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张韬 著

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出版社： 河南美术出版社

ISBN：9787540119997

商品编码：1350865896

包装：平装

出版时间：2010-03-31

基本信息

书名：石鼓文临写指南

原价：12.00元

作者：张韬

出版社：河南美术出版社

出版日期：2010-03-31

ISBN：9787540119997

字数：

页码：60

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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在篆书系列中，《石鼓文》作为先秦刻石，具有独特的个性风貌。《石鼓文》在用笔、结构和章法上都有其自身的鲜明特色，它既有金文的浑厚雄强、气度非凡之风，又启秦代小篆工稳、匀称之势，在先秦刻石中有着无法替代的审美意义与价值。它的技法、技巧比较严谨，这一点，在秦代篆书中表现得尤为突出。因此，《石鼓文临写指南》在分析、欣赏《石鼓文》书法风格的同时，特别是在进行技法解说、技法训练中，与秦代刻石中的小篆进行比较，不仅从线条、结构方面，还从章法、风格方面，从而掌握其技法特征，深入地探讨它们所具有的审美价值。

目录

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第一章 《石鼓文》概述
第二章 用笔
第三章 线条
第四章 结构
第五章 偏旁部首
第六章 集字训练
附录 《石鼓文》（局部）

作者介绍

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文摘

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序言

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《丹青墨韵：中国传统绘画技法深度解析》 内容简介 本书是一部旨在系统梳理和深入剖析中国传统绘画核心技法、材料体系与美学思想的学术专著。它超越了基础入门的层面，致力于为具有一定绘画基础或对中国艺术史有浓厚兴趣的研究者、专业人士及资深爱好者提供一份详尽的“技术手册”与“理论透镜”。全书结构严谨，内容涵盖了从笔墨物质基础到高级章法布局的完整链条，力求在清晰阐述“如何做”的同时，深刻揭示“为何如此”。 全书共分为七大部分，近四十万字，旨在构建一个立体化的中国画技法认知体系。 --- 第一部分：笔墨物质基础与准备（The Material Foundation） 本部分聚焦于绘画创作前至关重要的物质准备工作，详尽考察了中国画“笔、墨、纸、砚”四大要素的内在哲学与实践要求。 一、 宣纸的生命形态与选择 不再停留在“生宣”与“熟宣”的简单区分上，本书深入探讨了皮纸、草纸、棉纸等不同材质的纤维结构对墨色洇化（渗透）与笔触力度控制的影响。详细解析了“净皮”、“特净”、“蝉翼”等等级宣纸的年代适应性、吸水性参数（以科学仪器测量数据为参考），并指导读者如何根据拟作题材（如界画的精准度、写意的奔放性）选择最适宜的纸张。特别辟章节探讨了古法手工纸的制作工艺及其对艺术效果的不可替代性。 二、 墨法的化学与物理 墨，在中国画中绝非简单的黑色颜料，而是光影、层次与气韵的载体。