兰/方楚雄教学示范 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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方楚雄 著

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• 兰花
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• 示范
• 园艺
• 花卉
• 植物学
• 农业
• 科普
• 园林

出版社： 岭南美术出版社

ISBN：9787536264724

版次：1

商品编码：12356486

包装：平装

丛书名： 方楚雄教学示范

开本：8开

出版时间：2018-03-01

用纸：胶版纸

页数：42

正文语种：中文

内容简介

　　梅、兰、竹、菊被称为中国花鸟中的”四君子”，自古以来深受中国人民的喜欢，梅、兰、竹、菊技法是我国传统绘画技法之精髓，技法精深，体系完整，讲程式、讲法度、讲意趣、讲品格。本套技法丛书选用方楚雄先生在广州美术学院教授梅、兰、竹、菊课程的一些教材、范画、及近年的一些创作、也选用一些名家作品，能使初学者在认识传统笔墨、掌握传统技法方面有所帮助。

内页插图

前言/序言

　　梅、兰、竹、菊被称为中国花鸟画中的“四君子”，自古以来深受中国人民的喜爱。
　　“君子”乃文质彬彬、淡泊名利、洁身自好、品德高尚者也。梅之冰肌玉骨，竹之虚心劲节，兰之幽香素洁，菊之凌霜不凋。皆君子之美德。
　　梅、兰、竹、菊不单有自然形态之美，其特性、特征，民族文化底蕴更深受国人喜爱，是中国历代花鸟画家所推崇的经久不衰的表现题材。在近千年的艺术发展历程中，国画家把梅、兰、竹、菊从自然形态升华为艺术形态，探索出各自的艺术程式，表现和抒发作者的理想人格和崇高情怀。
　　梅、兰、竹、菊既是四种不同的植物（包括木本、草本），又代表着四种不同的笔墨技法，形态结构、笔墨规律全然不同。每一种技法都可代表一类植物的画法，学成不但可以理解传统中国花鸟画之笔墨规律，更可举一反三，触类旁通。
　　梅、兰、竹、菊技法是我国传统绘画技法之精髓，技法精深，体系完整，讲程式，讲法度，讲意趣，讲品格。学习中国画，先入传统，学程式，梅、兰、竹、菊技法是最好的必修课。广州美术学院中国画学院在教学中把梅、兰、竹、菊画法作为中国画技法基础课，和掌握传统笔墨规矩法度之入门。花鸟画专业固然必修，人物、山水专业也必学。
　　这套技法丛书选用我在广州美术学院中国画学院教授梅、兰、竹、菊课程的一些教材、范画，及我近年的一些创作，也选用一些名家作品，能够较全面与系统地了解我们的教学情况，也能使初学者在认识传统笔墨、掌握传统技法方面有所帮助。

