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馮驥纔著

圖書標籤:

馮驥纔
藝術
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中國藝術
藝術評論
藝術史
傳統文化

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齣版社：青島齣版社

ISBN：9787555250272

版次：1

商品編碼：12267882

包裝：精裝

開本：32開

齣版時間：2017-09-01

用紙：純質紙

具體描述

內容簡介

本書收錄瞭馮驥纔先生關於繪畫、書法、音樂等藝術的散文隨筆和思辯文字，讓讀者看到一個他們一直以為僅僅是小說傢的馮驥纔先生，對於藝術的真知灼見以及小說傢對於藝術的獨特理解。

作者簡介

馮驥纔，浙江寜波人，1942年生於天津。當代著名作傢、畫傢、文化學者。早年在天津從事繪畫工作，後專職文學創作和民間文化研究。其文學創作豐富多樣，題材廣泛，對當代文壇和語文教育産生深遠影響。其繪畫創作以兼取中西的繪畫技巧與含蓄深遠的文學意境，在中國畫壇獨樹一幟。他長期緻力民間文化研究，積極推動多項民間文化保護宣傳工作。

內頁插圖

精彩書摘

文人的書法

文人書法的曆史要比文人畫的曆史長。

文人用毛筆、墨和宣紙寫文章，很容易就對書寫的審美有瞭興趣。書法的藝術便蘊寓其中。

文人以文章抒發心誌，其書法天生具有揮灑情感、一任心靈的性質，故此，文人書法是以個性為其特徵。文人性格彼此迥異，有一韆個擅長書法的文人，就有一韆個相去韆裏的書法麵貌。故此，文人書法風格都不是刻意追求的。

但是，在篆隸時代，字體規範嚴格，限製瞭個性的發揮，文人書法未能形成。到瞭行草時代，字體走嚮自由，張揚個性的文人書法便應運而生。此後文人書傢所寫的篆隸，也就融進瞭個人的意蘊與性情瞭。

文人的書法，嚮例是不拘法矩。情之所至，筆墨奮發。文字原本是錶達與宣泄心靈的工具。工具緣何反過來要限製心靈？故此文人進入書法，天地突然豁朗，一無牽絆，萬境俱開。

同時，文人不屑於書寫彆人的話語。言必己齣，乃是書法之根本。每每心有難耐之語，或有靈性之句，捉筆展紙，書寫齣來，筆筆自然都是發自性靈的心跡，字字都是情感乃至情緒的形態。這樣的書法，纔是有魂的藝術。

曆史地看，文人涉足書法，乃是文化的注入。於是，翰墨的世界，不僅奇花異卉爭相開放，書法的底蘊更是走嚮雄厚深邃。但如今，文人著書立說的工具已經改成鋼筆和圓珠筆，很多文人撤離書壇，亦文亦書者畢竟不多，文人書法該嚮何處去？我以為，文人書法已然曆史地落到書傢身上。

然而今之書傢，是否亦有這般所思所想？

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薄冥

夕陽去瞭，帶去所有璀璨。世界裏不再閃爍那金黃色的光彩。沒瞭夕陽，它並不黯淡與寂寥，反倒純淨和透明；寜靜的氣氛使萬物平和安詳，毫無浮躁。黃昏裏的亮色，其實都是太陽隨手拋下的；這平靜悠遠的藍色纔是大地的本色。

水雖然是無聲透明的，但深深的大海總是藍色的；空氣雖然是無聲透明的，但高遠的天空也永遠是湛藍湛藍。藍色纔是宇宙的本色麼？

深遠、平和、虛靜，使我的心靈得到安慰。有時候為瞭尋求這種心境便畫畫，有時候則是由於心中有這樣的感受纔畫畫。故而我說：

“人為瞭看見自己的內心纔畫畫。”

我還說：

“人為瞭舒展自己的內心纔畫畫。”

畫中長長的枝條，則是一時心性的舒展，當然也是畫麵形式的需要。這種形式又是傳統審美所決定的。不管畫麵有多麼美妙的墨色，但對於中國畫來說，還必須得有在審美上“立得住”的綫條。

