MoMA的绘画和雕塑 [Painting and Sculpture at The Museum of Modern Art] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 安·特姆金（Ann Temkin） 著，乔凌霄 译

图书标签:

• MoMA
• 现代艺术
• 绘画
• 雕塑
• 艺术史
• 博物馆藏品
• 美国艺术
• 20世纪艺术
• 现代主义
• 艺术鉴赏

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550284845

版次：1

商品编码：12012401

包装：精装

外文名称：Painting and Sculpture at The Museum of Modern Art

开本：16开

出版时间：2016-12-01

用纸：铜版纸

页数：256

字数：191000

产品特色

编辑推荐

　　本书邀读者走近观看现代艺术博物馆的珍藏——跨越126年时间的绘画和雕塑艺术佳作。读者可以同时欣赏到划时代的经典作品、大师的“冷门”之作，还有现当代艺术史中涌现出的标志性作品。

　　绘画和雕塑部首席策展人在引言中为读者揭开作品入藏历程的神秘面纱，将馆藏建立者的倾尽心血之举尽数道来。

　　高质量大图呈现出丰富清晰的细节与真实的色彩，精心编排的每组对页实现了相映成趣的视觉效果，也为读者提供了继续探寻、对比作品的表现意图的机会。

内容简介

　　本书为2014年纽约现代艺术博物馆（MoMA）在迎来其85周年馆庆之际推出的艺术画册，由绘画和雕塑部首席策展人安·特姆金与同事们同心协力，甄选出跨越126年时间的200多件绘画和雕塑作品，为读者呈现一场精彩、细腻的“现当代艺术纸上展览”。读者通过阅读作者精心撰写的引言，能够了解MoMA绘画和雕塑收藏的发展历史与艺术史的往昔和当下。高清的大幅图片更能让读者产生对这些艺术作品的直观认识，获得对艺术家的创作方法及理念的独特体会。

作者简介

　　安·特姆金（Ann Temkin），耶鲁大学艺术史博士，曾任费城艺术博物馆现当代艺术部策展人，现任纽约现代艺术博物馆绘画和雕塑部首席策展人、纽约大学艺术研究院当然董事、加州艺术学院监察委员会委员。自2003年起她已在MoMA工作逾十年，曾为罗伯特·戈贝尔、贾思培·琼斯等著名当代艺术家的展览策展。

内页插图

目录

前言 …………………………… 7

引言 …………………………… 9

图版 ……………………………19

作品索引 ………………………245

前言/序言

　　我们非常高兴地将此通观现代艺术博物馆［The Museum of Modern Art (MoMA)］中绘画及雕塑作品的全新画册呈现在世人面前。书中收录了从19世纪晚期至今创作的作品，涵盖了本馆收藏的全部历程。2014年是博物馆成立85周年，这意味着它不再是最初几十年当中那个年轻的新秀。但秉承着博物馆成立之初所特有的高品位的开放性，馆藏正以最佳状态继续扩充发展。

　　本书收录的绘画及雕塑作品，只展现了现代艺术博物馆收藏活动的一个方面。本馆的藏品还包括素描、版画、摄影、建筑、设计、多媒体、行为艺术及电影作品。在本馆的展厅里，属于不同艺术领域的作品相互呼应，从而为参观者提供了可以向西方文化史中最为杰出的时代之一的成就进行研究、提问和欣赏的机会。

　　我们向绘画和雕塑部玛丽-约瑟与亨利·克拉维斯（Marie-Jose and Henry Kravis）首席策展人安·特姆金（Ann Temkin）致以深深的感谢，她不仅撰写了后面的文章，还甄选出本书要收录的作品，并且为图片进行了排序。在此期间，她受益于绘画和雕塑部策展同事们的慷慨建议，特别是塔利亚·考特勒（Talia Kwartler）、卡拉·马内斯（Cara Manes）和宝琳娜·普布甲（Paulina Pobocha）提供了特别协助。我们还要感谢出版部的同人，特别是监督本书制作的马克·萨丕尔（Marc Sapir），以及设计师米可·麦金蒂（Miko McGinty）。