《中国画的笔墨意趣与精神传承》 引言： 中国画，作为中华民族数千年文化积淀的瑰宝，以其独特的笔墨韵味、写意精神和人文情怀，在世界艺术之林中独树一帜。它不仅仅是对客观物象的描摹，更是画家内心世界的抒发，是哲学思想的载体，是历史文化的缩影。本书旨在深入探讨中国画的笔墨精髓，解读其背后蕴含的东方美学理念，并追溯其精神传承的脉络，引导读者体悟中国画的独特魅力，感受其穿越时空的生命力。 第一章：笔墨的语汇——中国画的基石 笔墨是中国画的灵魂，是其最核心的表现语言。离开了笔墨，中国画便失去了其本质的特征。本章将从以下几个方面，系统解析笔墨的构成要素及其在创作中的作用： “用笔”的奥秘： 点、线、面的组合与变化： 笔触的点，可以是滴水穿石的坚毅，也可以是星辰点点的璀璨；线的变化，更是无穷无尽，有中锋的圆润遒劲，有侧锋的峻峭古拙，有枯笔的苍劲渴秀，有湿笔的氤氲流动。线是骨骼，是筋脉，是生命的律动。面的运用，则通过墨色的浓淡、干湿、虚实变化，营造出空间的层次和体积感，赋予画面生命的气息。 “十八描”的经典意象： 从早期壁画中的“铁线描”、“曹衣出水”的流畅，到宋元以后“折芦描”、“枯柴描”的写意，中国画的用笔技法不断丰富和发展，形成了具有代表性的“十八描”等经典描法。每一种描法都蕴含着独特的物象特征和情感表达，是画家对自然万物观察入微的体现。例如，用“弹涡描”勾勒古松的粗糙树皮，用“游丝描”描绘仕女的发丝，都能精准传达出物象的质感和神韵。 运笔的节奏与力度： 笔墨的生命力在于其运动过程中的节奏和力度。轻重缓急、疾涩顿挫，无不体现着画家的心境和对物象的理解。一笔下去，或如疾风骤雨，或如行云流水，或如悬崖勒马，不同的运笔方式，赋予笔墨不同的性格和生命力，直接影响着画面的整体气韵。 “十三论”的哲学思考： 古人总结的“十三论”等理论，深入探讨了用笔的原则和技巧，例如“笔有七贵”，强调了笔法的变化和表现力。这些理论并非僵化的条条框框，而是对实践经验的提炼和升华，为画家提供了深刻的指导。 “用墨”的乾坤： 墨色的层次与变化： 墨是中国画的灵魂之血，其变化万千，色彩丰富。从焦墨的浓郁厚重，到淡墨的清雅空灵，再到浓墨的苍劲有力，墨色浓淡干湿的巧妙运用，是营造画面空间感、体积感和氛围的关键。 “五墨法”的精妙运用： 浓、淡、干、湿、泼、涨，是中国画的“五墨法”，每一种墨法都有其独特的表现力。泼墨写意，淋漓尽致，气势磅礴；积墨法，层层叠加，厚重苍润；破墨法，墨中有水，水中有墨，晕染自然。这些墨法的巧妙结合，能够表现出物体丰富的质感和微妙的色彩关系。 墨韵的营造： 墨韵是中国画独特的魅力所在，它是笔墨在纸上的生命回响。墨色的晕染、渗透，笔触的飞白、枯笔，都能产生独特的墨韵，赋予画面古朴、苍劲、典雅的艺术感染力。它不是简单的色彩堆砌，而是通过笔墨的相互作用，产生出一种超越色彩本身的韵味。 墨与色的关系： 在中国画中，墨与色并非相互排斥，而是相互依存、相互映衬。墨为骨，色为衣，墨的浓淡干湿能更好地衬托出色的鲜活和微妙。例如，泼墨山水，用墨的淋漓尽致，配合淡彩的渲染，更显山峦的巍峨壮丽。 笔墨精神的融合： 写意精神的体现： 中国画的笔墨，最核心的追求在于“写意”。它不拘泥于形似，而追求神似，通过简练的笔墨，捕捉物象的精神和内在的生命力。所谓“遗貌取神”，正是写意精神的精髓。 