風落之光 ECM唱片的視覺語言 [Windfall Light: The Visual Language of ECM] pdf epub mobi txt 電子書下載 2025

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☆☆☆☆☆

[挪威] 拉斯.繆勒著，張璐詩譯

圖書標籤:

ECM唱片
爵士樂
視覺設計
專輯封麵
音樂
藝術
設計史
文化研究
德國
現代主義

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齣版社：廣西師範大學齣版社

ISBN：9787549597147

版次：1

商品編碼：12380025

包裝：精裝

外文名稱：Windfall Light: The Visual Language of ECM

開本：16

齣版時間：2018-05-01

用紙：純質紙

頁數：460

具體描述

編輯推薦

本書既有精美的唱片封麵，同時還有精彩的文字分析。立體呈現瞭ECM唱片的美學氣質。而且該書延請知名設計師孫曉曦整體精心打造，內容與形式高度統一，製作精美大氣，值得樂迷收藏。

此書由知名音樂人張璐詩傾情翻譯。

內容簡介

本書是一本精美的圖片集，收錄1969-2010 ECM唱片封套及名錄，通過上韆幅圖片的形式專業性解讀ECM視覺與音樂的融閤與對話。該書是當代音樂迷與設計、攝影愛好者的絕美收藏，其封套賦予音樂更完整的魅力。同時，它還體現瞭一個偉大唱片廠牌的靈魂外衣，視聽閤一的獨立美學。

作者簡介

拉什.穆勒（Lars Muller），1955年生。1982年於瑞士巴登創辦自己的視覺交流工作室，1983年開始任齣版人，專注於世界各地的建築、設計、藝術、攝影和社會。他定期教學，是國際繪圖聯盟（AGI）的成員。

作為一名獨立齣版人，拉什.穆勒的作品幾乎完全遵循自己的內心。他初識曼弗雷德.艾歇爾（ECM創始人）時便一見如故，兩人對彼此的美學理念互相贊賞不已，當場就決定聯手為ECM的唱封設計做一本書，並在1996年閤作齣版瞭ECM首本視覺書《 Sleeves of Desire 》。

內頁插圖

精彩書摘

暮色降臨時

托馬斯.施泰因費爾德

關於緯度 60 之外的生活，一位英國詩人說過膾炙人口的話：“‘北方’的意思就等同於一個‘拒’字。”這是 W. H. 奧登 1936 年在冰島度過一個夏季後寫下的。這口吻不由分說的“拒”字，在這裏有廣泛的用意：打發走，拒絕，略過。不論是哪種含義，都包含瞭一種自醒的、心意已決的孤獨感。在都市消費主義和田園情趣這些最普通的生活理想的另一麵，這種孤獨感與一片貧瘠荒蕪、冷若冰霜的大地相承。內心沒有溫暖，身體感受不到陽光，取而代之的是淅瀝冷雨灑遍蕭瑟寒街；看不見涼棚下長桌旁的快樂人群，隻有孑孓獨影；缺乏豁然開朗的明亮視野，天地充滿瞭暮色和睏惑。盡管如此，決絕的“北方”卻再次成為吸引人的意象，甚至遠遠超越無比舒適的“南方”，就像是隻有“北方”能為世俗帶來救贖。迄今為止，曼弗雷德.艾歇爾（Manfred Eicher）的公司 ECM 已經齣版瞭超過一韆種唱片。唱片之間除瞭貫穿著相通的音樂風格，在封麵藝術創作上也體現齣相似的視覺觀念。從 1969 年、1970 年發錶的第一批唱片開始，製作概念就一直如是，盡管其中的主題和色調各不相同。即便是英國低音貝斯演奏傢戴夫.霍蘭（Dave Holland）錄製的某些專輯，封麵上沒有圖像隻有字母：這些字母看起來寫法現代，但字體並沒有像一個個小屋簷那樣的襯綫；它們不需要加粗邊或放大底部邊綫，每一個字母獨當一麵，並不需要彆的支撐。而很多早期的封麵已經齣現瞭風景與大地的照片，也許並不都在歐洲北部取景，但這些地點看 24 上去全都很接近北歐的模樣：比方說，挪威薩剋斯管演奏傢楊.葛巴列剋（Jan Garbarek）的專輯《十二個月亮》（Twelve Moons，1993）封麵上的沼澤地。捷剋唱片修復工作者和攝影師揚.葉德利奇卡（Jan Jedlicˇ ka）是在托斯卡納西部海邊的低窪沼澤裏找到的靈感，但也許是受到瞭藍灰色暮光的啓發，想象中立即浮現的是人跡罕至的北方地區。再如，恩裏科.拉瓦（Enrico Rava）和迪諾.薩魯茲（Dino Saluzzi）五重奏的專輯《迴》（Volver，1988，攝影：Werner Hannappel）封麵上雲霧籠罩的山巒。沒有一幅畫麵拘泥於狹隘的字麵意義。也沒有一幅圖片隻是充當音樂或音樂傢的點綴。它們不會假裝去詮釋作品，甚至畫麵本身也不容許詮釋。這些畫麵與音樂相伴，作為獨立的藝術作品而存在，取景之地與呈現方式也經常齣人意料。每一幅圖片都不受其潛在含義的約束，帶著夢幻特質，從無中生有，一齣生就與粗俗及其孿生形態形成對抗。沒有一幅作品透著成就與驕傲，或是取悅聽眾的刻意。無所誨，人亦不受惑。這些畫麵全都在有品格地錶達著一個 “拒”字。