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靜寂

宋人的畫是畫眼中的畫，元人的畫是畫心中之畫。宋畫乃畫師之畫，元畫則是文人的畫。

所謂眼中之畫，便是具體的景象，造型準確，技術上講究刻畫；而心中之畫則不拘泥形似，以錶達心中的感受與獨自的審美品格為目的。

我初學繪畫，所學是宋人傳統，最長於臨摹劉 ( 鬆年 )、李(李唐)、馬(遠)、夏(圭)以及郭熙。而劉鬆年之小斧劈皴，馬、夏之長條皴和釘頭鼠尾皴，郭熙之雲頭皴與蟹爪樹等都練到瞭“招之即來”，故在我從事文學之前，我的畫中沒有多少文人的東西。但九十年代之末，當我從文學創作中騰齣一隻手重新拿起畫筆時，不料所追求的竟是文人的“心中之畫”瞭。

但是，學習中國畫先入為主得非常厲害，至今我還不能完全拋開具象的思維，因而我的畫錶麵看依舊比較具體，當然——骨子裏卻都是我濃濃的心中的氛圍。

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往事

不管我對於社會問題的思考怎樣自覺地超前，但在個人的內心生活中，迴過頭去懷念往事，則是我很重要的一部分精神內容。這不是一個年齡的問題。我在很小的時候，在青少年時代，就常常被往事深深地吸引著。可能隻有往事纔是自己經驗過的、屬於自己的、值得珍惜的人生片段。在我個人收藏中，最珍貴的莫過於種種過往生活遺留下來的小小物證。我喜歡聽那些憂傷的音樂，是不是唯有憂傷的音樂纔能喚起往事的重現？那麼在我的繪畫中，很自然地便有幾幅是錶現這種一己情懷的，比如《憂傷》《某夜》，還有這幅《往事》。這幅畫在北京中國美術館展覽時，有兩位歌唱傢看瞭之後都落淚瞭，一位是張權，一位是關牧村。我想，她們為什麼那麼傷心？恐怕是我的畫勾起瞭她們往日某些苦難的片段吧。我知道，張權曾在北大荒有過一段很苦楚的日子，關牧村的經曆也十分坎坷，音樂傢更容易動感情。引起她們共鳴的大概就是彌漫在這畫中的憂傷瞭。

一幅畫會引起人傷心落淚，它的效應就絕非是繪畫的，而是文學的。因而我更有道理說，我畫畫其實是一種寫作。

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雪夜

我喜歡夜半更深，大雪繁密。白白的雪花從漆黑而無窮的天空中源源不絕地落下。大雪再密再緊也是靜的。似乎雪愈大，人間愈靜。靜到極處，隻有雪花落地時細微的“嚓嚓”聲。尤其是在這入夜的人間。人間的靜，大自然的動；深夜的黑，雪花的白，構成一種獨特的美的境界。

在這種景象中，我更喜歡這些被大雪封鎖在岸邊的小船裏的燈光，還有遠處大樹遮翳中的燈光。雪夜裏的燈光朦朧卻分外溫暖。有燈光，就有人傢，有爐火，有熱茶，有親情，有生活的情味——有瞭這些，就不再懼怕漫天的冰雪與世間的嚴寒。此時，人間的氣息便分外迷人。

當我用筆尖蘸著黃色的汁水點在黑濛濛的樹間，筆尖一觸紙麵，金黃的水色滲開，就如同一盞燈點亮，一個人傢顯現齣來。它在遠處的風雪裏，叫人浮想聯翩、心馳神往……我更喜歡的是這樣的作畫過程。

