中国美术史·大师原典系列 刘松年·十八学士图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508661834

商品编码：10388138867

品牌：中信出版（Citic Press）

开本：10开

用纸：纯质纸

页数：1

产品特色

编辑推荐

1、6米高清长卷，完整大图，用经折装的形式呈现给大家，高清复制，纤毫毕现，临摹鉴赏，诸般皆宜。

2、刘松年，南宋四大家之一。画院人中“绝品”。

技法上变李唐“斧劈皴”为小笔触的“刮铁皴”。

题材上多园林小景，人称“小景山水”。

所作屋宇，界画工整。所画人物，衣褶清劲，精妙入微

内容简介

唐初十八学士这一历史，传到宋代已成典故。两宋文人时常进行内容丰富的雅集活动。琴、棋、书、画，这是不可或缺的，歌舞曲艺、古玩彝器、饮酒美食也是常见的画面。十八学士的衣着虽然还是唐人的模样，家具器物却处处流露出宋代的特征，他们仿佛穿越了时光……

作者简介

刘松年（约1155-1218），南宋孝宗、光宗、宁宗三朝的宫廷画家。钱塘（今浙江杭州）人。擅画人物、山水，被誉为画院人中“绝品”。画学李唐，画风笔精墨妙，山水画风格继承董源、巨然，清丽严谨。与李唐、马远、夏珪合称为“南宋四大家”。

内页插图

精彩书摘

本丛书遴选中国美术史zui优秀的大师及其原典，完整大图呈现给读者——千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案

头锦瑟、枕边韶华。

——张子康 中国美术馆副馆长，全国美术馆专业委员会副主任

好的，这是一本关于中国古代艺术史的图书的详细简介，内容不涉及您提到的特定书籍： --- 《丹青溯源：宋元画论与笔墨精神》 导言：笔墨的哲思与时代的印记 本书旨在深入探究中国绘画艺术，特别是宋元时期绘画理论与实践的内在逻辑与时代精神。在长达千年的历史进程中，中国画不仅是视觉艺术的呈现，更承载着深厚的哲学思辨、士人情怀与文人士大夫的生命哲学。本书将聚焦于绘画理论的演变、笔墨技法的革新以及特定历史时期文人艺术家的精神世界，力求构建一个立体而丰满的中国画研究图景。 第一部分：早期理论的奠基——“形神兼备”的理想 本书的开篇将追溯中国画理论的源头，重点解析魏晋南北朝时期关于“气韵生动”与“以形写神”的早期论辩。 第一章：顾恺之与“传神写照”的开端 我们将详细梳理顾恺之在《论画》中所提出的核心观点，探讨其如何将绘画从单纯的技艺提升到精神表达的层面。这一时期的理论奠定了中国画重“神”不重“似”的基本原则，对后世影响至深。我们将通过分析现存少量作品及文献记载，还原当时士人对绘画本体论的初步构建。 第二章：宗炳与“山水画”的独立宣言 本章聚焦于山水画理论的独立性确立。宗炳在《画山水序》中提出的“卧游”思想，标志着山水画开始具备独立于人物画的审美价值和精神功能。我们将探讨这种“寄情山水”的观念如何回应了士人对超越现实、回归自然的渴望，以及其在中国美学体系中的重要地位。 第二部分：盛世气象与理论的成熟——宋代的规范与创新 宋代是中国绘画艺术的黄金时期，成熟的院体画与蓬勃发展的文人画并行发展，催生了丰富而系统的绘画理论。 第三章：北宋的“格物致知”与院体绘画 本章深入探讨了北宋官方画院在摹古与写实方面的成就。我们将重点剖析《圣朝名画评》等文献，研究他们如何将对自然的观察与对传统的继承规范化。着重分析郭熙的《林泉高致》，解读其关于“可行、可望、可游、可居”的空间哲学，揭示宋人对理想化自然境界的追求。 第四章：苏轼与文人画的自觉兴起 苏轼是文人画理论的集大成者。本章将集中讨论其“论画以诗”的观点，即绘画的价值在于抒发个人胸臆，而非单纯的技巧展示。我们将解析“意在笔先”的理论核心，并探讨苏轼与“竹”、“石”等题材的关系，阐释文人画如何成为士人阶层表达政治失意与人格操守的载体。 第五章：南宋的“理学”影响与理性的回归 南宋时期，理学思想对绘画产生了深刻影响。本章将考察这一时期画家如何将抽象的“理”融入具象的笔墨之中。重点分析马远的“一角两隅”构图法，探讨这种极简的布局背后所蕴含的禅宗思想和对有限空间内表现无限意境的追求。 第三部分：元代的精神转向——笔墨当随时代 元代是社会结构发生剧烈变动的时期，艺术家的身份从“供奉”转向“遗民”，绘画成为了他们坚守气节的战场。 第六章：元四家的笔墨革命 本章将聚焦于黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙这四位代表人物的艺术实践与理论贡献。我们将细致辨析他们对“用笔”与“用墨”的革新，特别是倪瓒的“萧疏淡雅”如何成为一种高度个人化的审美符号。本书认为，元代理论的核心在于从“写形”到“写心”的彻底转化，强调笔墨的物质性本身就是情感的载体。 第七章：盛懋父辈的承袭与“古意”的坚守 除了著名的元四家，本书也将关注如赵孟頫等在承续宋代规制的同时，如何为元代笔墨精神定下基调。赵孟頫“书画同源”的理论，强调线条的内在韵律与骨力，为后世书画的融合发展指明了方向。我们将分析他们如何通过对古人（尤其是董源、巨然）的推崇，来表达对前朝的忠诚与对乱世的疏离。 第四部分：理论的互文性与跨媒介的对话 本书的最后一部分着眼于中国画理论的内部结构及其与其他艺术形式的关联。 第八章：论“诗”、“书”、“画”的三角关系 我们将系统梳理自唐代以来，尤其是宋元时期，“诗中有画，画中有诗”的互文性理论的成熟过程。探讨如何通过题跋、印章，使一幅画作成为一个包含文学、书法和视觉艺术的复合体，而非孤立的图像。 第九章：笔墨的物质性与精神超越 在收尾部分，本书将对中国画的核心概念进行提炼，探讨“墨分五色”的技法如何服务于哲学表达，以及中国画家如何通过对水墨的微妙控制，达到对宇宙万物内在秩序的把握。这不仅仅是关于技法的讨论，更是对中国士人如何通过艺术安顿自我、实现精神自由的深刻剖析。 结语：永恒的探索 《丹青溯源》试图展示，中国绘画理论并非一套僵死的教条，而是在历史的激荡中不断自我反思、自我完善的鲜活体系。从魏晋的哲学萌芽到元代的文人绝唱，笔墨精神始终是中国艺术的灵魂所在。 ---