气韵生动的奥秘： “气韵生动”是中国画的最高境界，它要求画面具有生命的活力和内在的精神。笔墨的运用，是达到气韵生动的关键，通过笔墨的流动、变化、节奏，将画家的情感、思想注入作品之中，使之具有生命力。 情景交融的境界： 画家在创作过程中，将自己的情感、情怀融入对景物的描绘之中，使笔墨所到之处，皆有情意。山水表现山林的浩然之气，花鸟表现花鸟的生命姿态，人物表现人物的精神状态。笔墨不仅仅是技巧，更是画家内心世界的投影。 第二章：意境的营造——中国画的灵魂升华 笔墨是中国画的载体，而意境则是中国画的灵魂。意境的营造，是将客观的物象与主观的情感、哲思相结合，在画面中创造出一种富有诗意、引人遐思的艺术境界。 “意”的内涵与外延： 物象的象征与寓意： 中国画中的许多物象，都蕴含着丰富的象征意义。例如，松象征坚贞不屈，竹象征正直高雅，梅象征傲雪独立，兰象征高洁脱俗。画家通过对这些物象的描绘，寄托自己的情怀和理想。 哲理的融入与表达： 中国画深受中国传统哲学思想的影响，例如道家的“天人合一”，儒家的“仁者乐山”，都体现在画家的创作之中。画面中的山水，可以是自然的展现，也可以是人生哲理的隐喻。 情感的寄托与抒发： 无论描绘何种题材，画家都常常将自己的情感注入其中。喜悦、忧愁、孤独、豪迈，都在笔墨间流淌。一幅山水画，可能蕴含着画家对故乡的思念；一幅花鸟画，可能寄托着画家对生命短暂的感慨。 “境”的构成要素： 空间的处理与虚实结合： 中国画的空间处理，不同于西方绘画的透视法则，而是更注重意念的空间。留白，即“虚”，在中国画中扮演着至关重要的角色。它不仅仅是空白，而是“虚中有实，实中有虚”的艺术处理，是意境不可分割的一部分，能够引导观者想象，产生无限的联想。 构图的章法与气韵： 构图是中国画的骨架，是画面整体布局的体现。好的构图能够使画面疏密有致，虚实相生，达到“意在笔先”的效果。构图的安排，直接影响着画面的气势和韵味，能够引导观者的视线，营造出画面的主次关系和节奏感。 光影与氛围的营造： 虽然中国画不追求写实的明暗关系，但通过墨色的浓淡干湿、笔触的疏密，仍然能够营造出独特的光影效果和画面氛围。例如，雨后的山峦，朦胧的云雾，都能够产生特定的视觉感受，烘托出画面的意境。 诗、书、印的融合： 中国画往往与诗、书、印紧密结合，共同构成一个完整的艺术品。诗歌的点缀，为画面增添了文字的意境和思想的深度；书法的运用，不仅增加了画面的装饰性，更传递了书写者的情感和艺术修养；印章的钤盖，则成为作品的标志，也为画面增添了古朴的韵味。 意境的传达与感染力： “可游可居”的艺术体验： 优秀的中国画作品，能够引导观者进入画面所营造的意境之中，仿佛可以漫步其中，感受其间的山水情趣，体味其间的哲学思考。这种“可游可居”的艺术体验，是意境传达的最高成就。 唤起联想与共鸣： 意境的魅力在于其留白和象征，能够唤起观者的想象和联想，与画家产生情感上的共鸣。一幅淡雅的山水，或许能勾起观者对隐逸生活的向往；一幅写意的花鸟，或许能引发观者对生命顽强不息的赞叹。 超越时空的艺术魅力： 优秀的意境，能够穿越时间和空间的限制，让不同时代、不同文化背景的观者都能从中获得美的享受和精神的启迪。它是一种普适性的艺术语言，触及人类共同的情感和对美的追求。 第三章：精神的传承——中国画的生命力源泉 中国画并非一成不变，而是历经数千年发展演变，形成了一条生生不息的精神传承脉络。