好的，以下是為您構思的一份《馮驥纔藝術談》的圖書簡介，著重突齣其涵蓋的藝術領域與思想深度，但完全不涉及《馮驥纔藝術談》這本書的具體內容： --- 浮光掠影中的時代脈動：《百年中國藝術的側影與深思》一捲關於中國近現代藝術精神的宏大敘事，一次穿越百年審美變遷的深刻對話。本書並非一部標準的藝術史教科書，而是一部以個體敏銳觀察為基石，深入剖析近現代以來中國藝術思潮、流派更迭、以及藝術傢個體命運的智性探索之作。它試圖在浩瀚的藝術長河中，捕捉那些閃爍著獨特光芒的瞬間，解析隱藏在筆墨丹青、雕塑造型乃至影像構建背後的時代精神與文化張力。第一部分：舊邦新命——從傳統到現代的轉型陣痛在清末民初的劇變時代，中國藝術經曆瞭前所未有的身份危機與自我重塑。本部分聚焦於這一關鍵轉摺期，探討傳統文人畫在麵對西方寫實主義衝擊時所展現齣的復雜心態。我們審視瞭“學院派”如何在中國語境下生根發芽，以及“留洋”的藝術傢們如何艱難地在中西之間架設橋梁。重點關注議題包括：筆墨的邊界探索：傳統水墨如何汲取西畫的結構與光影，試圖在宣紙上構建三維空間感，以及這一嘗試在美學上的成功與局限。民間藝術的現代覺醒：泥塑、剪紙、年畫等民間藝術在現代化進程中如何被重新發現、整理和“抬高”，成為民族文化身份構建的重要參照。藝術傢的個體抉擇：在革命思潮與審美革命並行的年代，藝術傢是選擇堅守“純藝術”的象牙塔，還是投身於社會改造的洪流之中？本書力求呈現這種復雜糾結的心路曆程。第二部分：光影的語言——攝影與電影的東方敘事隨著技術革新，攝影和電影作為“造像”的新媒介，對傳統的繪畫構圖和敘事模式發起瞭強有力的挑戰。本捲深入探討瞭攝影術在中國藝術語境中的本土化過程，以及電影如何成為記錄時代風貌、塑造民族記憶的最有力工具。我們細緻分析瞭早期中國攝影師的肖像美學，他們如何將古典的審美情趣融入到西方傳入的機械成像技術之中，使得鏡頭下的麵孔既有現代感，又不失東方韻味。而在電影領域，本書著重探討瞭早期默片時代，中國導演如何在有限的技術條件下，嘗試用光影講述符閤本土觀眾情感結構的故事，構建起最初的“銀幕上的中國”。第三部分：雕塑的重量感——物質與精神的塑形雕塑，作為一種最具“物質在場感”的藝術形式，在中國近現代的變遷中扮演瞭獨特的角色。本部分關注雕塑的材料語匯——從泥土到青銅，以及其所承載的政治性與紀念碑性。核心探討：紀念碑敘事：在塑造國傢英雄和曆史事件的過程中，雕塑如何服務於宏大敘事，以及這種敘事對公眾集體記憶的塑造作用。人體與現代性：對人體形態的精確描摹，如何反映瞭社會對個體身體價值的認知變化，從傳統的含蓄內斂到對力量與健康的贊頌。第四部分：地域的聲響——地方文化與藝術的韌性藝術的生命力往往根植於特定的地域文化土壤。本書的最後一部分將視野從主流藝術中心轉嚮廣闊的地域文化實踐，探究瞭不同省份、不同地域的藝術傢群體是如何在保持自身獨特性的同時，參與到全國性的藝術對話之中。無論是西南邊陲的民間色彩，還是江南水鄉的精緻文氣，本書力求揭示這些地域母題如何為中國藝術提供瞭取之不盡的靈感源泉，同時也探討瞭在全球化趨勢下，地域文化如何抵抗同質化，保持其鮮活的“聲響”。 --- 結語：審美視野的拓寬本書不是為瞭給藝術傢們蓋棺定論，而是旨在提供一個多維度的觀察視角，引導讀者超越對藝術的簡單評判，進入到對創作動機、時代製約、以及審美選擇的深度理解之中。它是一麵鏡子，映照齣近百年來，一群充滿激情與睏惑的藝術傢們，如何以手中的工具，去描摹、去雕刻、去記錄一個正在覺醒和重塑的中國。閱讀本書，如同與時代進行一場無聲的、充滿智慧的對話。

用戶評價

評分☆☆☆☆☆

這本書給我的最大感受是其敘事的節奏感和韻律美。它並非那種直綫式的論述，而更像是一係列精心編排的音樂小品，每一個章節都有其獨特的調性和情緒。開篇幾章，文字略顯沉靜，像是清晨的湖麵，波瀾不驚，以一種近乎散文的筆法，勾勒齣藝術傢個體生命體驗與創作哲學的微妙聯係。隨著閱讀深入，特彆是在探討西方現代主義藝術思潮的章節，筆鋒陡然變得犀利而充滿思辨性，邏輯鏈條環環相扣，猶如一場精彩的辯論賽，讓人不得不跟隨他的思維軌跡去碰撞、去反思。最讓我驚喜的是那些穿插其中的小故事，它們像是散落在宏大敘事中的珍珠，既提供瞭具體的案例支撐，又極大地豐富瞭文本的趣味性。這些故事，往往是作者親身經曆或深入調研所得，充滿瞭第一手的觀察力量，使得理論不再是空洞的口號，而是紮根於現實土壤的思考結晶。這種文本張力的有效控製，讓讀者在保持專注的同時，也獲得瞭極大的閱讀愉悅。

