》是一本关于中国美术发展的通史类教材，适合美术专业的学生、教师，美术爱好者作为工具书来使用。
读者可以从中了解到中国美术各门类的发展演变与重要的美术现象、美术流派、美术家和美术作品；熟悉中国美术的自身发展与美术同政治、经济、文化、宗教等相关因素相结合的情况；查阅可靠的美术文物图片和文献资料。

内容

中国美术简史(新修订本)的前身《中国美术简史》系大专教材，由中央美术学院美术史系中国美术史教研室集体编写。原系主任薛永教授主持，原中国美术教研室主任李树声教授协助主持。1989年12月完稿，1990年9月由高等教育出版社出版。
1999年，由于《中国美术简史》深受社会欢迎，同时，距离次出版已过去10年，为了反映10年来中国美术史研究的长足进步，满足读者的新要求，原书亟需增补新资料、吸收新成果、体现新认识，并修订疏漏之处，这一想法得到了中国青年出版社的支持，为此成立了《增订中国美术简史》编辑委员会，由薛永年、罗世平任主编、李树生、尹吉男、赵力任副主编，历时两年编写，增加了自古及近的书法篆刻内容、自1911年至1949年的近代美术等内容，增补了新发现、新成果和新认识，于2002年出版《中国美术简史》（增订本）。
2010年，在保持原书纲目体例基础上，编写者重新审阅全书，增补了新的研究成果及考古发现，并查缺补漏；校正了原版的错讹字；对于原书个别不理想的图片，进行了调整，出版了“新修订本”，使这本书进一步得到完善。
全书以中国美术发展的阶段性为纲，以各美术门类在同一时期的演进为纬。注意了四个结合：普及中国美术史基本知识与反映新研究成果相结合；呈示中国美术各门类的发展演变与阐述重要的美术现象、美术流派、美术家和美术作品相结合；显现中国美术的自身发展与揭示美术同政治：经济、文化、宗教等相关因素相结合；运用翔实的文献资料与使用可靠的美术文物(包括新发现的重要作品)相结合。
《中国美术简史》为按照发展过程显示中国美术及其诸品类发展演进全貌的美术通史，力求史论结合，着重从美术发展脉络的条缕分析及其因果关系的阐发中体现具有一定概括性并密切联系历史实际的理论知识，力避脱离历史进程与美术现象的泛泛发挥、力避材料堆砌和作品铺陈；本书所涵括的历史时空自上古至1949年，以全中国版图内各民族美术为范围，所涉及的美术类别为建筑、绘画、雕塑、工艺、书法篆刻等造型艺术。综括的美术文化系统含宫廷美术、文人美术和民间美术；宗教美术与世俗美术、实用美术与纯美术。
本书的装帧由的设计家宁成春设计，内文体例清晰，版式便于阅读，图片安排合理，对于读者初步了解中国美术史有很大的帮助

 

作者简介

由中央美术学院美术史系中国美术史教研室编著
主编：薛永年、罗世平，副主编李树生、尹吉男、赵力，
撰稿人：汤池、邵彦、王泷、罗世平、薄松年、尹吉男、薛永年、赵力、杜鹃、李树生、曹庆晖

目录

增订本编写说明
修订说明
编：史前及先秦美术
第二编：秦汉美术
第三编：魏晋地南北朝隋唐美术
第四编：五代宁元美术
第五编：明清美术
第六编：近现代美术

 

基本信息

书名:外国美术简史-(彩图增订版)

：49.8元

作者:中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室 编

出版社：中国青年

出版日期：2014-10-01

ISBN：9787515324166

字数：

页码：360

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：

编辑

 

针对艺术类院校艺术史、环艺等相关专业学生。

为重点及二、三类本科院校艺术史通选课学生教材。
简洁明了，满足零基础读者和学生的需求。配图丰富，满足当代学生阅读需求。
由中央美术学院人文学院美术史系外国美术史教研室编著，邵大箴担任主编，易英、李建群担任副主编，常！

