数码绘画的艺术 [Beginner`s Guide to Digital Painting in Photoshop] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 3DTotal 著，王真，程一恒 译

图书标签:

• 数码绘画
• Photoshop
• 绘画教程
• 初学者
• 艺术
• 插画
• 数字艺术
• 绘画技巧
• 图像处理
• 设计

出版社： 天津人民出版社

ISBN：9787201111773

版次：1

商品编码：12111412

包装：平装

外文名称：Beginner`s Guide to Digital Painting in Photoshop

开本：16开

出版时间：2016-12-01

用纸：铜版纸

页数：224

字数：250000

产品特色

编辑推荐

　　

　　一本为数码插画爱好者提供“从0到1”的技巧宝典！

　　一本包含二十五位业界高手绘画步骤的实用创作秘笈！

　　一块开启通往“数码绘画艺术家”之门的魔法石！

　　本书注重理论与实际操作相结合，用丰富的实例，分步骤解析其中的技巧和原理。力求达到融会贯通的指导效果，运用可以从相关网址中下载的配套笔刷，让你轻松实现从理念到作品的创作过程。

内容简介

　　

　　《数码绘画的艺术》是一本基于Photoshop这样一款常用的图片处理软件对初学者进行数码绘画指导的书。本书提供了一套专业，系统的学习数码绘画艺术的方法。这本分步讲解的教程不仅仅是讨论技法，还积极论证了这些技法是如何运用在一个艺术作品中的。业内资深人士尼古拉·亚历山大（Nykolai Aleksander）和理查德?蒂尔伯里（Richard Tilbury）在书中分享了他们积累多年的清晰有条理的绘画方式。他们不仅调用Photoshop软件中各类基本工具进行步骤演示，还运用基础艺术理论，包括了一些经典的专题：如何构图，如何讲故事，如何描绘情绪，以及光和色，富有教育性和启发性。《数码绘画的艺术》这本书对初渉数码绘画艺术领域的读者来说是一本非常理想的参考书。

　　

作者简介

　　编 者

　　3DTotal.com是一家成立于2010年的英国独立出版公司。该公司专注于出版数码艺术领域的相关书籍，同时也是一个在线数码艺术交流社区，该社区汇聚了有关数码艺术的新闻、教程、作品展示、相关文章等丰富的资源。出版发行了多种数码艺术相关教程和图书，深受原画设计师群体和广大读者喜爱。

　　中文译者

　　王真，毕业于北京电影学院，图片摄影专业硕士。现为中国传媒大学副教授，国家摄影师职业技能鉴定考评员，国家高级摄影师，中国摄影家协会会员。已出版的著作有：《光影解密：提高摄影构图水平的80个关键点》《光影解密：提高人像摄影水平的80个关键点》《图片摄影技艺教程》《光影中的灵魂：图片摄影作品赏析》《数码单反摄影新手全解》等。出版的译著有：《拍摄神奇小世界：微距摄影入门手册》《光的语言：摄影师、画家和设计师都必须了解的摄影用光》《风光摄影构图之道》《实用创意时装画》等。

