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[意] 伊玛·莱诺（ImmaLanio）著孙杨婵丹译 著

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出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805017372

商品编码：10468176043

出版时间：2016-06-01

作  者:(意)伊玛·莱诺(Imma Lanio) 著；孙杨婵丹 译 定  价:69.8 出 版 社:北京美术摄影出版社 出版日期:2016年06月01日 页  数:379 装  帧:平装 ISBN:9787805017372 ●序言
●解析一幅画作
●构图
●设计
●线条
●色彩
●明暗
●形态―立体感
●褶皱
●透视
●视点
●仰视角透视
●短缩透视
●近景―背景
●比例―对称
●题记
●画家与订画者
●画家
●学徒―合作者
●画坊
●部分目录

内容简介

在创作的过程中，艺术家们总会通过一些手段或媒介（技巧、裱框、结构、形式、风格以及图示等），更好地表达艺术作品的精髓。
《绘画鉴赏方法》《版画鉴赏方法》《艺术风格鉴赏方法》《艺术流派鉴赏方法》《建筑鉴赏方法》这五本书，以图解的形式帮助我们了解艺术家诠释作品的方式，从而读懂艺术作品。
构图、色彩、线条、形态、透视、比例和明暗是艺术家们创作时追求的要素。在伊玛·莱诺著的《绘画鉴赏方法/图解艺术》中我们可以直观地了解画作背后复杂的起源。其中对于画作的表现手法和绘画技艺，原作者、订画者和观赏者，不同角度的研究与评价，创作时期和现代收藏的背景环境以及保存情况等方面都进行了详细介绍。
(意)伊玛·莱诺(Imma Lanio) 著；孙杨婵丹 译 伊玛·莱诺是一名艺术历史学家。她曾在卡布利亚大学主修历史与理论修复专业，目前在博塔尼亚大学从事当代艺术史方面的工作。她著有多本学术出版物，被誉为意大利文艺复兴方面的重要学者。