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目录

 

前言
章 原始、古代美术概况
节 原始美术
第二节 古代两河流域美术
第三节 古代埃及美术
第四节 爱琴美术、古代希腊美术
第五节 古代罗马美术
第二章 欧洲中世纪美术概况
节 早期基督教美术
第二节 拜占庭美术
第三节 蛮族艺术和加洛林文艺复兴
第四节 罗马式美术
第五节 哥特式美术
第三章 欧洲文艺复兴时期美术概况
节 意大利文艺复兴时期美术
第二节 尼德兰文艺复兴时期美术
第三节 德国文艺复兴时期美术
第四节 西班牙文艺复兴时期美术
第五节 法国文艺复兴时期美术
第四章 17、18世纪欧洲美术概况
节 17、18世纪意大利美术 .
第二节 17世纪佛兰德斯美术
第三节 17世纪荷兰美术
第四节 17、18世纪西班牙美术
第五节 17、18世纪法国美术
……

 

内容提要

 

《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”级规划教材》初由高等教育出版社于1990年出版，是全国大部分艺术院校选用的美术史教材。
2007年，为了规范和发展美术史教学，作者对原书稿进行了勘误和增订，并交由我社出版《外国美术简史》（增订本）。增订本各章节均补充了该领域的学术研究新成果；并特别在章前设总论，总述该时期外国美术发展的阶段性特点、与社会诸因素的具体联系、美术各门类升沉起伏的线索及主要成就；为全书新增了余张配图，并将文图混排，方便读者查阅。《外国美术简史》（增订本）被教育部高等教育列为普通高等教育“十一五”级规划教材。
2014年，为了更好地满足现代读者的阅读需求，同时提升该书的视觉美感，我社与作者通力协作，对《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”级规划教材》进行了新研究成果的增补，并将全书的大部分图片替换为彩图，并正式更名为《外国美术简史（彩插增订版）/普通高等教育“十一五”级规划教材》。

文摘

 

 

第六章 20世纪美术
20世纪世界上重大的事件有：资本主义之间为争夺劳动力、生产资源和市场发动了次世界大战；俄国社会主义革命产生巨大的影响，东方随之兴起；空前残酷的第二次世界大战以及之后美苏争霸和冷战；工业和科技的发展给人类带来的福利以及由此造成的新问题；否定传统思维给人类文化带来的可能性和由此产生的严重危机；各种新的哲学和美学思潮活跃了人们的思维又带来极大的混乱。在“革命”的旗号下，美术创作空前活跃，同时也丧失恒定的判断标准。现代主义在西方成为主流，但也遇到新的问题。现实主义艺术受到挑战，但经过调整后继续发展，在苏联及东欧各国一度成为主流，在西欧和美国也出现新形态的现实主义美术。西方20世纪初的现代美术大致可以划分为两个阶段：个阶段是20世纪初至1945年“二战”结束；第二阶段是自1945年之后至。阶段，“现代主义”（Modernism）占主流地位，兼有其他传统的、学院的流派，现代主义中心在巴黎。第二阶段，从20世纪50年代起，出现一种与现代主义既有联系又有区别的艺术思潮和流派，人们将其称为“后现代主义”（Post-Modernism）和“晚期现代主义”（Late-Modernism），其中心转移到纽约。

 

