风落之光 ECM唱片的视觉语言 [Windfall Light: The Visual Language of ECM] pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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[挪威] 拉斯.缪勒著，张璐诗译

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ECM唱片
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现代主义

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出版社：广西师范大学出版社

ISBN：9787549597147

版次：1

商品编码：12380025

包装：精装

外文名称：Windfall Light: The Visual Language of ECM

开本：16

出版时间：2018-05-01

用纸：纯质纸

页数：460

具体描述

编辑推荐

本书既有精美的唱片封面，同时还有精彩的文字分析。立体呈现了ECM唱片的美学气质。而且该书延请知名设计师孙晓曦整体精心打造，内容与形式高度统一，制作精美大气，值得乐迷收藏。

此书由知名音乐人张璐诗倾情翻译。

内容简介

本书是一本精美的图片集，收录1969-2010 ECM唱片封套及名录，通过上千幅图片的形式专业性解读ECM视觉与音乐的融合与对话。该书是当代音乐迷与设计、摄影爱好者的绝美收藏，其封套赋予音乐更完整的魅力。同时，它还体现了一个伟大唱片厂牌的灵魂外衣，视听合一的独立美学。

作者简介

拉什.穆勒（Lars Muller），1955年生。1982年于瑞士巴登创办自己的视觉交流工作室，1983年开始任出版人，专注于世界各地的建筑、设计、艺术、摄影和社会。他定期教学，是国际绘图联盟（AGI）的成员。

作为一名独立出版人，拉什.穆勒的作品几乎完全遵循自己的内心。他初识曼弗雷德.艾歇尔（ECM创始人）时便一见如故，两人对彼此的美学理念互相赞赏不已，当场就决定联手为ECM的唱封设计做一本书，并在1996年合作出版了ECM首本视觉书《 Sleeves of Desire 》。

内页插图

精彩书摘

暮色降临时

托马斯.施泰因费尔德

关于纬度 60 之外的生活，一位英国诗人说过脍炙人口的话：“‘北方’的意思就等同于一个‘拒’字。”这是 W. H. 奥登 1936 年在冰岛度过一个夏季后写下的。这口吻不由分说的“拒”字，在这里有广泛的用意：打发走，拒绝，略过。不论是哪种含义，都包含了一种自醒的、心意已决的孤独感。在都市消费主义和田园情趣这些最普通的生活理想的另一面，这种孤独感与一片贫瘠荒芜、冷若冰霜的大地相承。内心没有温暖，身体感受不到阳光，取而代之的是淅沥冷雨洒遍萧瑟寒街；看不见凉棚下长桌旁的快乐人群，只有孑孓独影；缺乏豁然开朗的明亮视野，天地充满了暮色和困惑。尽管如此，决绝的“北方”却再次成为吸引人的意象，甚至远远超越无比舒适的“南方”，就像是只有“北方”能为世俗带来救赎。迄今为止，曼弗雷德.艾歇尔（Manfred Eicher）的公司 ECM 已经出版了超过一千种唱片。唱片之间除了贯穿着相通的音乐风格，在封面艺术创作上也体现出相似的视觉观念。从 1969 年、1970 年发表的第一批唱片开始，制作概念就一直如是，尽管其中的主题和色调各不相同。即便是英国低音贝斯演奏家戴夫.霍兰（Dave Holland）录制的某些专辑，封面上没有图像只有字母：这些字母看起来写法现代，但字体并没有像一个个小屋檐那样的衬线；它们不需要加粗边或放大底部边线，每一个字母独当一面，并不需要别的支撑。而很多早期的封面已经出现了风景与大地的照片，也许并不都在欧洲北部取景，但这些地点看 24 上去全都很接近北欧的模样：比方说，挪威萨克斯管演奏家杨.葛巴列克（Jan Garbarek）的专辑《十二个月亮》（Twelve Moons，1993）封面上的沼泽地。捷克唱片修复工作者和摄影师扬.叶德利奇卡（Jan Jedlicˇ ka）是在托斯卡纳西部海边的低洼沼泽里找到的灵感，但也许是受到了蓝灰色暮光的启发，想象中立即浮现的是人迹罕至的北方地区。再如，恩里科.拉瓦（Enrico Rava）和迪诺.萨鲁兹（Dino Saluzzi）五重奏的专辑《回》（Volver，1988，摄影：Werner Hannappel）封面上云雾笼罩的山峦。没有一幅画面拘泥于狭隘的字面意义。也没有一幅图片只是充当音乐或音乐家的点缀。它们不会假装去诠释作品，甚至画面本身也不容许诠释。这些画面与音乐相伴，作为独立的艺术作品而存在，取景之地与呈现方式也经常出人意料。每一幅图片都不受其潜在含义的约束，带着梦幻特质，从无中生有，一出生就与粗俗及其孪生形态形成对抗。没有一幅作品透着成就与骄傲，或是取悦听众的刻意。无所诲，人亦不受惑。这些画面全都在有品格地表达着一个 “拒”字。