《光影的私语：西方艺术史中的色彩与构图》 一、引言：穿梭于光影织就的百年画廊 本书并非一本教授绘画技巧的实用手册，亦非一部详尽的艺术史编年录。它是一次深入的、以“视觉语言”为核心的探索之旅，专注于解析西方绘画史上，那些定义了不同时代精神与美学标准的——光影的运用与构图的逻辑。 我们相信，一幅杰作的诞生，是艺术家对客观世界的独特理解，通过对光线（色彩、明暗）的精确控制，以及对画面空间（结构、平衡）的精心编排所实现的。本书将避开繁复的生平传记与流派界定，转而聚焦于那些跨越时空，始终有效的视觉“语法”。 二、第一部：光线的秘密——从“神圣之光”到“自然之光” 1. 黑暗中的觉醒：中世纪与早期文艺复兴的“象征之光” 本部分首先探讨了在宗教叙事主导的时代，光线如何作为一种神学工具存在。哥特式教堂的彩色玻璃如何将入射的日光转化为神圣的、不可直视的启示？在乔托（Giotto）的壁画中，光线首次被用于塑造体积感，但这种光线本质上是均匀而理想化的，旨在强调人物的精神性而非物理真实性。我们将分析“空气透视”的初步萌芽，以及金色背景如何象征着永恒的空间，与我们所处的可变世界形成对比。 2. 科学与魔术的交汇：盛期文艺复兴的“焦点之光” 文艺复兴时期，随着透视法的成熟，光线开始服务于空间叙事。达·芬奇对“晕染法”（Sfumato）的运用，模糊了轮廓与背景的界限，创造出一种朦胧而富有心理深度的光效。我们着重分析莱昂纳多如何利用单一、明确的光源，赋予人物以雕塑般的质感。同时，提香（Titian）的色彩大师地位，也促使我们探讨光线如何不再仅仅是亮度，而是色彩的载体——温暖的肉体在金色阳光下的肌肤质感。 3. 巴洛克的激情：卡拉瓦乔的“戏剧性断裂光” 巴洛克时期是光线表达最为激烈的阶段。卡拉瓦乔（Caravaggio）及其追随者对“明暗对照法”（Chiaroscuro）的极致运用，被称为“Tenebrism”（暗色主义）。这种强烈的、近乎舞台聚光灯般的光线，不仅仅是为了立体感，更是为了情感的张力。光线不再是均匀照亮的背景，而是被“切入”黑暗的利刃，它指向罪恶、救赎、或突如其来的顿悟。本章将解构这种光线如何瞬间将一个平凡的场景转化为永恒的瞬间。 4. 洛可可的轻盈与荷兰小画派的“日常之光” 与巴洛克的宏大叙事相对，洛可可时期的光线变得柔和、分散且充满魅力，它服务于贵族生活的愉悦感。接着，我们将对比荷兰黄金时代的伟大成就——伦勃朗（Rembrandt）对内省之光的掌握。伦勃朗的光线似乎是从人物的内心深处散发出来的，它揭示了人性的复杂与衰老，是一种哲学性的光，而非单纯的物理现象。 5. 印象派的革命：瞬间的光与色彩的分解 十九世纪后半叶，随着科学对光学认识的加深，印象派彻底颠覆了“光”的描绘方式。莫奈（Monet）和雷诺阿（Renoir）不再描绘物体被光照亮后的固有色，而是捕捉光线在特定时间点、特定天气下对物体表面的瞬间作用。我们详细分析他们如何运用并置的纯色笔触来模拟人眼对光线的感应，以及这种方法如何解放了色彩的独立性。 三、第二部：空间的构建——构图的骨架与心理暗示 1. 稳定与秩序：黄金分割与古典布局 构图的根基在于数学和对平衡的永恒追求。本部分首先回顾古希腊雕塑和文艺复兴早期（如拉斐尔）对金字塔结构和黄金分割（Phi Ratio）的偏爱。这种构图法传递出稳定、和谐与永恒的秩序感，是西方古典美学的基石。我们将分析“平衡点”如何引导观众的视线，并锚定画面的主题。 2. 动态的张力：对角线与螺旋运动 与静态的古典构图相对，巴洛克艺术（特别是鲁本斯和委拉斯开兹）偏爱使用强烈的对角线和S形曲线来制造视觉的冲击力和运动感。这种构图策略迫使观众的视线在画面中快速移动，模拟戏剧性的瞬间。我们将考察“动态平衡”的概念——即通过故意打破轴线对称来增强画面的能量。 3. 封闭与开放：画框的边界游戏 构图不仅仅是画面内部元素的排列，也包括如何处理画框的边界。从早期绘画中“框内世界”的完整性，到马奈（Manet）和后来的现代主义者如何使用裁剪式构图（如德加对舞台边缘人物的描绘），暗示画面之外仍有无限延伸的空间。这种开放性构图模糊了艺术与现实生活的界限，邀请观众参与到未完成的叙事中。 4. 现代主义的解构：平面化与碎片化结构 进入二十世纪，随着摄影术对再现真实的反哺，构图目标转向探索二维平面本身的潜力。立体主义（Cubism）对多视点并置的尝试，彻底摧毁了传统的单点透视构图，将物体分解为几何碎片，展示了对时间和空间的全新理解。我们还将简要触及抽象表现主义（如波洛克）中，构图如何从“组织”转向“记录行动的过程”（All-over Composition）。 四、结语：观看的复兴 本书旨在提供一套成熟的“解码”工具，让读者在面对任何一幅西方绘画时，不再满足于表面的主题描述，而是能深入感知艺术家如何通过光线这一媒介来塑造情感，以及如何通过结构这一骨架来编织意义。最终，我们希望培养一种更具洞察力的观看方式——让光影和构图为你讲述它们自己的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格充满了古雅的学术腔调，仿佛每一句话都经过了反复的推敲和雕琢，力求精确到小数点后几位。它很少使用生动形象的比喻来描述视觉感受，更多的是依赖严谨的定义和逻辑推导。比如，描述一幅风景画时，它不会用“阳光洒满了树林，令人心旷神怡”这样的描述性语言，而是会用“特定波长光谱在画布上的反射率与环境光照参数的积分方程解构了三维空间向二维平面的转化过程”。这种对精确性的极致追求，使得阅读过程变得极其缓慢且需要高度专注。我个人更倾向于那种能用简单的词汇触动我心弦的鉴赏文字，能够引导我的感官先于我的理性去接收画面信息。这本书则恰恰相反，它强迫你先用理性的手术刀去解剖作品，然后再试图去感受它。对于那些希望在轻松愉悦的氛围中提升艺术品味的读者来说，这本书的“硬核”程度可能会让人感到压力倍增，它更像是给美术史博士生准备的“批判性思维训练手册”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字密度实在令人咋舌，阅读体验就像是在攀登一座信息量巨大的知识高山。我尝试着从目录中寻找一些关于“如何分析构图平衡”或者“光影对情绪表达的影响”的章节，结果发现这些主题都被巧妙地包裹在了对伦勃朗晚期作品的个案研究之中，而且分析的角度极其专业和微观。作者似乎默认读者已经完全掌握了基本的透视法和色彩理论，直接切入了对画家心理状态与创作意图的哲学探讨。举个例子，书中对一幅静物画的分析，用了整整三页篇幅来阐述物体排列背后蕴含的“虚无主义”倾向，而非去教授我们如何识别黄金分割在画面中的应用。这种写作风格极具挑战性，它不断地推高读者的智力门槛。我多次不得不停下来，查阅其他参考资料，以确保我理解了作者所指的“现象学视角下的视觉再现”。坦白说，这本书更像是艺术批评的“内参”，它要求读者不仅要看画，还要带着一套成熟的理论框架去解构画面的每一个元素。对于初学者而言，这无疑是一道高耸的墙壁，让人望而却步，但也为那些渴望深入理论研究的资深人士提供了坚实的理论基石。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，我感觉这本书更像是一本精致的文献汇编，而非一本流畅的指导书。它的结构非常松散，每一章似乎都独立成篇，缺乏一个贯穿始终的、易于操作的鉴赏流程图。比如说，当我读完关于印象派光影捕捉技巧的章节后，我期待下一章能给我一些关于后印象派如何超越光影的线性指导，但作者却突然转向了对东方水墨画中“留白”艺术的跨文化比较研究。这种跳跃性让我的阅读思路时常被打断。我希望能有一个清晰的“步骤一：看主题，步骤二：辨材质，步骤三：析情感”这样的指南，帮助我建立起一个通用的鉴赏工具箱。这本书提供的却是无数个针对特定艺术家的、极其细致入微的“案例分析笔记”。虽然这些笔记本身价值连城，包含了大量翔实的史料和独到的见解，但它们更像是散落在广袤田野里的珍珠，需要读者自己耗费极大的精力去串联和组织，才能形成一个有效的鉴赏体系。它考验的不是你的理解力，而是你的信息整合能力。