　　最重要的是，我们要感谢董事会成员，以及其他使我们的藏品不断丰富的捐赠人的慷慨奉献。我们的藏品全部是以赠予的方式获得的，有些是直接赠予的，有些是通过捐赠基金和捐款而购买的。正是因为董事会和捐赠者为本馆做出无可比拟的努力，我们的收藏才得以实现，并在21世纪继续蓬勃地扩充。

　　格伦·D·劳瑞（Glenn D. Lowry）

　　现代艺术博物馆馆长

好的，这是一份关于“MoMA的绘画与雕塑”之外的其他艺术主题图书的详细简介，字数约为1500字，力求内容详实，避免出现明显的AI痕迹。 --- 图书名称：《文艺复兴巨匠的辉煌：从佛罗伦萨到罗马的艺术嬗变》 作者：[此处留空，或使用虚构的学者名称] 出版社：[此处留空，或使用虚构的出版社名称] 图书简介： 一部穿越时空的史诗，深度剖析欧洲艺术史上最璀璨的篇章。 《文艺复兴巨匠的辉煌：从佛罗伦萨到罗马的艺术嬗变》并非仅仅是对文艺复兴时期艺术作品的简单罗列或图鉴，而是一部深入挖掘其思想根源、技术革新以及社会文化背景的学术专著。本书以时间为轴，以地理为线索，细致梳理了自14世纪早期乔托的突破，直至16世纪中叶晚期风格（Mannerism）的兴起，艺术中心如何从佛罗伦萨平稳过渡并最终在罗马达到顶峰的全过程。 本书的核心在于解析“文艺复兴”这一概念的复杂内涵，探讨人文主义思想如何从理论转变为艺术实践的驱动力。我们不满足于描绘米开朗基罗的雕塑如何雄伟壮丽，或拉斐尔的画作如何和谐完美，而是探究促成这些杰作诞生的深层机制——从对古典遗产的重新发现，到对透视法、解剖学和光影运用的革命性掌握。 第一部分：佛罗伦萨的黎明与理性之光（Quattrocento的探索） 本书的开篇聚焦于15世纪的佛罗伦萨，这个被誉为“现代艺术摇篮”的城市。我们将详细考察早期文艺复兴三杰——马萨乔（Masaccio）、多纳泰罗（Donatello）和布鲁内莱斯基（Brunelleschi）——如何共同奠定了基于科学观察的艺术基础。 透视法的革命： 详细分析布鲁内莱斯基在建筑领域对线性透视的几何学构建，以及马萨乔如何在《圣三一》等作品中首次将精确的立体空间引入绘画，彻底打破了中世纪二维平面描绘的局限。 人文主义的肖像学： 探讨皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）如何将数学的严谨性融入对人物和光线的描绘中，以及波提切利（Botticelli）在受美第奇家族赞助下，如何将古典神话与新柏拉图主义哲学巧妙地结合，创作出《维纳斯的诞生》等充满象征意义的作品。 雕塑的复兴： 多纳泰罗如何超越古典的理想化，赋予人物以强烈的心理深度和现实主义的张力，特别是他对古罗马青铜骑马雕像的复兴尝试。 第二部分：威尼斯画派的色彩与感官世界 在对佛罗伦萨理性主义的深入考察之后，本书将笔锋转向了水城威尼斯。这里，艺术的发展路径与托斯卡纳截然不同。