本部分剖析了松烟、油烟墨在油脂含量、颗粒细度上的差异，以及这些差异如何影响墨色的“黑度”、“润度”与“层次变化”。书中详述了“墨锭的炼制工艺流程”，并提供了自制墨汁的最佳配比指南（包括胶的种类与用量控制）。核心内容在于墨色的“五色”理论——如何通过控制水分比例，在同一支笔上调配出焦、浓、重、淡、清五种层次，并确保其在宣纸上稳定呈现。 三、 笔的结构、养护与流派倾向 狼毫、羊毫、兼毫的性能对比被提升至哲学层面。我们分析了不同动物毛发在“弹性”（韧性）与“蓄水性”上的差异，并将其与历代书画大家的用笔习惯进行交叉印证。例如，研究了宋代院体画家对“硬毫”在勾线时的“骨力”要求，以及元代文人画家对“柔毫”在皴擦时的“润泽”偏好。此外，本书提供了详尽的“笔的养护与再生”技术，包括针对不同污渍（如石青、矾红残留）的专业清洗方案，确保画笔作为身体延伸部分的持久效能。 --- 第二部分：线法的结构力学与精神内涵（The Dynamics of Line） 中国画的线是骨架，本书将线提升到结构力学的分析高度，探讨如何通过线条的粗细、疾缓、方圆来表达物象的内在生命力。 一、 传统勾勒的七种技法与应用 系统梳理了铁线描、兰叶描、高古游丝描、钉头鼠尾描等七种基础描法。重点不再是“如何画出”，而是“何时使用”。例如，兰叶描在表现山石皴法中的“过渡性”作用，以及高古游丝描在人物衣袂中的“流动性”控制。书中通过高倍显微镜下的线条截面图，直观展示了线条的“立体感”——笔尖的锐利与笔腹的饱满如何协同作用。 二、 皴法中的空间切割与体积塑造 皴法是山水画的灵魂。本书对披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主要皴法的“节奏变化”进行了深度解析。它分析了如何在同一块山体上，根据其结构走向，巧妙地运用“干皴”与“湿皴”的交替，以达到光影、肌理与体积的完美统一。特别引入了“结构预设”概念，强调皴线必须服从于山石的“地质学逻辑”。 --- 第三部分：墨韵的层次与光影构建（Layering and Atmosphere） 此部分是全书的技法核心，专注于如何运用墨的“五色”在中国二维平面上创造出深邃的空间感和自然的光照效果。 一、 积墨法的空间深掘 积墨法被视为中国画对光影理解的独特表达。本书详述了“由淡及浓，层层加固”的科学流程，并提出“墨层间隔时间控制”的精准标准，避免因水分未干而导致的“灰墨”现象。书中通过三维重建模型，演示了如何通过控制三层至五层墨色的堆叠，构建出深不见底的幽谷效果。 二、 破墨法的动势与对比 对比论述了破墨法（以浓墨破淡墨或以淡墨破浓墨）的“瞬间性”与“不可逆性”。重点剖析了“趁湿破墨”时，水分张力对墨线边缘产生的“自然飞白”效果，以及如何利用这种不确定性来增强画面气势，避免刻意为之的僵硬感。 --- 第四部分：设色体系的化学稳定与视觉平衡（Color Chemistry and Balance） 本书超越了传统矿物颜料的简单介绍，侧重于颜色在宣纸上的长期稳定性与不同色彩间的“视觉温度”调控。 一、 矿物颜料的制备与抗老化研究 详述了朱砂、石青、石绿等传统矿物颜料从矿石采集到研磨、入胶的全过程。特别关注了重金属颜料的“泛碱”与“褪色”风险，并提供了“低温上胶法”以提高颜料在宣纸上的附着力与色彩持久度。 二、 色彩的“气”与“韵”：冷暖调和的文人视角 分析了中国画设色中“不似之似”的原则。讲解了如何在保持墨骨的前提下，运用赭石、藤黄等暖性土色与石青、石绿等冷性矿色进行微妙的平衡，使画面在色彩饱满的同时，保持水墨的清雅之气。 --- 第五部分：章法布局的视觉引导与气脉贯通（Compositional Flow） 布局不再是简单的“填补空间”，而是关于“视觉路径”的精心设计。 一、 留白哲学的空间计算 将留白视为“负空间”的艺术。通过几何图形的分析，探讨了“计白当黑”的视觉权重计算方法，指导创作者如何利用空白区引导观者的视线，营造“虚实相生”的无穷意境，而非简单的“未完成”。 二、 散点透视与主体聚焦 深入解析了中国画独特的“散点透视法”，阐明其如何实现时间和空间的并置。同时，通过分析历代大师的作品，归纳出“三远法”（高远、深远、平远）在画面结构中对“焦点”和“视觉锚点”的设置规律。 --- 第六部分：特定题材的技法集成与创新（Genre Specific Synthesis） 本部分将前述技法应用于三大核心题材的实践操作中，强调技术与物象的有机结合。 一、 山水画：结构、皴、点、染的集成运用 以一幅完整山水画的创作流程为例，从地质结构草图到墨分五色的施加，再到苔点的精确落位，展示技术点的无缝衔接。特别关注云雾的处理——如何利用“淡墨泼晕法”的快速、大面积铺陈，营造出变幻莫测的自然气候。 二、 花鸟画：写意与写实的辩证统一 重点探讨了“双钩填彩”与“泼墨写意”两种路径。在写意方面，细致拆解了“一笔生动法”（如画竹叶或梅花，一笔完成形态与墨韵），以及如何通过控制提按来模拟花卉的向背之姿。 三、 人物画：动态捕捉与精神传达 从“骨法用笔”对人物骨架的支撑，到“衣纹向背法”对体积的暗示，本书强调人物画中线条的叙事性。分析了曹衣出水、柳叶裁等经典衣纹的结构原理，并探讨了如何通过眼神和手势的刻画，瞬间捕捉人物的内在情绪。 --- 第七部分：古法修复与技法回溯（Conservation and Retrospection） 作为收尾，本部分提供了一个历史视野，探讨传统技法在当代语境下的价值。 分析了古代书画在流传过程中发生的自然变化（如纸张老化、墨色氧化），并介绍了文物修复领域中常用的无损检测技术（如红外反射、X射线荧光分析），反过来指导当代画家如何预判自己作品的“永恒性”。最后，本书鼓励创作者在掌握传统规范的基础上，探寻个体化的笔墨语言，实现技法的“守正创新”。 目标读者： 中国画专业教师、研究生、美术史学者、以及希望将中国画技法提升至理论与实践高度的资深爱好者。 核心价值： 本书提供的是一套可操作、可量化、有理论支撑的中国画技术系统，旨在将传统技艺的“经验之谈”转化为可学习、可验证的“科学认知”。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书在装帧和纸张的选择上，体现了对传统文化最基本的尊重。市面上很多书法临帖本，纸张要么太滑，要么洇墨严重，让人抓狂。但《石鼓文临写指南》选用的纸张质地适中，吸墨性和透气性都拿捏得恰到好处，无论是用狼毫还是兼毫，都能清晰地看到笔锋的运行轨迹。更值得称赞的是它的“范本选取”部分。很多临写帖只是简单地收录了部分拓片，但这本书的编者显然是下了大功夫的，他们精选了不同时期、不同残损程度的石鼓文段落进行展示，这对于深入理解石鼓文的“变化”至关重要。你不会觉得石鼓文是一个僵硬的字体，而是能感受到它在流传过程中的生命力。特别是那些针对性练习的单元，比如专门针对“长线条的提按控制”或“特定字形的结体规律”设置的集中训练，非常高效。我以前写篆书总感觉“形似而神不似”，但通过这本书的引导，我开始体会到篆书的“气”是如何在横平竖直的结构中流动的。对于那些已经有一定书法基础，想进一步深挖篆书内涵的进阶学习者来说，这本书提供的深度和广度，绝对是物超所值的投资。

