具体描述
内容简介
本书侧重从文化史、思想史的角度观照画论的发展，对中国各朝不同时期的政治、经济，尤其是文化、思想、审美风尚的变化，它们给予画论的影响，都有宏观性的论述：一系列在中国绘画史上极富影响的绘画理论，也得到细致入微的梳理和评析。
作者简介
美术理论家，原《江苏画刊》副主编、副编审，江苏省美学学会副会长兼秘书长。主要著作有《张彦远评传》等。
目录
绪论
第一章 中国原始绘画与原始绘画思想（约60万年前-公元前21世纪）
第二章 先秦绘画与先秦哲学思想（公元21世纪-前221）
第三章 秦汉绘画与两汉哲学思想（公元221-公元220）
第四章 魏晋南北朝绘画与玄学、佛学思想（220-581）
第五章 隋唐五代绘画与时代思想气象（581-979）
第六章 宋代绘画与文人画思潮（960-1279）
第七章 辽、金绘画与民族融合文化精神（916-1234）
第八章 元代绘画与文人画的理学思想（1271-1368）
第九章 明代绘画与西洋画风东渐（1368-1644）
第十章 清代绘画与绘画思想的近代转型（1644-1911）
第十一章 20世纪中国绘画与绘画思想革命（1900-1999）
主要参考文献与书目
主要人名索引
重要词语索引
后记
用户评价
我一直对中国艺术中的“诗画合一”有着莫名的向往，总觉得诗歌的意境和绘画的画面，是灵魂相通的。这本书，将我的这种感觉，升华为一种深刻的理解。作者在开篇就从中国古代“诗言志”的传统出发，探讨了诗歌和绘画在表达情感、寄托情怀上的共通之处。我特别喜欢书中对“画中有诗”的解读，它不仅仅是指画面中有诗的意境，更深层的是指画家在创作过程中，将诗人的情怀、哲人的思考融入笔墨之中。书中对唐宋时期山水画的分析，让我看到了画家如何通过对自然景物的描摹，来抒发胸中块垒，寄托山林之乐。例如，王维的山水画，就被作者解读为一种“诗中有画，画中有诗”的典范，他的画面总是充满了宁静、淡远的意境，仿佛能听到松涛阵阵，闻到溪流潺潺。书中还探讨了文人画中的“梅兰竹菊”四君子，作者将它们的品格与文人的高洁、傲骨联系起来，通过对这些意象的描绘，画家表达的是一种精神上的追求，一种超越世俗的志趣。这本书让我明白，中国画不仅仅是视觉的艺术，更是心灵的艺术，是思想的升华。
评分这本书带给我的，不仅仅是知识的增长，更是一种精神的洗礼。我一直对中国画中的“意境”情有独钟，觉得那是中国画最迷人的地方。作者在开篇就从“意境”这一核心概念出发，深入浅出地剖析了其内涵和外延。他认为，“意境”是中国画的灵魂，是画家通过对物象的提炼和情感的注入，所创造出的富有诗意和哲理的艺术空间。书中通过大量经典的绘画作品，对“意境”进行了具体的阐释。我特别喜欢书中对宋代山水画的分析，作者认为，宋代山水画的“意境”往往是宏大而深远的，它体现了古人对宇宙的敬畏和对自然的感悟。例如，范宽的《溪山行旅图》，其雄浑壮阔的山景，不仅仅是对自然景色的描摹，更是画家内心世界的写照。而对于文人画中的“意境”，作者则认为，它更加注重个人情怀的抒发，更加强调“逸”和“趣”。书中对元代山水画的解读，让我看到了文人画在“意境”上的独特追求，那种超然物外，寄情山水的精神，通过笔墨得到了完美的展现。
评分这本书的封面设计就散发着一种古朴而典雅的气息，墨色的晕染和金色的点缀，恰到好处地传达了中国传统绘画的韵味。我翻开扉页，看到作者的名字，虽然不是耳熟能详的大师，但其严谨的治学态度和对中国传统文化的深厚情感，早已通过序言跃然纸上。书中开篇的章节，着重于探讨“气韵生动”这一中国画的核心美学理念，作者并非简单地罗列理论，而是深入浅出地追溯了其思想渊源，从《易经》中的“形而上”与“形而下”的辩证关系，到魏晋时期文人画的兴起，再到宋代山水画的辉煌，都进行了细致入微的梳理。我尤其对作者分析顾恺之《洛神赋图》时，如何将“以形写神”的理论融入画面细节的解读印象深刻，那种“形存而神去”的阐释，让我对人物画的写意精神有了全新的认识。