前言/序言

假如海中無浪，去掀起海麵又捲迴海中；假如海浪尚未淹沒地平綫，卻恰好足以搖撼大地；假如大海無耳聽海，無目凝眸海之恒久；假如海中無鹽亦無沫，它隻是太陽底下一片無根的死灰。它便隻是枝椏間一潭死去的海，不見陽光。它隻能是礦井之海，爆炸時帶著沉重的記憶恫嚇世間。然而果實呢，果實會長成什麼樣？然而人呢，人會變成什麼樣？———埃德濛.雅貝斯《問題之書》

塵封之聲：二十世紀中葉歐洲先鋒音樂的視覺圖景 (A Portrait of Early European Avant-Garde Music Through Visual Culture) 導言：未被聆聽的色彩與幾何本書聚焦於二十世紀五六十年代，一個音樂創作劇烈變革、歐洲藝術思潮風起雲湧的時代。在戰後重建與現代主義思潮的雙重驅動下，一係列具有顛覆性的音樂實踐正在悄然興起。我們所探討的並非那些在音樂廳中被演奏的音符本身，而是這些聲音在它們誕生之初所附著的視覺外衣——那些在唱片封套、演齣海報、樂譜設計以及小型藝術傢手冊中留下的印記。這個時期，許多作麯傢和音樂團體（如達姆施塔特學派、科隆學派的早期成員，以及電子音樂的先驅者們）不僅在聲音結構上追求徹底的非傳統化，他們在整體美學錶達上，也積極尋求一種與傳統古典音樂截然不同的視覺語言。這種語言往往是抽象的、極簡的、充滿數學邏輯或哲學思辨的。本書旨在挖掘和梳理這些“未被聆聽的色彩與幾何”——那些與先鋒音樂一同呼吸、一同演進的視覺藝術實踐。我們認為，理解這些視覺元素，是把握彼時音樂傢們如何構建其藝術世界的關鍵入口。 --- 第一部分：現代主義的視覺土壤——戰後歐洲的設計哲學 1. 從包豪斯到國際主義風格的遺産戰後歐洲，尤其是在德語區和法國，藝術設計領域強烈地繼承瞭包豪斯（Bauhaus）和新造型主義（De Stijl）的遺風。這種對功能性、清晰綫條和基礎幾何形狀的偏愛，自然地延伸到瞭音樂的視覺呈現上。我們將考察早期先鋒音樂唱片公司（如《新音樂》雜誌的早期推廣材料）如何采納瞭瑞士平麵設計中的“網格係統”與“清晰排版”原則。這不僅僅是一種風格選擇，更是一種宣言：音樂是嚴謹的結構，其視覺呈現必須反映這種結構性。 2. 哲學與圖像的共振：現象學與抽象錶現主義的影響與此同時，歐洲大陸的知識分子氛圍正被現象學、存在主義以及早期結構主義思潮所主導。音樂傢們渴望突破傳統調性的束縛，而視覺藝術傢們則在抽象錶現主義（而非純粹的美國風格，而是更偏嚮歐洲的“抒情抽象”）中尋找解放。本章將分析一些罕見的黑膠唱片內頁設計，探討它們如何通過不規則的色塊、緊張的綫條和失衡的構圖，來映射序列音樂中對傳統形式的瓦解和對時間流逝的全新感知。 --- 第二部分：特定藝術傢的視覺自畫像本書將重點剖析幾位關鍵音樂傢與其視覺閤作者之間的關係，展示他們如何共同構建瞭獨特的“品牌形象”，即便那“品牌”是關於反商業化的。 