评分☆☆☆☆☆

这本《石鼓文临写指南》简直是书法爱好者的福音，尤其是那些对篆书情有独钟，但又苦于找不到系统入门途径的朋友。我当初拿到这本书时，最大的感受就是它的编排极其用心，简直像一位经验丰富的老先生手把手在教你。首先，它对石鼓文的源流和历史背景介绍得非常到位，不是那种干巴巴的教科书式描述，而是充满了故事性和趣味性，让你在拿起笔之前，就已经对这些古老的文字产生了深厚的敬意和情感连接。接着，关于笔法和结构的处理，简直是细致入微。它没有直接抛出复杂的理论，而是通过大量的实例对比，一步步拆解了石鼓文特有的“圆劲古拙”之美。比如，对于“点画的起收”和“线条的粗细变化”，书里图文并茂地展示了不同笔触带来的视觉差异，让我明白了为什么同样是篆书，石鼓文会显得那样雄浑厚重。这本书最大的亮点在于它提供的那种“可操作性”。它不是空谈理论，而是告诉你：当你写一个“日”字的时候，应该如何控制你的气息和腕力，才能写出那种内敛而有张力的线条。这种把抽象的审美经验转化为具体练习步骤的能力，是很多市面上其他书法教材所欠缺的。光是研究其中关于“章法布局”的章节，我都感觉自己的眼界大开，懂得了如何让一篇文章的气韵连贯起来。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，我以前对金石文字一直抱有一种敬畏感，觉得那玩意儿太“高冷”，不是我这种业余爱好者能企及的。直到我朋友推荐了这本《石鼓文临写指南》，我才发现，原来学习碑帖可以这么“接地气”。这本书的叙事风格非常亲切，它没有用那些晦涩难懂的专业术语来吓唬人，而是用非常现代、易懂的语言来解释那些古老的书写逻辑。最让我惊喜的是它附带的“常见错误分析与修正”章节。我常常困惑于自己的字写出来总是“软塌塌”的，在这本书里，作者直接把我的问题揪了出来，明确指出是哪个环节的力度控制出了偏差，然后给出了对应的纠正练习。这就像有位私人教练在身边指导一样，让你少走了很多弯路。它不是让你盲目地模仿，而是引导你去“理解”石鼓文的结构逻辑。通过反复研读书中关于“笔画的取势”的讲解，我逐渐明白，石鼓文的雄浑并非靠简单的“加粗”，而是依赖于每一个转折和起笔处蕴含的内在张力。这种由内而外的提升，比死磕字帖本身带来的进步要来得扎实得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远超一本简单的临摹字帖，它更像是一部“石鼓文的立体解构报告”。我最欣赏的一点是，它没有把石鼓文僵化地视为古代文物，而是活化了它。书中有专门一章探讨了如何将石鼓文的线条美学融入到现代的篆刻或设计中去，这让我看到了传统艺术的当代生命力。它不仅仅是在教你“怎么写”，更是在引导你“怎么看”和“怎么思考”。例如，书中关于“线条的力度与空间”关系的论述非常深刻，它解释了为什么石鼓文的线条看起来既饱满又充满弹性，这完全依赖于对“墨分五色”在篆书中的独特运用。此外，该书的配套资源，比如附赠的音频讲解（如果有的化，或者指代书中的详细文字讲解），更是将抽象的“力感”具象化。它教会我们如何用身体去感受篆书的节奏，而不是仅仅用眼睛去描摹。读完这本书，我感觉自己不再是简单地在“复制”古人的笔迹，而是真正开始与那位远古的匠人进行跨越千年的对话，体会到那种质朴而又磅礴的艺术精神。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的“使用者”角度来看，这本书的排版设计简直是教科书级别的。它的“临摹”部分做得非常科学合理。首先是高清原拓的呈现，清晰到连纸张的纹理都能看出来，这对于捕捉古代书家的微妙笔触至关重要。然后是关键的“对照分析页”，通常是将原拓与解析图并置，清晰地标注出每一笔的运行方向、粗细变化和收笔方式。这比那种只有黑白字帖的临摹本高明太多了。我特别欣赏它对“字法”的系统梳理。石鼓文的每个字形都有其独特的生命力，这本书将这些字形归类，总结出不同类字在结构上的共性与差异，让我能够举一反三。比如，当学会了“马”字的结构后，再去看结构类似的字，就豁然开朗了。这种结构化的学习方法，极大地提高了我的学习效率，让我不再是孤立地记忆单个字帖，而是开始建立起一个关于石鼓文整体风格的认知框架。对于希望通过自学达到专业水准的爱好者来说，这本书提供的这种结构化的学习路径是无价的。