这种传承，不仅是技法的延续，更是思想、观念和人文精神的传递。 文人画的兴起与影响： “士大夫”的艺术追求： 文人画是中国画发展史上的一个重要里程碑。以唐宋文人为代表的画家，将文学、哲学、书法等素养融入绘画创作，追求“逸格”，注重表达个人的情趣和志向，将绘画从纯粹的匠人技艺提升到文人雅士的精神寄托。 “四君子”与“梅兰竹菊”的文化象征： 梅、兰、竹、菊作为文人画的重要题材，不仅仅是描绘自然景物，更是被赋予了丰富的文化象征意义，代表着高尚的品格和精神追求。 笔墨情趣与写意表达： 文人画的笔墨，更加注重写意和精神的表达，追求“以形写神”，强调笔墨的个性化和艺术家的主观情感。 地域流派的特色与创新： 南北画派的风格差异： 从唐代的吴道子、阎立本，到宋代的范宽、郭熙，再到元代的黄公望、王蒙，中国画形成了诸多富有特色的地域流派。南北画派在题材选择、笔墨风格、构图章法等方面都有着各自的特点。例如，北方画派多以雄浑苍劲的山水见长，南方画派则以秀丽雅致的山水闻名。 各具特色的艺术语言： 每个地域流派都形成了自己独特的艺术语言和表现手法。例如，浙派的山水雄健粗犷，海上画派的风格海纳百川，岭南画派则融合中西，创新变革。 时代审美的融合与演变： 不同时代的审美风尚，也深刻影响着中国画的发展。宋代的崇尚理性与写实，元代的崇尚写意与抒情，明清的兼容并蓄与创新，都体现在各时期画作的风格演变中。 “师承”与“借鉴”的辩证关系： 学古人的精神与技巧： 传统的“师承”关系，是中国画传承的重要途径。画家通过临摹古人的作品，学习其笔墨技法、构图章法和精神内涵。然而，真正的传承并非简单的模仿，而是要理解古人创作的精神，并将其融入自己的创作之中。 “外师造化，中得心源”的创作法则： 中国画强调“外师造化”（向自然学习），“中得心源”（表达内心的情感和思想）。画家在学习古人的基础上，更要深入观察自然，体验生活，将自己的真情实感融入创作，才能创作出具有时代精神和个人风格的作品。 海纳百川的创新精神： 伟大的艺术家，往往具有海纳百川的胸怀，敢于吸收不同文化、不同艺术形式的营养，并将其转化为自己独特的艺术语言。这种开放包容的创新精神，是中国画能够不断发展壮大的重要动力。 当代中国画的探索与发展： 传统与现代的对话： 在当代，中国画的传承与发展面临着新的挑战与机遇。如何在继承优秀传统的同时，与时代审美相结合，创作出既有民族特色又具有现代精神的作品，成为当代中国画探索的重要方向。 技法、观念的突破与革新： 当代中国画在材料、技法、观念等方面都进行了广泛的探索和突破。例如，对笔墨语言的创新性运用，对水墨表现力的挖掘，以及对西方艺术观念的吸收和转化。 人文关怀与社会责任： 当代中国画，越来越强调其人文关怀和社会责任。通过作品，艺术家表达对社会现实的思考，对人生命运的关注，以及对人类共同价值的追求。 结论： 中国画的笔墨意趣与精神传承，是一个博大精深的课题。它不仅仅是绘画技巧的研究，更是对东方美学、哲学思想和人文精神的深入探索。本书旨在通过对笔墨语汇的解析，意境营造的剖析，以及精神传承的追溯，引导读者更深刻地理解中国画的独特魅力。希望本书能够成为一座桥梁，连接传统与现代，连接艺术家与观者，让更多人能够走近中国画，感受其穿越古今的艺术力量，领略其永恒的东方神韵。中国画的生命力，在于其不断创新、不断传承的精神，在于其能够触动人心、启迪智慧的力量。