　　程一恒，山东济南人，自由摄影师、译者。本科毕业于中国传媒大学，目前在伦敦艺术大学就读“新闻纪实摄影”硕士学位。

内页插图

艺术的边界与探索：一本关于传统媒介与创新技法的实践指南 书名：《纸上风云：从炭笔到水墨的技法精进之路》 导言：回溯本源，重塑感知 在数字洪流席卷艺术领域的今天，我们更容易被屏幕的光芒所吸引，却时常遗忘那些经过时间淘洗、沉淀了数千年智慧的传统艺术媒介。它们不仅仅是历史的遗物，更是构建我们艺术思维和精湛技艺的坚实基石。本书旨在带领读者进行一次深刻的“返璞归真”之旅，专注于探究和掌握以纸张为主要载体、以天然材料为创作核心的传统绘画技法。我们相信，唯有深刻理解了材料的物理特性、颜料的化学反应以及手工操作的微妙之处，艺术家才能真正突破媒介的限制，达到技艺的圆融境界。 本书并非一本关于软件操作的教程，而是一部专注于手感、观察力和材料科学的实践手册。它将带领你深入领会铅笔、炭条、墨水、水彩、油画颜料乃至版画油墨在纤维介质上所产生的独特“对话”。 --- 第一部分：素描的哲学——观察与构图的基石 (Foundations of Observation) 素描是所有视觉艺术的“母语”。本部分将完全摒弃数位绘图板的无限撤销功能，强制性地回归到对光影、体积和空间最直接的捕捉与理解。 第一章：精确的眼睛与稳定的手——从点、线到面的转化 材质的深度解析： 探讨不同硬度的石墨铅笔（2H至8B）如何影响线条的情感表达。详细分析炭笔（木炭、柳炭、压缩炭）的吸附性、可擦除性和留白特性，以及如何利用“擦白”技法构建光感。 结构与解剖学的重塑： 聚焦于人体与静物写生中的结构透视。强调骨骼、肌肉群在二维平面上的几何简化处理，以及如何通过精确的线条关系来暗示物体的三维体积。 调子的构建与光影的物理学： 深入讲解光线的入射角度、明暗交界线、反光和投影之间的层级关系。实践如何使用排线（Hatching）、交叉排线（Cross-hatching）和晕染（Blending）来模拟不同质地表面的光泽感。 第二章：纸张的语境——纤维的艺术性 载体的选择哲学： 详细对比不同克重、纹理（冷压、热压、粗纹、细纹）的素描纸、水彩纸对落笔效果的决定性影响。理解纸张的“吃墨”能力和耐擦性。 湿性媒介的预处理： 探讨如何针对水性或油性媒介，对纸张进行基础的底料（如石膏底料、传统饾饤）涂层处理，以改变其吸收性，为后续的复杂技法做准备。 --- 第二部分：流动的世界——水性颜料的精妙控制 (Mastering Fluidity: Watercolor and Ink) 本部分聚焦于水与色彩的协同作用，强调对水分的精确控制，这是传统水彩和湿画法艺术家的核心技能。 第三章：水彩的透明性与层次的叠加 湿画法（Wet-on-Wet）的艺术： 深入研究在润湿的纸面上控制颜料扩散的速度与边界的方法。讲解如何利用重力、倾斜纸面来引导色块的流动，创造自然、柔和的过渡效果。 干画法（Dry-on-Dry）的细节刻画： 探索使用少量水分的笔触来表现材质的干燥感和清晰的边缘，例如毛发、树皮或金属的反光点。 留白艺术（Resist Techniques）： 详尽介绍如何使用留白液（Masking Fluid）、蜡或胶带，在绘画过程中保护高光区域，以及后续如何安全、干净地去除这些保护层。 第四章：墨韵的禅思——中国书画与湿版墨水技法 “墨分五色”的再现： 针对中国水墨画的核心理念，探讨浓、淡、干、湿、飞白在宣纸和皮纸上的具体表现。学习如何通过控制笔锋的压力和含水量，在单色中创造出丰富的层次感。 湿版墨水与钢笔画的精准结合： 教授如何使用防水墨水（如印度墨水）配合针管笔进行精准的线条描绘，并利用水彩或稀释的墨水进行洗染（Wash），以达到类似铜版画的精致效果。 --- 第三部分：油性的沉淀与肌理的塑造 (The Substance of Paint: Oil and Texture) 这部分将引导读者进入油画的世界，重点关注颜料的厚度、干燥时间以及通过非传统工具创造的物质感。 第五章：油画颜料的物理特性与耐心 调和剂的科学： 详细剖析不同媒介（亚麻籽油、松节油、达玛树脂）对颜料稠度、光泽度和干燥速度的影响。强调“肥盖瘦”的原则，确保画作的长期稳定性。 古典技法：薄层上色（Glazing）与罩染（Scumbling）： 学习如何通过多次、极薄的透明色层叠加，来深化色彩的饱和度和光线的内部折射效果，重现古典大师作品的深度感。 第六章：肌理的构建——非笔触的革命 刮刀（Palette Knife）的运用： 探索如何使用金属或塑料刮刀代替画笔，直接将厚重的颜料堆叠在画布或木板上，创造出强烈的、雕塑般的表面肌理。 混合媒介与添加剂： 实验性地将沙子、石膏粉、甚至纤维物质掺入油画颜料或丙烯颜料中，研究它们在干燥后对整体画面的质感和重量感的影响。 --- 第四部分：从工作室到世界——作品的最终呈现 第七章：装裱与保存的艺术 画作的呼吸： 针对水彩纸和油画布，讲解如何选择合适的装裱方式（浮裱、卡纸、背板）以防止纸张因环境湿度变化而弯曲变形。 媒介的保护： 讨论不同类型画作（炭笔、油画、水彩）最终上光油或保护喷雾的选择与应用，以及如何应对传统媒材易受光照褪色、粉化的问题。 结语：回归双手——媒介即思想 本书的最终目的，是让学习者将注意力从“工具的便利性”转向“表达的艰辛性”。当你面对一块未经处理的纸张，手中握着一根天然的炭条时，你所感受到的，是对艺术创作最原始、最诚实的敬畏。掌握这些经典技法，不仅能让你拥有更扎实的绘画功底，更能深刻理解你所选择的每一种材料背后的历史与潜力。

评分☆☆☆☆☆

从一个完全没有数字绘画经验的“门外汉”的角度来看，本书的“项目实战”环节设计得非常贴心和循序渐进。它没有一上来就要求读者挑战宏大的场景或复杂的人物结构，而是从最简单的静物或几何体开始，逐步增加难度。我最喜欢的一个练习是关于“光效表现”的实战，作者选择了一个带着玻璃瓶的场景，详细演示了如何处理玻璃的反光、折射以及物体内部的透视变形。这个练习涵盖了选区工具的精确使用、图层蒙版的非破坏性编辑，以及高光与阴影的细致刻画，可以说是一个小型的综合应用。更重要的是，作者在讲解过程中，反复强调了“草稿的重要性”以及“分阶段细化”的流程控制，这帮助我养成了良好的绘画习惯，避免了在初期就陷入细节的泥潭而无法自拔。这种结构化的项目引导，让学习过程显得目标明确且充满成就感。