威尼斯画派更重视色彩（Colorito）而非素描（Disegno）的传统。 光线与氛围的魔力： 重点分析乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini）如何引入油画媒介的丰富层次，以及他如何通过对自然光线的精妙处理，营造出前所未有的抒情氛围。 泰坦的崛起： 提香（Titian）的章节将是本书的亮点之一。我们将分析他如何驾驭色彩的自由笔触，以及他在数十年间如何不断创新，从早期的明亮色彩转向后期深沉、近乎抽象的色块，应对宗教改革带来的文化冲击。 自然的融合： 探讨丁托列托（Tintoretto）和委罗内塞（Veronese）的作品中，威尼斯城市生活、宏大叙事与戏剧性光影的结合，展示了威尼斯艺术的感官性和世俗性面向。 第三部分：罗马的巅峰与教廷的赞助（盛期与对古典的征服） 本书的高潮部分集中于16世纪初的罗马，此时教皇尤利乌斯二世等强力赞助人，将意大利的艺术能量引向了集大成的“盛期文艺复兴”（High Renaissance）。 三位巨匠的交汇： 详细对比达·芬奇（Leonardo da Vinci）、米开朗基罗（Michelangelo）和拉斐尔（Raphael）各自的艺术哲学和技术贡献。 达·芬奇： 分析其对“晕染法”（Sfumato）的掌握，以及他对自然科学、人体解剖学的探索如何完美地服务于他的艺术表达，尤其是在《蒙娜丽莎》中对内在精神的捕捉。 米开朗基罗： 深入解读其雕塑（如《大卫》）和西斯廷教堂穹顶壁画中，如何通过对人体动态的极致表现，体现出“尼奥柏拉图主义的崇高”（Sublime），将艺术视为精神挣脱肉体束缚的载体。 拉斐尔： 考察他在梵蒂冈宫的壁画，特别是《雅典学院》，如何通过完美的构图平衡，实现了古典智慧与基督教信仰的和谐统一，被视为盛期理想的典范。 第四部分：风格的转变与古典的终结——晚期风格（Mannerism） 本书的收尾部分探讨了盛期之后的艺术转向。随着宗教改革和罗马被洗劫（Sack of Rome, 1527），艺术家的心态发生了深刻变化。他们不再追求盛期的和谐与理性，而是转向了更复杂、更具个人情感色彩的表达。 形式的拉伸与不安： 分析帕尔米贾尼诺（Parmigianino）和布龙齐诺（Bronzino）如何故意扭曲人体比例，使用不和谐的色彩，来表达一种精神上的紧张和贵族的疏离感。 空间与叙事的碎片化： 考察丁托列托在威尼斯晚期作品中，如何运用极端的对角线构图和闪烁的光源，预示了巴洛克戏剧性的爆发。 总结： 《文艺复兴巨匠的辉煌》旨在为读者提供一个结构清晰、论证严谨的艺术史叙事。它不仅是一本鉴赏指南，更是一部关于西方思维方式如何通过绘画和雕塑得以投射和演变的研究。通过对光影、结构、哲学与权力的交织分析，本书带领读者亲历那个伟大时代艺术灵魂的诞生与升华。阅读此书，如同亲身踏入佛罗伦萨的作坊，感受罗马的宏伟穹顶，领略威尼斯水波的粼粼波光，理解人类创造力所能达到的巅峰。