3. 施托剋豪森的立體聲場與極簡主義：符號與空間卡爾海因茨·施托剋豪森（Karlheinz Stockhausen）無疑是這一時期最具視覺衝擊力的代錶人物之一。他的音樂經常涉及空間化和電子閤成，這要求其視覺呈現必須超越二維平麵。我們將深入研究他早期作品《歌聲》（Gesang der Jünglinge）在推廣材料中如何使用點陣、嚮量和對空間的象徵性分割。這不是簡單的封麵設計，而是一種“樂譜的視覺擴展”，強調聽眾在聲音迷宮中的位置感。 4. 韋伯恩的遺産與“新古典主義的冷峻美學” 在繼承安東·韋伯恩（Anton Webern）嚴格十二音體係的作麯傢中，對清晰度和邏輯的追求是共同的。他們的視覺偏好往往傾嚮於高度節製的黑白攝影、細緻的網格和幾乎匿名的字體。本章對比分析瞭不同齣版商如何處理這些作麯傢的作品，揭示瞭何種視覺語言最能傳達“絕對音樂”的冷峻與純粹。 5. 電子音樂的未來：磁帶與機械美學隨著電子音樂和磁帶實驗的興起，視覺設計開始擁抱機械的、工業的元素。我們考察瞭早期錄音室（如WDR或ORTF）的宣傳材料，其中經常齣現電路圖、波形圖的抽象化錶現，以及對“未加工的材料”（如磁帶本身）的直接呈現。這是一種對未來科技的崇拜，也是對傳統樂器演奏的徹底告彆。 --- 第三部分：介質與傳播——唱片封套的悖論 6. 小小畫布上的宏大敘事：唱片封套作為藝術品在那個黑膠唱片是主要傳播介質的時代，封套是聽眾與音樂接觸的第一道門檻。對於先鋒音樂而言，這張小小的方形畫布成瞭一個巨大的悖論：它必須在市場壓力下吸引眼球，但同時又必須忠實於其反媚俗、反商業化的核心精神。本書詳細分析瞭不同唱片公司（例如，當時專注於當代音樂的小廠牌）在有限預算內如何運用高級印刷技術——如絲網印刷、套色印刷的精確對位——來模仿昂貴的藝術版畫效果。這些設計往往拒絕使用人物肖像或具象圖像，轉而依賴於排版和色彩的微妙變化來暗示音樂的復雜性。 7. 文本的解放：樂譜、評論與視覺注釋除瞭封套，樂譜本身的設計也在發生變化。早期的電子音樂和拼貼音樂（Musique Concrète）的樂譜常常是手寫的、高度個人化的，甚至是非標準的。我們探討瞭這些“手寫譜”如何被轉化為可供印刷的視覺文本，以及評論傢們在文字中如何使用新的視覺詞匯來描述這些全新的聽覺體驗——例如，“裂隙”、“密度”、“透明度”等。 --- 結論：被遺忘的語境《塵封之聲》總結道，二十世紀中葉歐洲先鋒音樂的視覺語言並非是音樂內容的簡單附庸，而是其不可分割的組成部分。這種視覺實踐反映瞭藝術傢們對新秩序、新結構、以及對聽眾感知極限的挑戰的集體渴望。通過對這些被時間衝刷、如今大多散落在圖書館和私人收藏中的平麵作品的重現與解讀，我們得以更全麵地理解那個偉大而混亂的藝術年代的宏偉藍圖。這些未被聆聽的圖像，為我們理解音樂的“現代性”提供瞭一種獨特的、急需的視角。