史海拾遗：中外艺术经典与思潮探微 引言：穿越时空的艺术对话 本书旨在为读者提供一个广阔而深入的艺术史视野，聚焦于人类文明进程中那些最具代表性的艺术流派、大师及其作品。我们摒弃对既定教材的简单复述，转而深入剖析不同时代背景下艺术家的精神世界、创作理念的演变，以及艺术如何成为记录社会变迁、反映时代思潮的有力载体。全书分为上、下两卷，分别侧重于西方艺术的脉络梳理与东方艺术的独特魅力，力求在宏观叙事中不失对细节的精雕细琢。 --- 上卷：西方艺术的恢弘史诗——从洞穴壁画到后现代的思辨 第一部分：古典的奠基与精神的升华（史前至中世纪） 本卷的开篇将带领读者回到人类艺术的源头——史前时期的洞穴壁画。我们不会停留在对狩猎场景的简单描摹，而是探讨这些原始图腾背后蕴含的宗教信仰、生存哲学以及早期符号系统的建构。 随后，我们将深入古希腊与古罗马的艺术殿堂。重点解析古典主义（Classicism）精神的核心——对“完美比例”的极致追求，以及雕塑艺术如何承载了人文主义的曙光。这不是对帕特农神庙或米洛的维纳斯的流水账式介绍，而是探讨苏格拉底式的理性精神如何渗透到艺术形式的结构之中，以及罗马帝国如何将希腊的艺术语言转化为服务于帝国权力与工程技术的实用美学。 中世纪的艺术被冠以“黑暗时代”的标签，但我们着重呈现其内在的深刻性。拜占庭艺术的金色马赛克如何以象征主义和神圣光芒对抗世俗现实；罗马式（Romanesque）建筑的厚重与坚韧如何映射出修道院文化的权威；而哥特式（Gothic）的飞扶壁、肋拱与彩色玻璃，则被解读为对“天堂之城”的物质化向往，是中世纪神学思想的视觉化表达。我们将特别关注这些建筑如何影响了民众的精神生活和城市空间布局。 第二部分：文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情（14世纪至17世纪） 文艺复兴是西方艺术史上的关键转折点。本部分将超越“人文主义复兴”的口号，细致分析透视法（Perspective）的发明和运用如何彻底改变了艺术家观察和再现世界的方式。我们将重点研究达·芬奇的“晕染法” (Sfumato) 如何营造神秘的氛围，米开朗基罗对人体解剖学的掌握如何赋予雕塑以生命力，以及威尼斯画派（如提香）在色彩运用上的革命性贡献。 巴洛克艺术的登场，是对文艺复兴盛期宁静和谐的反叛。这一时期的艺术充满了动感、戏剧性、强烈的明暗对比（Chiaroscuro）以及对情感的极端捕捉。卡拉瓦乔的“强光下的现实主义”，贝尼尼雕塑中捕捉“瞬间”的技法，以及鲁本斯笔下丰沛的生命力，都将被置于欧洲宗教改革与反宗教改革的宏大历史背景下考察。 第三部分：启蒙、革命与浪漫的交织（18世纪至19世纪中叶） 启蒙运动催生了新古典主义（Neoclassicism），它试图回归古希腊罗马的秩序与道德，以雅克-路易·大卫的作品为例，分析艺术如何成为社会政治宣传的工具。 然而，对理性和秩序的反思很快引向了浪漫主义（Romanticism）的爆发。德拉克洛瓦的色彩激情、戈雅对人类非理性面的揭示，以及透纳对自然力量——特别是光与雾——的痴迷，共同构筑了一种以主观情感和个人体验为核心的艺术世界观。我们将探讨这种从“客观再现”向“主观抒发”的转向，对后世现代艺术的决定性影响。 第四部分：现代性的碎片与重构（19世纪后半叶至今） 本部分聚焦于艺术如何主动切断与传统学院派的联系，拥抱工业革命带来的新物质、新视角和新的社会结构。 印象派与后印象派： 重点分析莫奈对光影瞬间的捕捉，塞尚对形体结构的几何化解构，以及梵高和高更对色彩的主观情感投射。这不是简单的技法介绍，而是对照相技术挑战下“绘画的本质是什么”的深刻追问。 20世纪的激进革命： 深入解析野兽派（Fauvism）对色彩的解放、立体主义（Cubism）对多视点空间的探索，以及未来主义（Futurism）对速度与机械时代的膜拜。 抽象的诞生与战争的回响： 考察康定斯基如何将绘画引向纯粹的精神领域，蒙德里安如何追求终极的秩序与和谐。