前言/序言

假如海中无浪，去掀起海面又卷回海中；假如海浪尚未淹没地平线，却恰好足以摇撼大地；假如大海无耳听海，无目凝眸海之恒久；假如海中无盐亦无沫，它只是太阳底下一片无根的死灰。它便只是枝桠间一潭死去的海，不见阳光。它只能是矿井之海，爆炸时带着沉重的记忆恫吓世间。然而果实呢，果实会长成什么样？然而人呢，人会变成什么样？———埃德蒙.雅贝斯《问题之书》

尘封之声：二十世纪中叶欧洲先锋音乐的视觉图景 (A Portrait of Early European Avant-Garde Music Through Visual Culture) 导言：未被聆听的色彩与几何本书聚焦于二十世纪五六十年代，一个音乐创作剧烈变革、欧洲艺术思潮风起云涌的时代。在战后重建与现代主义思潮的双重驱动下，一系列具有颠覆性的音乐实践正在悄然兴起。我们所探讨的并非那些在音乐厅中被演奏的音符本身，而是这些声音在它们诞生之初所附着的视觉外衣——那些在唱片封套、演出海报、乐谱设计以及小型艺术家手册中留下的印记。这个时期，许多作曲家和音乐团体（如达姆施塔特学派、科隆学派的早期成员，以及电子音乐的先驱者们）不仅在声音结构上追求彻底的非传统化，他们在整体美学表达上，也积极寻求一种与传统古典音乐截然不同的视觉语言。这种语言往往是抽象的、极简的、充满数学逻辑或哲学思辨的。本书旨在挖掘和梳理这些“未被聆听的色彩与几何”——那些与先锋音乐一同呼吸、一同演进的视觉艺术实践。我们认为，理解这些视觉元素，是把握彼时音乐家们如何构建其艺术世界的关键入口。 --- 第一部分：现代主义的视觉土壤——战后欧洲的设计哲学 1. 从包豪斯到国际主义风格的遗产战后欧洲，尤其是在德语区和法国，艺术设计领域强烈地继承了包豪斯（Bauhaus）和新造型主义（De Stijl）的遗风。这种对功能性、清晰线条和基础几何形状的偏爱，自然地延伸到了音乐的视觉呈现上。我们将考察早期先锋音乐唱片公司（如《新音乐》杂志的早期推广材料）如何采纳了瑞士平面设计中的“网格系统”与“清晰排版”原则。这不仅仅是一种风格选择，更是一种宣言：音乐是严谨的结构，其视觉呈现必须反映这种结构性。 2. 哲学与图像的共振：现象学与抽象表现主义的影响与此同时，欧洲大陆的知识分子氛围正被现象学、存在主义以及早期结构主义思潮所主导。音乐家们渴望突破传统调性的束缚，而视觉艺术家们则在抽象表现主义（而非纯粹的美国风格，而是更偏向欧洲的“抒情抽象”）中寻找解放。本章将分析一些罕见的黑胶唱片内页设计，探讨它们如何通过不规则的色块、紧张的线条和失衡的构图，来映射序列音乐中对传统形式的瓦解和对时间流逝的全新感知。 --- 第二部分：特定艺术家的视觉自画像本书将重点剖析几位关键音乐家与其视觉合作者之间的关系，展示他们如何共同构建了独特的“品牌形象”，即便那“品牌”是关于反商业化的。 3. 