接着，书中对“意境”的探讨更是扣人心弦，作者没有停留在字面上的理解，而是引申到中国人的宇宙观和哲学思想，例如道家的“虚静”和儒家的“中庸”是如何潜移默化地影响了画家们对山水景物的营造，使得画面不仅仅是景色的描摹，更是人与自然的对话，心灵的寄托。书中穿插的许多古代画论的片段，被作者用现代的语言重新解读，使得那些晦涩的文字变得生动起来，仿佛能听到古人围炉夜话，探讨艺术真谛的声音。总而言之，这本书让我感觉不是在阅读一本枯燥的艺术史，而是在进行一场跨越时空的思想对话，每一次翻页，都像是在探索一个更深邃的精神世界。
评分翻开这本书，仿佛置身于一个古老的画室，耳边回响着古人的创作低语。我一直对中国画的“笔墨精神”感到好奇，总觉得那不是简单的线条和墨迹，而是蕴含着深刻的哲学和人文关怀。作者在开篇就从“笔墨”的本体性出发，深入探讨了中国画是如何将书法、绘画、诗歌融为一体，形成其独特的艺术体系。我特别欣赏书中对“骨法”和“气韵”的解读，作者认为，“骨法”是中国画的结构和力量，“气韵”则是其生命和灵魂。他通过分析历代名家的用笔特点，比如王羲之的“如锥画沙”，颜真卿的“笔力险峻”，以及他们对绘画的影响，让我看到了“笔墨”的传承和发展。书中还深入探讨了中国画的“六法”，不仅仅是技法的总结，更是艺术家创作的指导原则。作者将这些理论与具体的绘画作品相结合，让我对“格物致知”、“传移模写”、“应物象形”等概念有了更深刻的理解。
评分我之前总觉得中国画的笔墨技法很神秘，难以捉摸。这本书的出现，就像是一本通俗易懂的“笔墨密码解读器”。作者在开篇就从中国画的“笔墨”作为独特的语言体系入手，逐一剖析了各种笔法的起源、特点及其所蕴含的思想。我特别喜欢书中对“骨法用笔”的阐释，作者认为，中国画的用笔，讲究“力透纸背”，这种力度不仅仅是物理上的，更是精神上的。他用大量的实例，比如书法与绘画的关系，来论证中国画笔墨的“书写性”和“精神性”。书中对不同画种的笔墨运用，都有详细的介绍，比如山水画的皴法，花鸟画的勾勒渲染，人物画的线条变化，都不仅仅是技巧的堆砌，而是承载着画家不同的心境和对物象的理解。我尤其对书中对“墨分五彩”的探讨印象深刻，作者认为，墨的浓淡干湿，变化万千，不仅能够表现物象的立体感和质感，更能传递画家微妙的情感。这种对“墨”的精妙运用，让我对中国画的表现力有了全新的认识。
评分拿到这本书的时候，就被它沉甸甸的分量所吸引，不仅仅是纸张的厚实，更是一种知识积淀的厚重感。我一直对中国传统文化的“天人合一”思想深信不疑，而这本书，恰恰将这种思想在绘画中的体现，展现得淋漓尽致。作者在开篇就花了很大的篇幅，梳理了中国古代哲学思想对绘画的影响，从儒家的“仁者乐山，智者乐水”，到道家的“道法自然”，再到佛教的“空”与“色”的观念，都为理解中国画的审美提供了深刻的理论基础。我特别赞同作者的观点，即中国画并非是对自然景象的简单复制，而是画家内心世界与自然相互感应的结果。书中对宋代山水画的解读，让我对“山水”这两个字有了更深的理解，它们不仅仅是地理景观，更是承载着画家情感、哲学思考的精神空间。作者通过分析范宽的《溪山行旅图》，阐述了“山”的雄浑与“水”的灵动如何融为一体，传递出一种宏大而又细腻的生命体验。而对于文人画的讨论，则让我看到了中国画与士大夫阶层生活方式和精神追求的紧密联系，那种“胸中逸气”的挥洒，那种“遗世独立”的洒脱，都通过笔墨得到了完美的展现。这本书没有回避中国画发展过程中遇到的挑战和变革，作者对于近现代中国画的演变，也给出了自己独到的见解，例如如何在新旧思想的碰撞中，探寻新的艺术出路。