评分☆☆☆☆☆

这本书给予我的最深切感受，是一种穿越时间的敬畏。它将那些在历史长河中留下了深刻印记的艺术巨匠们，用一种近乎亲密的方式呈现在我们面前。我感觉自己不再是隔着玻璃窗膜拜，而是被邀请进入了创作发生时的时空。那些关于媒介的革新、色彩哲学的探讨，以及形体语言的革命，都被还原得栩栩如生。这种体验是任何线上浏览无法比拟的，因为实体的书本，带着油墨的气味和纸张的温度，仿佛是历史留下的实体物证。它成功地将那些遥不可及的、被神化的艺术作品，拉回到了可以被理解、被感知的层面，让人体会到艺术创作的艰辛、孤独与最终的辉煌。读完后，我感觉自己的“视觉词汇量”得到了极大的扩充，看世界的眼光也变得更加锐利和富有层次感，这无疑是一次精神上的深度洗礼。

评分☆☆☆☆☆

从实用性来看，这本大部头的价值是毋庸置疑的。它简直就是一本可以随身携带的、关于二十世纪艺术史的微缩博物馆。我设想了一下，如果未来有机会去参观那些标志性的艺术机构，手持此书对照参考，那将是多么高效而充实的体验。它似乎在策展人与研究者之间找到了一个完美的黄金分割点，既有学术研究的严谨支撑，又兼顾了普通观众对直观感受的渴求。更值得称赞的是，它在引入不同地域和文化背景的艺术作品时，展现出一种罕见的包容性，没有将某种艺术中心化的叙事凌驾于一切之上，而是努力构建了一个多元互动的全球艺术图景。这种广阔的视野，让读者得以跳出单一的地域限制，去感受艺术创作在不同土壤上开出的各异花朵，拓宽了思维的疆界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧实在令人眼前一亮，那种厚重的质感和恰到好处的哑光处理，拿在手里简直就像捧着一件艺术品。封面上的那幅作品选择得极具代表性，一下子就把人带进了现代艺术的殿堂。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如字体的设计，既现代又不失古典的沉稳，清晰易读，即便是首次接触这类书籍的人也不会感到压力。光是翻阅它的目录和前言，就已经能感受到编纂者倾注的心血，他们似乎在用一种无声的语言邀请读者，去探索那些横跨世纪的创作激情与思想碰撞。书页的裁切非常平整，油墨印刷的质感细腻到可以触摸到颜料本身的肌理，这对于一本聚焦于视觉艺术的出版物来说，是至关重要的基础。可以预见，仅仅是摆在书架上，它也能为整个空间增添一种低调而深邃的艺术气息。这样的设计，无疑为即将展开的阅读体验奠定了极高的基调，让人迫不及待想深入探究其内涵。

评分☆☆☆☆☆

我尝试着从一个完全局外人的角度去审视这份艺术宝典，它给我的感觉更像是一场精心策划的视觉漫游，而不是枯燥的学术清单。那些关于材料、年代和作者的介绍，被巧妙地融入了流畅的叙事之中，读起来丝毫没有那种教科书式的生硬感。我注意到，某些作品的旁边配有简短的背景注释，这些只言片语往往能瞬间点亮你对那件作品的理解，揭示出艺术家在创作时的心境波动或者当时的社会思潮。这种“润物细无声”的引导方式，非常适合我这种偶尔会感到迷茫的普通爱好者。它没有强迫你接受某种固定的解读，而是提供了一个坚实的支点，让你能够自己去搭建理解的桥梁。整体的排版布局极为大胆，留白的处理达到了近乎完美的平衡，使得每一幅展示的图像都有足够的“呼吸空间”，它们不再是被挤压在页面角落的小插图，而是真正的主角，拥有了独立的舞台去震撼人心。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，说实话，给我一种非常沉稳老练的学者气息，但又绝非故步自封的学院派。它的文字处理展现出一种对艺术史脉络清晰的洞察力，行文如水银泻地，逻辑性极强，仿佛作者正在你耳边，用最精准的词汇为你勾勒出立体主义如何一步步解构现实，或是抽象表现主义如何释放了纯粹的情感能量。我特别喜欢它在讨论不同流派交汇时的那种微妙的笔触，没有武断地下结论，而是展示了艺术家们之间那种看不见的对话和张力。这种深度的挖掘，要求读者有一定的背景知识铺垫，但即便是初次接触相关概念，也能感受到那种文字中蕴含的磅礴力量。它不仅仅是在陈述“这是什么”，更是在剖析“为什么会这样”，这种对“所以然”的追问，极大地提升了阅读的层次感，让人不得不放慢脚步，仔细咀嚼每一个论断背后的深层含义。

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印刷精美，物美价廉。

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MoMA的绘画和雕塑

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MoMA的绘画和雕塑

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