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作为一名对传统文化有浓厚兴趣的普通爱好者，我发现这本书最大的价值在于它提供的视角是如此的立体和多维。它似乎不满足于简单的艺术史梳理，而是试图从更宏大的社会背景、哲学思想乃至于当时士大夫阶层的生活方式中去理解艺术的生成。这种深挖根源的做法，让原本可能高高在上的艺术品，变得可亲、可感、可理解了。每一次翻阅，都像是在进行一次深入的文化考察，总能发掘出新的理解层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计语言与内容本身达到了高度的和谐统一，这绝非偶然。每一次触碰封面或者翻阅内页，都能感受到一种精致的克制感，这正是一种高级品味的体现。中信出版社的编辑团队显然下了大功夫，确保了从纸张的纹理到油墨的色彩过渡都精准地服务于主题的表达。它不仅仅是一本知识的载体，更是一件值得收藏的、能够提升个人书架格调的文化精品，光是摆在那里，就散发着一种安静而强大的文化力量。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式处理简直是艺术品级的享受。在阅读过程中，那些精心排布的插图和文本之间的留白处理得恰到好处，极大地提升了阅读的舒适度。它没有为了塞满信息而显得拥挤不堪，反而留出了足够的空间让读者的思绪得以沉淀和发散。这种留白的美学，本身就蕴含着东方艺术的精髓，让人在阅读文字的同时，也能通过视觉体验来感受作品的意境。这种对“阅读体验”的重视，是很多当代出版物所缺失的。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在选材上的独到眼光，它似乎不仅仅是在罗列史实，更像是在邀请读者进行一场跨越时空的对话。作者的叙述方式非常引人入胜，没有那种枯燥的学院派腔调，而是用一种非常生动、富有画面感的语言，将历史人物和他们的创作背景娓娓道来。读起来完全没有压力，甚至能让人感受到那种古代文人墨客们在特定历史时期下的精神面貌和艺术追求。这种深入浅出的解读，对于我们这些非专业人士来说，简直是打开了一扇通往中国艺术殿堂的便捷之门。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，中信出版社一贯的品质让人放心，无论是纸张的质感还是印刷的清晰度都达到了很高的水准。拿到手的时候，那种沉甸甸的分量感和封面传递出的历史厚重感，就已经让人对接下来的阅读充满了期待。特别是那种对细节的考究，比如字体选择和版式布局，都体现了出版方对艺术类书籍的专业态度。在信息爆炸的时代，能够拥有一本如此用心制作的实体书，本身就是一种享受。

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