评分☆☆☆☆☆

这本书在最后一部分提供的“后期处理与优化”的知识点，让我对完成一幅作品的认知得到了极大的拓展。很多新手画完基础部分就收尾了，但这本书强调了数字绘画中，后期调整对于提升最终视觉效果的决定性作用。它非常细致地讲解了如何使用“曲线”和“色阶”工具进行全局亮度和对比度的微调，并展示了如何通过“锐化”滤镜来增强特定区域的焦点感。其中关于“为画面增加氛围噪点（Grain）”的技巧，我深感受益，这能有效消除数字绘画常有的那种过于平滑的“塑料感”，赋予画面一种胶片般的质感。这些高级但又极其实用的调整技巧，使得原本平淡的作品瞬间有了“呼吸感”。这本书的完备性在于，它不仅教你如何“画出来”，更教你如何“呈现得更好”，真正做到了从零基础到成品优化的一条龙指导，是名副其实的“艺术”指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的地方，在于它对“色彩理论”的处理方式，这一点往往是很多初级教程中被草草带过，或者讲解得过于晦涩难懂的部分。作者似乎深谙艺术教育的精髓，没有直接抛出复杂的色轮公式，而是将色彩的运用融入到具体的绘画场景中去解释，比如如何通过冷暖色调的对比来增强画面的空间感和氛围感。我尤其欣赏其中关于“光影关系”的一章，它细致地拆解了硬光、漫射光和环境光的表现手法，配上的案例图对比鲜明，让人茅塞顿开。举个例子，书中演示了如何用叠加图层和柔光图层来模拟大气透视下的色彩衰减，这种具体到“图层混合模式”的教学方法，比单纯讲解“远处的物体颜色要淡”要有效得多。对于我这种理论知识储备尚浅的自学者来说，这种“知其然，更知其所以然”的讲解方式，极大地增强了我对色彩运用的自信心和理解深度，让我不再惧怕调色板上的那片五彩斑斓。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常吸引人，色彩鲜明，主题明确，一眼就能看出是关于数字绘画领域的入门指南。当我翻开第一页时，首先映入眼帘的是清晰的章节目录，结构组织得非常合理，从最基础的软件界面介绍开始，逐步过渡到图层、选区、画笔设置等核心概念。作者在讲解这些基础知识时，没有采用那种枯燥乏味的理论说教，而是穿插了大量的实例截图和操作步骤，即使是完全没有接触过Photoshop的“小白”也能快速上手。特别让我印象深刻的是，书中对“画布设置”这一环节的讲解，它不仅告诉我们应该设置多大的分辨率，还深入解释了不同用途（比如印刷品和网络展示）对分辨率的具体要求，这种注重实际应用层面的讲解，对于初学者建立正确的创作观念至关重要。此外，书中对于快捷键的整理和使用技巧也体现了作者的用心，一套熟练的快捷键操作能极大地提升绘画效率，书中提供了很多实用的组合，让人感觉自己真的在一步步迈向专业。整体来看，这本书的排版清爽，图文并茂，读起来丝毫不费力，为接下来的正式学习打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

深入阅读后，我发现这本书的价值远超出了基础工具的介绍范畴，它在“风格探索与个人化”方面也提供了非常宝贵的引导。不同于市面上许多教程只教你“如何画得像”，这本书更侧重于引导读者去思考“你想画成什么样”。书中有一部分专门讨论了不同笔触的特性及其在不同材质（如金属、皮肤、布料）上的应用效果。比如，它会提示你，要表现粗糙的岩石表面，应该使用纹理感强的笔刷并以快速、短促的笔触进行覆盖；而要表现光滑的丝绸，则需要大面积的平涂和极其细腻的边缘过渡。这种对“笔触语言”的深入剖析，让我开始意识到，工具只是载体，最终决定画面质感的，是绘画者对笔触的选择和控制。书中还附带了一些关于“如何建立个人画笔库”的实用建议，推荐了一些优秀的笔刷设置参数，这对我摆脱“官方标配”的笔刷限制，尝试构建更具个人特色的绘画语言，提供了实际的操作指导。

评分☆☆☆☆☆

还可以吧，几年前的书终于翻译了，中文版还是便宜

评分☆☆☆☆☆

可以不错可以不错可以不错可以不错可以不错可以不错

评分☆☆☆☆☆

正在看，还在学习当中

评分☆☆☆☆☆

京东自营就是快 很喜欢 不错

评分☆☆☆☆☆

包装太简单，不过东西很好

评分☆☆☆☆☆

东西很不错哦

评分☆☆☆☆☆

书质量很好，内容也很不错

评分☆☆☆☆☆

印刷很好 讲解也很多 比较适合新手

评分☆☆☆☆☆

还可以....