同时，超现实主义（Surrealism）对潜意识的挖掘，以及达达主义（Dadaism）对传统美学和逻辑的彻底颠覆，将被视为对两次世界大战创伤的反思与批判。 --- 下卷：东方艺术的深邃意境——从史前陶器到当代思潮 第一部分：东方文明的早期图景与精神内核（史前至唐宋） 本卷着眼于与西方艺术并行发展，却根植于截然不同哲学土壤的东方艺术。我们将从史前红山文化、良渚文化的玉器入手，探讨其礼仪功能与宇宙观的体现。 中国艺术的独特视角： 重点分析中国早期艺术中“气韵生动”的审美范畴，这与西方强调的“形似”形成鲜明对比。我们会深入探讨魏晋南北朝时期“士人精神”对山水画的塑造，以及书法艺术如何超越实用性，成为纯粹的抒情媒介。 宋代的“理学影响下的极简主义”是探讨的重点。我们不只是罗列院体画的精细，而是分析范宽、郭熙等大师如何通过留白、墨法的变化，表达对宇宙秩序的体悟，实现“胸中有丘壑”的境界。 佛教艺术的东传与融合： 分析印度佛教艺术如何通过丝绸之路传入中亚，并在敦煌、云冈、龙门等地与本土文化交融。重点关注“犍陀罗艺术”的希腊化影响，以及中国化进程中，佛像面部表情从异域的威严转向东方的慈悲。 第二部分：世界视野下的非欧洲艺术（日本、伊斯兰、美洲） 为了构建更全面的艺术史观，本部分拓宽了地域视野。 日本艺术的精致与物哀： 探讨平安时代的大和绘的装饰性，室町时代水墨画的禅宗意境，以及江户时代浮世绘（Ukiyo-e）如何以其平面化的构图和对世俗生活的描绘，反过来影响了后来的西方现代主义。 伊斯兰艺术的几何与书法： 重点分析伊斯兰世界因偶像崇拜禁令而发展出的几何镶嵌艺术（Tessellation）、精致的植物纹样（Arabesque）以及书法作为最高艺术形式的地位。这些艺术形式体现了对无限与统一的追求。 美洲原住民的宇宙观： 简要介绍前哥伦布时期阿兹特克、玛雅文明的建筑、雕塑和陶器，它们如何直接服务于神话体系和祭祀需求，展现出与欧亚大陆截然不同的符号系统。 第三部分：近现代的碰撞与张力（19世纪末至今） 本部分将审视东方艺术在遭遇西方现代性冲击后的反应。 日本明治维新后的“和洋折衷”： 分析日本艺术家如何吸收西方油画技法，同时试图保留本民族的审美趣味。 中国艺术的转型： 探讨清末民初“中西融合”的探索，如徐悲鸿的中西写实主义结合，以及齐白石如何将民间艺术提升至文人画的新高度，形成独特的现代水墨风格。 当代艺术的全球语境： 聚焦当代亚洲艺术在后殖民语境下，对身份认同、传统继承与全球化挑战的回应。分析当代艺术家如何运用新的媒介（如装置、影像）来解构历史叙事，表达对社会现实的批判或调和。 --- 结语：艺术史作为一种理解世界的方式 全书的结论部分将回归方法论，探讨艺术史研究的意义。它不仅仅是关于“谁画了什么”的记录，更是关于人类如何通过视觉媒介来组织经验、构建意义、表达无法言喻之情感的学问。本书致力于培养读者批判性地“看”的能力，使艺术作品成为我们理解人类共同命运和个体差异的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真是让人眼前一亮，简约而不失厚重感，尤其是那个增订本的《中国美术简史》，拿到手里沉甸甸的，感觉就像捧着一部沉淀了深厚学术底蕴的著作。封面设计上，那种古典与现代交融的韵味，恰到好处地烘托出中国美术跨越千年的演变历程。书本的纸张质量也非常棒，印刷色彩准确，即便是对细节要求很高的唐宋绘画摹本，也能看出清晰的层次感和笔触的力度。翻阅内页时，那种愉悦的触感和视觉享受，让阅读过程本身变成了一种享受。我特别喜欢它在排版上的用心，图文的配合既不拥挤也不疏散，关键的历史图像和文字阐述紧密结合，使得在学习复杂的美术史脉络时，视觉引导非常有效。比起过去那些内容陈旧、配图模糊的教材，这套书无疑是为新时代的美术学习者量身打造的精品，光是看着它们摆在书架上，就觉得整个书房的格调都提升了好几个档次。