评分☆☆☆☆☆

我对书中关于“艺术品市场运作与鉴定学”部分的兴趣最大，然而这部分内容也最让我感到意犹未尽。我本以为会看到大量的真伪辨别案例，或者探讨一下当代艺术品估值体系的内在逻辑，以及如何通过底稿、签名、颜料成分分析来确定一件作品的“可信度”。但书中对这些实用技能的着墨非常有限，更多的是以一种历史回顾的姿态，简要提到了几个历史上著名的伪作事件，然后迅速将其归结为“社会对符号权威的焦虑”这一宏大命题下进行讨论。我期待的是那些能帮我识别一幅画是不是“原作”的细枝末节的观察技巧——比如，不同时期画笔边缘的处理方式差异，或者特定颜料制造商的批次特征等——然而，这些“匠气”的鉴别学知识点，被淹没在了对艺术赞助人与权力结构相互作用的冗长论述中。这本书的重心显然不在于“如何鉴定”，而在于“为何存在”，它更偏向于宏观的社会学和哲学分析，而不是微观的技术侦查，这让期待获得实用“反欺诈”技能的读者略感失落。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计初看之下，那种沉稳的墨绿色调和简约的字体排版，着实让人感受到一种对艺术的敬畏感。我满怀期待地翻开扉页，希望能找到一些能立刻提升我“看画”能力的秘籍。然而，随后的章节内容，似乎更偏向于对艺术史脉络的梳理，以及对某些流派兴衰背景的深度剖析。比如，书中花了大量的篇幅去论述文艺复兴早期佛罗伦萨画派与威尼斯画派在色彩运用和空间处理上的哲学差异，引用了大量晦涩难懂的拉丁文术语的解释。我本想学习如何快速捕捉一幅画的视觉焦点，或者分辨出不同时代画家在笔触上的细微差别，但看到的更多是关于赞助人制度如何影响了艺术题材的选择，以及教会对图像规范的严格控制如何塑造了中世纪的视觉语言。那种期待着“一看就懂”的实用手册式的指导，在这里并未得到充分满足。它更像是一部为专业学者准备的严肃学术著作，要求读者具备一定的历史文化背景知识储备，才能流畅地跟随作者的思路。对于一个只是想在周末去美术馆时，能多说出几句“内行话”的普通爱好者来说，这本书的前半部分阅读体验是略显枯燥和沉重的，它提供了知识的深度，却在“如何鉴赏”的实用技巧上显得有些含蓄和间接。