評分☆☆☆☆☆

這部文集初翻幾頁，便被那種筆觸的細膩與深邃所吸引。它不像某些藝術評論那樣，堆砌著艱澀的理論術語，而是像一位經驗豐富的老友，娓娓道來他對藝術現象的獨特觀察與感悟。我尤其欣賞作者那種“入乎其中，齣乎其外”的敘事姿態。他既能深入到創作的肌理之中，體察藝術傢們傾注心血的每一個細節，又能迅速抽離齣來，以一種近乎哲學的視角，審視藝術與時代、與人生的宏大關聯。比如，在談及某一繪畫流派的興起時，他沒有止步於形式的分析，而是將其置於社會變遷的背景下去考察，探究那些時代情緒是如何被無形地“翻譯”成瞭畫布上的綫條與色彩。這種層層遞進的闡述方式，使得即便是對該領域不甚瞭解的讀者，也能順著他的思路，體會到藝術背後的“呼吸感”。那些關於“審美趣味的流變”的段落，更是讓人讀後若有所思，仿佛一下子被拉到瞭一個更開闊的文化視野中去重新審視我們習以為常的美。整本書讀下來，感覺像是完成瞭一次精神上的遠足，收獲的不僅是知識，更是一種看待世界的新鮮角度。

評分☆☆☆☆☆

我一直認為，優秀的藝術評論傢不僅要懂藝術史，更要有人文關懷的深度。這部作品無疑達到瞭這個標準。它探討的範疇遠遠超齣瞭純粹的“技法”或“風格分析”，而是深入到藝術現象背後的人類精神睏境與追求。作者似乎對“何以為人”這一終極命題抱有持續的關切，並試圖通過對藝術作品的解讀，來探尋個體如何在時代洪流中保持其精神的獨立性。比如，關於“審美主體性”的探討，不是停留在學院派的定義上，而是結閤瞭當代社會消費主義對個體感官的異化這一現象進行深刻反思。讀起來，能感受到一種強烈的批判精神，但這種批判並非全然的否定，而是在批判中蘊含著對美好、對真實的不懈追求。文字風格上，它保持瞭一種知識分子的剋製與精準，但又不乏激情迸發之處，尤其是在論及對某些藝術現象的“不公對待”時，那種義憤填膺的情緒通過剋製的文字錶達齣來，反而更具衝擊力。這本書，更像是一部關於“如何保持清醒的審美目光”的行動指南。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排，頗具匠心，它采取瞭一種“螺鏇上升”的論述模式，看似鬆散，實則暗含嚴密的內在邏輯。初期，作者著墨於對具體藝術現象的細微描摹，仿佛是給我們展示瞭一係列高清的微距照片，細節豐富，色彩斑斕。隨後，他便開始將這些微觀的觀察，逐步提煉、歸納，嚮上提升到對藝術本體論的探究。這種處理方式，極大地降低瞭理論的門檻，讓讀者在不知不覺中，便接受瞭更深層次的哲學思考。有一段關於“媒介變遷與感知重構”的論述，尤其令人印象深刻，作者沒有簡單地將新舊媒介對立起來，而是探討瞭它們之間如何相互滲透、相互定義，形成瞭一種復雜的新型感知場域。行文之間，時常能看到作者與經典文本的“對話”，他毫不避諱地引用或反駁前人的觀點，展現齣一種開放和自信的治學態度。總而言之，這是一部需要慢讀、細品的著作，每一次重讀，似乎都能發現此前遺漏的細微光芒。

評分☆☆☆☆☆

坦率地說，我是在尋找關於“民間工藝與當代設計碰撞”的論述時，偶然接觸到這本書的，原以為會是一本偏重於技術流或純粹的理論梳理，沒想到它的視野遠比我想象的要廣闊得多。作者的文字有一種難得的“煙火氣”，他似乎並不滿足於在象牙塔裏討論“崇高”的藝術，而是熱衷於挖掘那些隱藏在市井角落、勞動人民手中的“活態藝術”。他對於地域性文化符號的捕捉極其敏銳，筆鋒所到之處，那些原本被主流藝術史忽略的匠人精神和傳統技藝，瞬間鮮活瞭起來，仿佛能聞到泥土和木料混閤的原始氣息。我特彆留意瞭其中關於“非物質文化遺産保護”的幾篇評論，它們沒有采取那種居高臨下的評判姿態，而是充滿瞭深深的敬意和對傳承睏境的關切。作者展現瞭一種罕見的平衡感：既能洞察傳統在現代化進程中的脆弱性，又能以一種現代的眼光去解讀其永恒的價值。這種溫度感和現場感，使得整部作品在學術性與可讀性之間找到瞭一個絕佳的平衡點，讀起來酣暢淋灕，毫不費力，卻又迴味無窮。