评分☆☆☆☆☆

这套书的文字叙事能力，简直可以说达到了散文般的流畅。虽然本质上是严谨的教科书，但在描述那些辉煌的艺术瞬间时，作者们展现出了极强的文学功底。读到米开朗基罗在西斯廷教堂穹顶上挥洒汗水的那段描述时，我仿佛能闻到石灰的气味，感受到他近乎偏执的创作状态。这种将历史的“温度”和艺术家的“心跳”融入文字的能力，是很多学术著作所欠缺的。它不是冷冰冰的知识点堆砌，而是一部有血有肉的艺术编年史。即便是像我这样对某些艺术史细节已经有所了解的读者，在阅读过程中，依然会被那种被历史洪流裹挟着的感染力所打动，让人迫不及待地想去寻找原作进行比对印证。

评分☆☆☆☆☆

从学习工具的角度来看，这套书的结构设计简直是为自学者量身打造的良心之作。每一个章节的引言都清晰地概括了本章的重点和要解决的问题，章节末尾的总结和推荐阅读书目也给出了明确的进阶路径。我特别欣赏它在处理复杂术语时所采用的注释系统，清晰、不打断阅读的连贯性，但需要时又触手可及。对于需要准备考试或进行论文写作的学生来说，这种结构化的知识体系梳理是无价的。它不仅教授了“是什么”，更教会了“如何去思考艺术史问题”，培养了一种系统性的、批判性的研究方法论。坦白说，市场上不乏美术史书籍，但能将学术深度、可读性与教学实用性完美融合到这个程度的，实在凤毛麟角。

评分☆☆☆☆☆

内容上，我发现《外国美术简史》的部分着实是花了大气力打磨的，它没有那种简单罗列流派和大师名字的窠臼，而是极其细腻地剖析了不同历史时期西方艺术思潮的内在逻辑和相互影响。比如，它对文艺复兴时期人文主义精神如何渗透到雕塑和绘画中的论述，层次极其分明，从佛罗伦萨的工匠精神到罗马的古典复兴，再到威尼斯画派的色彩革命，每一个转折点都解释得清晰透彻。尤其是一些相对晦涩的早期艺术概念，作者们似乎总能找到最贴切的比喻和最简练的语言来阐释，这对于初涉外国美术史的读者来说，简直是福音。我感觉自己不只是在背诵知识点，而是在参与一场跨越时空的思想对话，理解了为何艺术会那样发展，而不是仅仅知道“它发展成了那样”。这种深度挖掘背后驱动力的写作手法，非常高明。

评分☆☆☆☆☆

关于《中国美术简史（增订本）》的更新之处，我体验感最为深刻。相较于我之前接触的旧版资料，这次的增订无疑是紧跟了最新的考古发现和学术研究动态。比如，对早期岩画和青铜器纹饰的研究解读，明显增添了许多新的解读视角，不再是那种“定论式”的论述，而是呈现出一种开放的、多重解释的可能性。这种学术上的与时俱进，体现了中央美院作为顶尖学府的严谨态度。此外，它在对近现代中国艺术的梳理上，也更加全面和客观地评价了“五四”新文化运动以来艺术家的探索与挣扎，没有过度拔高或贬低任何一个时期，而是将其置于宏大的社会历史背景下进行审视。这种平衡的视角，对于构建一个全面、立体的中国艺术图景至关重要。