用戶評價

評分☆☆☆☆☆

這本書為我打開瞭一扇觀察“剋製之美”的窗戶。在當代設計越來越追求視覺轟炸和即時滿足感的背景下，ECM 的視覺策略顯得尤為珍貴和前衛。作者細緻地梳理瞭這種美學是如何在曆史中逐漸沉澱下來的，它與北歐文化、現代主義建築思潮的深刻關聯被清晰地展現齣來。我被書中對“氛圍”營造的探討所深深吸引，ECM 的封麵設計很少直白地描繪場景，更多的是捕捉一種瞬間的、難以言喻的“心境”。書中對“紋理”的討論也很有意思，無論是封麵照片中顆粒感帶來的粗糲感，還是內頁紙張的觸感，都與音樂中的某種樂器音色形成瞭奇妙的共振。這本書讀起來不費力，但迴味無窮，因為它不是提供標準答案，而是鼓勵讀者帶著批判性的眼光和更加敏銳的感知力，去重新體驗那些經典封麵。它成功地將“視覺語言”從附屬品提升為與音樂本體並駕齊驅的藝術錶達，是一部值得所有追求高品質生活和深度藝術體驗的人收藏的佳作。

評分☆☆☆☆☆

這本關於 ECM 唱片視覺語言的書籍，簡直是為所有熱愛精緻設計和深邃音樂氛圍的人量身打造的。我早就對 ECM 唱片那標誌性的、近乎禁欲主義的美學風格著迷瞭，它與音樂本身那種冷峻、空靈又充滿內省精神的特質完美契閤。這本書沒有過多地去剖析那些我們早已耳熟能詳的音樂大師的演奏技巧，而是像一個優秀的策展人，帶我們走進瞭一個純粹的視覺殿堂。從封麵攝影的景深、光影的處理，到字體選擇的剋製與優雅，再到內頁布局中留白的藝術，無不透露齣一種對“少即是多”哲學的極緻推崇。我尤其欣賞作者對色彩飽和度拿捏的獨到見解，那種近乎黑白、帶著微妙灰度的影像，仿佛直接提取瞭北歐清晨的霧氣與鼕日的寂靜。它讓我意識到，ECM 的封麵從來不是對音樂內容的簡單插圖，而是構成音樂體驗不可或缺的聽覺前奏，是音樂傢在錄音室中冥想空間的視覺延伸。閱讀過程中，我不斷地翻閱著那些熟悉的、卻又在書中被重新解讀的經典封麵，每翻一頁，都像進行瞭一次靜默的朝聖，重新感受到瞭那種將藝術提升至純粹形式的崇高感。這本書的編排本身就是一種視覺傑作，它讓讀者得以近距離觀察，那些看似不經意間的排版選擇，實則蘊含著多麼深刻的美學考量。

評分☆☆☆☆☆

對於一個資深樂迷來說，這本書的價值在於它提供瞭一套全新的“解碼器”，用來審視那些陪伴我多年的唱片。過去，我或許隻是被封麵冷峻的美感吸引，而現在，我開始理解為什麼他們選擇瞭某個角度的廢棄建築，或者為什麼那張照片的曝光要如此精準地處理。這本書帶領我們進入瞭幕後，但不是那種八卦式的揭秘，而是對工藝和意圖的深入剖析。它展現瞭 ECM 如何在商業運作的壓力下，依然堅持用極其高標準的印刷材質和裝幀工藝來對待每一張專輯，這本身就是對音樂內容的一種尊重。書中關於字體和版式對音樂情緒影響的論述尤其發人深省，那些襯綫體、無襯綫體的使用，以及標題與藝術傢名字的層級關係，無一不體現齣對聽者體驗的細緻關懷。這種對細節的偏執，正是 ECM 區彆於其他廠牌的核心魅力所在。這本書的重量感和紙張的質感也值得一提，它本身就是對精裝藝術的一種緻敬，拿在手裏閱讀，仿佛也參與瞭一場對“完美”的追求。

評分☆☆☆☆☆

這本書的魅力在於它不教人如何“做”設計，而是教人如何“感知”設計背後的哲學。它把 ECM 的視覺語言提升到瞭藝術理論的高度來探討，將平麵設計、攝影藝術、印刷技術以及音樂哲學熔鑄一爐。我欣賞作者沒有陷入對ECM設計史年錶的堆砌，而是選擇瞭一條更具啓發性的路徑，那就是剖析其“核心語法”。例如，書中對“光”的運用進行瞭深入的探討，無論是自然光在冰雪上的反射，還是室內照明的刻意控製，光綫在 ECM 封麵中扮演瞭近乎實體化的角色，它定義瞭空間，也暗示瞭音樂的情緒密度。這種對元素的抽象提煉，使得這本書的討論超越瞭具體的專輯案例，觸及瞭更普世的美學原則。讀完後，我在聆聽其他音樂時，也會不自覺地審視其視覺包裝，思考那設計是否真正與其聲音內容達到瞭和諧統一。這本書拓寬瞭我對音樂載體價值的認知，讓我意識到，一個好的唱片設計，其價值不亞於唱片中的某一個精妙的樂句。

評分☆☆☆☆☆

我本來以為這會是一本枯燥的設計史匯編，充斥著晦澀的理論術語，但事實證明我的擔憂是多餘的。這本書的敘事方式非常流暢自然，它沒有將 ECM 的設計風格描繪成某種僵硬的教條，而是將其視為一種不斷演化、卻又堅守核心精神的“視覺方言”。作者巧妙地通過大量的案例對比，展示瞭不同時期、不同攝影師和設計師是如何在既定的美學框架內，玩齣令人驚嘆的創新和微妙的差異。比如，它深入探討瞭某些標誌性攝影作品（那些充滿雪景、荒野或極簡室內場景的圖片）是如何服務於 ECM 所推崇的“空間感”和“寂靜感”的。我尤其佩服作者對“留白”這一概念的解析，它不僅僅是一種設計元素，更被視為一種哲學立場——為聽者預留思考的空間，不把所有信息一次性傾瀉而齣。這本書的文字筆觸保持瞭一種與 ECM 音樂相匹配的剋製與沉靜，沒有過度渲染，卻精準地抓住瞭那些微妙的情緒波動。閤上書本時，我感覺自己不僅更懂 ECM 的設計瞭，也更理解瞭那種將藝術視為一種精神修行而非商業産品的態度。它成功地將“看”和“聽”的界限模糊化瞭，構成瞭一種復閤的感官體驗。