施托克豪森的立体声场与极简主义：符号与空间卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）无疑是这一时期最具视觉冲击力的代表人物之一。他的音乐经常涉及空间化和电子合成，这要求其视觉呈现必须超越二维平面。我们将深入研究他早期作品《歌声》（Gesang der Jünglinge）在推广材料中如何使用点阵、向量和对空间的象征性分割。这不是简单的封面设计，而是一种“乐谱的视觉扩展”，强调听众在声音迷宫中的位置感。 4. 韦伯恩的遗产与“新古典主义的冷峻美学” 在继承安东·韦伯恩（Anton Webern）严格十二音体系的作曲家中，对清晰度和逻辑的追求是共同的。他们的视觉偏好往往倾向于高度节制的黑白摄影、细致的网格和几乎匿名的字体。本章对比分析了不同出版商如何处理这些作曲家的作品，揭示了何种视觉语言最能传达“绝对音乐”的冷峻与纯粹。 5. 电子音乐的未来：磁带与机械美学随着电子音乐和磁带实验的兴起，视觉设计开始拥抱机械的、工业的元素。我们考察了早期录音室（如WDR或ORTF）的宣传材料，其中经常出现电路图、波形图的抽象化表现，以及对“未加工的材料”（如磁带本身）的直接呈现。这是一种对未来科技的崇拜，也是对传统乐器演奏的彻底告别。 --- 第三部分：介质与传播——唱片封套的悖论 6. 小小画布上的宏大叙事：唱片封套作为艺术品在那个黑胶唱片是主要传播介质的时代，封套是听众与音乐接触的第一道门槛。对于先锋音乐而言，这张小小的方形画布成了一个巨大的悖论：它必须在市场压力下吸引眼球，但同时又必须忠实于其反媚俗、反商业化的核心精神。本书详细分析了不同唱片公司（例如，当时专注于当代音乐的小厂牌）在有限预算内如何运用高级印刷技术——如丝网印刷、套色印刷的精确对位——来模仿昂贵的艺术版画效果。这些设计往往拒绝使用人物肖像或具象图像，转而依赖于排版和色彩的微妙变化来暗示音乐的复杂性。 7. 文本的解放：乐谱、评论与视觉注释除了封套，乐谱本身的设计也在发生变化。早期的电子音乐和拼贴音乐（Musique Concrète）的乐谱常常是手写的、高度个人化的，甚至是非标准的。我们探讨了这些“手写谱”如何被转化为可供印刷的视觉文本，以及评论家们在文字中如何使用新的视觉词汇来描述这些全新的听觉体验——例如，“裂隙”、“密度”、“透明度”等。 --- 结论：被遗忘的语境《尘封之声》总结道，二十世纪中叶欧洲先锋音乐的视觉语言并非是音乐内容的简单附庸，而是其不可分割的组成部分。这种视觉实践反映了艺术家们对新秩序、新结构、以及对听众感知极限的挑战的集体渴望。通过对这些被时间冲刷、如今大多散落在图书馆和私人收藏中的平面作品的重现与解读，我们得以更全面地理解那个伟大而混乱的艺术年代的宏伟蓝图。这些未被聆听的图像，为我们理解音乐的“现代性”提供了一种独特的、急需的视角。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