评分我一直对中国水墨画有着浓厚的兴趣，但常常觉得自己在欣赏时，总隔着一层纱，抓不住其精髓。这本书的出现，无疑为我拨开了迷雾。它不仅仅是一本关于绘画技法的书籍，更是一部深入剖析中国绘画背后哲学思想的著作。作者在开篇就旗帜鲜明地提出了“写意”与“写实”的辩证统一，并且通过大量的历史案例，阐述了在中国绘画发展过程中，“意”始终是高于“形”的。我特别喜欢书中关于“皴法”的解读，作者没有将它仅仅看作是表现山石纹理的技巧，而是将其上升到一种“笔墨精神”的体现，每一种皴法都有其独特的哲学内涵，比如披麻皴的绵延不绝，如同绵延的山脉，又如同川流不息的时间；斧劈皴的刚劲有力，如同山石的骨骼，又如同坚韧不拔的意志。更令我着迷的是，书中对“留白”的讨论，作者将其视为画面重要的构成部分，不仅仅是空白，更是“无”中生“有”的艺术策略，是一种精神的拓展，一种留给观者想象的空间。这种“虚实相生”的理念，贯穿于中国艺术的方方面面，而在这本书中，我第一次如此清晰地感受到了它在中国绘画中的具体体现。我读到关于倪瓒的章节，作者对他“一河两岸”构图的分析，不仅仅是形式上的描述，更是对其孤高清洁人格精神的映射，这种将画家个人品性与作品风格紧密结合的解读方式，让我耳目一新。
评分这本书给我的感觉，就像是在参加一场跨越千年的艺术盛宴，每一次翻阅，都能从中汲取到古人智慧的精华。我一直觉得，中国画的独特之处，在于它不拘泥于形似，而更注重神似。作者在开篇就对“神似”进行了深入的阐述，他认为，“神似”是中国画的灵魂，是画家通过对事物内在精神的把握，来达到与现实相似的最高境界。书中对人物画的解读，让我看到了古人如何通过人物的眼神、姿态、服饰，来刻画其内心的世界，那种“传神阿堵”的境界，真是令人叹为观止。我特别喜欢书中对晋唐时期人物画的分析，例如顾恺之的“点睛”之法，正是对“神似”的极致追求。接着，书中又将目光转向了山水画，作者认为，山水画并非是对自然景色的简单描摹，而是画家对天地自然的感悟和抒发。那种“胸中山水”的构思，那种“笔墨意趣”的挥洒，都体现了画家与自然的深度融合。书中对宋元山水画的分析，让我看到了不同时代、不同地域画家，如何在各自的思想体系下，创造出千姿百态的山水画风。
评分这本书对我而言，不只是一部艺术史，更是一次精神的探索之旅。我一直觉得，中国画的独特魅力，在于它能够超越物质世界的表象，直抵事物的内在精神。作者在开篇就强调了“以形写神”在中国画中的重要性，他认为，画家并非仅仅是对客观物象的模仿，而是通过对物象的观察和理解，来捕捉其内在的生命力和精神气质。书中对人物画的解读，让我看到了古人如何通过人物的眼神、表情、手势，来刻画其复杂的情感和丰富的内心世界。我特别喜欢书中关于“神似”的论述，作者认为，“神似”是人物画的最高境界，它能够让观者感受到画中人物的生命力，仿佛他们就在眼前。接着，书中又将目光投向了山水画，作者认为，山水画不仅仅是对自然景色的描绘，更是画家对天地自然的感悟和抒发。那种“胸中丘壑”的构思，那种“笔墨意趣”的挥洒，都体现了画家与自然的深度融合。
评分这本书就像是一扇通往中国绘画内在精神世界的窗口，让我得以窥见那些隐藏在笔墨之下的深刻思想。我一直觉得，中国画的魅力在于其“意”，在于那种言外之意、画外之境，而这本书，恰恰是对“意”的最好诠释。作者在开篇就强调了“笔墨”作为中国画独特的语言，它不仅仅是工具，更是承载着艺术家情感和思想的载体。我特别喜欢书中对“写意”精神的深入剖析，作者认为，“写意”并非是对现实的概括，而是对事物本质的把握，是对生命内在律动的捕捉。书中对水墨晕染的技巧，以及各种笔法的运用，都赋予了它们哲学的意义。例如，“飞白”的运用，看似是笔力不足，实则是一种对时间流逝、生命枯荣的象征，充满了禅意。作者对于花鸟画的解读，也让我看到了其中蕴含的“万物有灵”的观念，那些在画面中栩栩如生的花鸟，并非简单的造型，而是画家对自然生命的赞美和对生命和谐的期盼。书中对徐渭、八大山人等画家的分析，让我看到了他们如何在颠沛流离的人生中，将内心的愤懑、孤独、以及对生命的顽强热爱，通过笔墨淋漓尽致地表达出来，他们的画作，就是他们精神的呐喊。
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