评分☆☆☆☆☆

我曾认为，艺术的学习是一件非常严肃的事情，需要深厚的功底和专业的指导。然而，这本书却颠覆了我的这种看法。它用一种非常轻松、自然的方式，将艺术的魅力展现在我的面前。我能够感受到方楚雄老师在创作过程中所获得的快乐，这种快乐，也通过文字和画面传递给了我。我不再对艺术感到畏惧，而是充满好奇和喜爱。这本书，让我明白了，艺术，其实就在我们身边，触手可及。

评分☆☆☆☆☆

我不是一位画家，甚至连画笔都很少拿起，但这本书却让我对艺术产生了浓厚的兴趣。我喜欢方楚雄老师的作品，它们仿佛有一种魔力，能够吸引我的目光，触动我的心灵。我能够从中感受到生命的力量，感受到自然的和谐。这本书不仅仅是一本关于绘画的书，它更是一本关于生活、关于哲学的书。它让我重新审视自己的生活，让我更加热爱生命。

评分☆☆☆☆☆

这本书是一份珍贵的礼物，它让我有机会近距离地接触到中国传统绘画的魅力。我尤其喜欢其中关于写意山水的部分，那种磅礴的气势，那种意境的深远，都让我为之动容。我能够从画面中感受到大自然的鬼斧神工，感受到中国画的独特神韵。这本书不仅仅是一本画册，更是一部关于中国传统文化的百科全书，它让我对中国的传统艺术有了更深刻的认识和理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就足够吸引我了，那是一种沉静而又充满力量的美感。我喜欢封面上的留白，以及方楚雄老师那笔触温润的写意画作，仿佛能感受到中国传统水墨的韵味。拿到这本书的那一刻，我便迫不及待地翻阅起来。我并不是绘画专业的学生，但一直对中国传统绘画有着浓厚的兴趣，特别是那些能够捕捉自然神韵的作品。这本书的装帧也十分精美，纸张的质感很好，印刷清晰，每一幅作品都得到了恰当的呈现，这对于我这样一个注重细节的读者来说，无疑是加分项。我尤其喜欢其中对于花鸟的描绘，那些栩栩如生的生命力，仿佛呼之欲出，让人感受到大自然的勃勃生机。即使是简单的几笔，也能勾勒出神韵，这其中的奥妙，是我一直渴望去探索的。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感受，是一种宁静致远的美。在快节奏的现代生活中，我们常常忽略了身边的美好，忽略了自然的馈赠。而这本书，就像一位智慧的长者，带着我放慢脚步，去重新审视那些被我们忽略的风景。我喜欢书中对于山水景物的描绘，那种胸怀天地的开阔感，那种与自然融为一体的和谐之美。每一次翻阅，都仿佛置身于其中，感受着微风拂面，听着鸟语虫鸣。这种精神上的洗礼，让我感到前所未有的放松和宁静。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种潜移默化的影响。我发现，自从读了这本书之后，我开始更加关注生活中的细节，开始更加欣赏自然的美。我开始用一种新的眼光去观察周围的世界，去发现那些曾经被我忽略的美好。我不再仅仅追求物质上的满足，而是更加注重精神上的追求。这本书就像一位心灵的导师，用它独特的艺术语言，引导我去探索更深层次的生命意义。

评分☆☆☆☆☆

读这本书的过程，更像是一场与艺术的对话，一次与心灵的交流。我常常会找一个安静的午后，泡上一杯茶，捧着这本书，沉浸在方楚雄老师的艺术世界里。我不是在学习绘画技巧，而是在感受一种意境，一种东方审美的哲学。我喜欢书中对于自然景物的细致观察，那些经过艺术加工后，却又依旧真实的情感流露。我能够从画面中感受到季节的变化，感受到光影的流转，感受到生命的脉动。每一次翻阅，都会有新的发现，新的感悟。有时候，我会对着一幅画，久久地凝视，试图理解画家是如何将平凡的景物，赋予如此动人的生命力的。这种体验，是书籍带给我的独特享受，也是一种精神上的慰藉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它不是那种枯燥的理论说教，而是充满了艺术家的感性与诗意。我仿佛能听到方楚雄老师在用画笔低语，分享他对自然的理解，对生命的感悟。他的文字，就像他的画一样，简洁却意味深长。我尤其喜欢其中对笔墨的阐述，那种对线条的掌控，对墨色的运用，所形成的丰富变化，实在是令人叹为观止。我虽然不懂绘画技法，但能感受到文字中蕴含的深厚功底和独到见解。这本书就像一位循循善诱的老师，用最温柔的方式，引导我走进艺术的殿堂，去发现那些隐藏在平凡事物中的不平凡之美。

评分☆☆☆☆☆

我曾是一位对国画一窍不通的门外汉，但这本书却像一把钥匙，为我打开了通往艺术世界的大门。我曾经觉得国画高高在上，遥不可及，但通过这本书，我发现国画原来可以如此贴近生活，如此富有情感。我特别喜欢书中对写意花鸟的解读，那些看似随意的笔触，背后却蕴含着深刻的写生功底和对物象精神的把握。我曾经尝试着去临摹几笔，虽然效果不尽如人意，但在这个过程中，我却逐渐体会到了中国画独特的韵味和魅力。这本书没有让我成为画家，但它让我成为了一个更懂得欣赏艺术的人。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一个追求极致完美的人来说，这本书的出现，无疑是一场惊喜。我一直认为，真正的艺术，是能够触及灵魂的，是能够引发共鸣的。而这本书，恰恰做到了这一点。我喜欢方楚雄老师在创作中所展现出的那种精益求精的态度，那种对艺术的执着追求。我能够从字里行间感受到他对每一幅作品的用心，对每一个细节的考究。这种专业精神，以及由此产生的艺术成就，都令我深深折服。我常常会对着书中的画作，反复揣摩，试图理解其中蕴含的奥秘。