对于一个资深乐迷来说，这本书的价值在于它提供了一套全新的“解码器”，用来审视那些陪伴我多年的唱片。过去，我或许只是被封面冷峻的美感吸引，而现在，我开始理解为什么他们选择了某个角度的废弃建筑，或者为什么那张照片的曝光要如此精准地处理。这本书带领我们进入了幕后，但不是那种八卦式的揭秘，而是对工艺和意图的深入剖析。它展现了 ECM 如何在商业运作的压力下，依然坚持用极其高标准的印刷材质和装帧工艺来对待每一张专辑，这本身就是对音乐内容的一种尊重。书中关于字体和版式对音乐情绪影响的论述尤其发人深省，那些衬线体、无衬线体的使用，以及标题与艺术家名字的层级关系，无一不体现出对听者体验的细致关怀。这种对细节的偏执，正是 ECM 区别于其他厂牌的核心魅力所在。这本书的重量感和纸张的质感也值得一提，它本身就是对精装艺术的一种致敬，拿在手里阅读，仿佛也参与了一场对“完美”的追求。

评分☆☆☆☆☆

这本书的魅力在于它不教人如何“做”设计，而是教人如何“感知”设计背后的哲学。它把 ECM 的视觉语言提升到了艺术理论的高度来探讨，将平面设计、摄影艺术、印刷技术以及音乐哲学熔铸一炉。我欣赏作者没有陷入对ECM设计史年表的堆砌，而是选择了一条更具启发性的路径，那就是剖析其“核心语法”。例如，书中对“光”的运用进行了深入的探讨，无论是自然光在冰雪上的反射，还是室内照明的刻意控制，光线在 ECM 封面中扮演了近乎实体化的角色，它定义了空间，也暗示了音乐的情绪密度。这种对元素的抽象提炼，使得这本书的讨论超越了具体的专辑案例，触及了更普世的美学原则。读完后，我在聆听其他音乐时，也会不自觉地审视其视觉包装，思考那设计是否真正与其声音内容达到了和谐统一。这本书拓宽了我对音乐载体价值的认知，让我意识到，一个好的唱片设计，其价值不亚于唱片中的某一个精妙的乐句。

评分☆☆☆☆☆

这本关于 ECM 唱片视觉语言的书籍，简直是为所有热爱精致设计和深邃音乐氛围的人量身打造的。我早就对 ECM 唱片那标志性的、近乎禁欲主义的美学风格着迷了，它与音乐本身那种冷峻、空灵又充满内省精神的特质完美契合。这本书没有过多地去剖析那些我们早已耳熟能详的音乐大师的演奏技巧，而是像一个优秀的策展人，带我们走进了一个纯粹的视觉殿堂。从封面摄影的景深、光影的处理，到字体选择的克制与优雅，再到内页布局中留白的艺术，无不透露出一种对“少即是多”哲学的极致推崇。我尤其欣赏作者对色彩饱和度拿捏的独到见解，那种近乎黑白、带着微妙灰度的影像，仿佛直接提取了北欧清晨的雾气与冬日的寂静。它让我意识到，ECM 的封面从来不是对音乐内容的简单插图，而是构成音乐体验不可或缺的听觉前奏，是音乐家在录音室中冥想空间的视觉延伸。阅读过程中，我不断地翻阅着那些熟悉的、却又在书中被重新解读的经典封面，每翻一页，都像进行了一次静默的朝圣，重新感受到了那种将艺术提升至纯粹形式的崇高感。这本书的编排本身就是一种视觉杰作，它让读者得以近距离观察，那些看似不经意间的排版选择，实则蕴含着多么深刻的美学考量。

评分☆☆☆☆☆

我本来以为这会是一本枯燥的设计史汇编，充斥着晦涩的理论术语，但事实证明我的担忧是多余的。这本书的叙事方式非常流畅自然，它没有将 ECM 的设计风格描绘成某种僵硬的教条，而是将其视为一种不断演化、却又坚守核心精神的“视觉方言”。作者巧妙地通过大量的案例对比，展示了不同时期、不同摄影师和设计师是如何在既定的美学框架内，玩出令人惊叹的创新和微妙的差异。比如，它深入探讨了某些标志性摄影作品（那些充满雪景、荒野或极简室内场景的图片）是如何服务于 ECM 所推崇的“空间感”和“寂静感”的。我尤其佩服作者对“留白”这一概念的解析，它不仅仅是一种设计元素，更被视为一种哲学立场——为听者预留思考的空间，不把所有信息一次性倾泻而出。这本书的文字笔触保持了一种与 ECM 音乐相匹配的克制与沉静，没有过度渲染，却精准地抓住了那些微妙的情绪波动。合上书本时，我感觉自己不仅更懂 ECM 的设计了，也更理解了那种将艺术视为一种精神修行而非商业产品的态度。它成功地将“看”和“听”的界限模糊化了，构成了一种复合的感官体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书为我打开了一扇观察“克制之美”的窗户。在当代设计越来越追求视觉轰炸和即时满足感的背景下，ECM 的视觉策略显得尤为珍贵和前卫。作者细致地梳理了这种美学是如何在历史中逐渐沉淀下来的，它与北欧文化、现代主义建筑思潮的深刻关联被清晰地展现出来。我被书中对“氛围”营造的探讨所深深吸引，ECM 的封面设计很少直白地描绘场景，更多的是捕捉一种瞬间的、难以言喻的“心境”。书中对“纹理”的讨论也很有意思，无论是封面照片中颗粒感带来的粗粝感，还是内页纸张的触感，都与音乐中的某种乐器音色形成了奇妙的共振。这本书读起来不费力，但回味无穷，因为它不是提供标准答案，而是鼓励读者带着批判性的眼光和更加敏锐的感知力，去重新体验那些经典封面。它成功地将“视觉语言”从附属品提升为与音乐本体并驾齐驱的艺术表达，是一部值得所有追求高品质生活和深度艺术体验的人收藏的佳作。