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陈巨来 编

图书标签:

• 陈巨来
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店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 上海书画

ISBN：9787807257271

商品编码：10169307839

出版时间：2009-05-01

基本信息

• 商品名称：陈巨来治印墨稿
• 作者：陈巨来
• 定价：90
• 出版社：上海书画
• ISBN号：9787807257271

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2009-05-01
• 印刷时间：2009-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：其他
• 包装：平装
• 页数：214

《丹青遗韵：宋代山水画流派探微》 作者：李墨轩 著 出版社：翰林书局 出版时间：壬寅年秋 --- 卷首语： 世人论画，多重法度与气韵，然欲穷究宋代山水画之堂奥，非历观其变迁、洞悉其流派之演进不可。本书不涉篆刻之章法，不探章草之笔意，乃专注于北宋中叶至南宋鼎盛时期，中国绘画史上最为璀璨夺目的一页——山水画之嬗变历程。笔者穷数十年心力，遍览公私庋藏，博采前贤之论，旨在勾勒出一条清晰可辨的脉络，呈现出宋代山水画由“格物致知”向“抒写性灵”的深刻转向。 第一编：北宋初期的宏大叙事与理性构建 北宋肇始，山水画摆脱了晚唐五代余绪的颓靡之气，呈现出一种昂扬向上、气象万千的时代精神。本篇将重点剖析以李成、范宽、关仝为代表的早期山水画大家。 一、荆浩、关仝的“雄伟”之风的继承与发展： 我们首先考察荆浩在太行山中所见的“斧劈皴”与“高远”构图法，如何被关仝继承并加以强化。关仝的画作，如《秋山晚照图》（今藏于台北故宫博物院），其笔法苍劲，石面如斧斫，气势磅礴，体现了早期画家对北方山川的直接体察与精神上的敬畏。此种风格，是宋初画家“格物致知”美学观的集中体现，即通过对自然万象的精微观察与理性提炼，达到“可行、可望、可居、可游”的境界。 二、李成的“寒林衰树”与“文人笔墨”的萌芽： 李成，以其独特的“钉头鼠尾”描法著称，尤擅表现冬季萧瑟的林木。他的作品，如《寒林平远图》，虽仍具法度森严之感，但其笔墨的松动与意境的清逸，已预示着山水画将逐渐脱离纯粹的匠人技艺，融入士大夫阶层的审美趣味。本章将详细分析李成如何通过对树木形态的程式化处理，构建了一种既符合自然逻辑又带有强烈个人印记的审美符号。 三、范宽的“近法”与“全景式”构图的集大成： 范宽无疑是北宋前期山水画的顶峰。其“师造化”的理念，使得他的画作具有无与伦比的厚重感和真实感。重点分析《溪山行旅图》中所展现的“近景突出、中景虚化、远景朦胧”的成熟全景式构图。此处将详细解构其标志性的“雨点皴”，论述这种皴法如何成功地表现了陕西秦岭地区花岗岩的坚硬质感与湿润气韵。我们认为，范宽的成功在于他将理性的观察与宏大的结构完美结合，达到了“形神兼备”的至高境界。 第二编：盛唐气象的转向——“院体”的鼎盛与“写实”的极致 宋徽宗时期，宫廷画院成为推动山水画技术化、程式化的核心力量。本编聚焦于郭熙及其对“可观、可游、可居”理论的实践。 一、郭熙的“论画”与“侧理”的创新： 郭熙的《林泉高致》是研究宋代画论的必读之作。本章将深入探讨郭熙提出的“三远法”（高远、深远、平远），并结合其传世作品，如《早春图》，分析“侧理”在表现山势的曲折起伏中所起到的关键作用。郭熙的画风，标志着山水画从纯粹的自然再现，开始向更具主动的审美建构迈进。 二、院体画的“程式化”与“院试”的影响： 院画家们在徽宗朝的推崇下，形成了高度统一的风格体系。他们极度精炼了北宋前期的皴法与墨法，形成了规范化的“院体”语言。本节将通过对比几位重要院画家的作品，如王诜、李唐（早期），分析在官方审美导向下，山水画如何趋向于一种精致、繁复且技法无可挑剔的“学院派”风格。这种风格，虽然在后期被文人画视为僵化之源，但在当时却是写实精神的最高体现。 第三编：南渡与“性灵”的觉醒——文人山水画的崛起 靖康之变后，宋室南迁，山水画的重心也随之转移，画家的精神面貌也发生了根本性的转变。 一、李唐与刘松年的“院体”向“水墨”的过渡： 李唐是连接南北两宋的关键人物。他的晚年作品，如《万壑松风图》，笔墨开始变得简率、劲健，皴法愈加自由奔放，这被视为文人画风的先声。紧接着，我们分析刘松年如何继承李唐的雄浑，并开始在水墨的表现力上做文章。他们的转变，体现了画家在国破家亡背景下，由“描摹世界”向“抒发胸臆”的心态调整。 二、“马夏”画派的“一角半边”与“空”的哲学： 马远和夏圭是南宋院画的极致，也是后世文人画理论家批评的焦点。本章是本书的重点之一。我们将深入分析“一角半边”构图法的内在逻辑。这种构图并非技穷，而是对禅宗“空”的意境的视觉化表达。画面中大量的留白，并非未完成，而是画家刻意营造的“未尽之意”，引导观者进入主体形象所暗示的精神空间。我们将详细剖析马远如何运用“斧劈皴”的变体和极简的点苔技巧，营造出苍茫、孤寂的意境。 三、“四家”的并峙与“意境”的多元发展： 在院体画之外，文人画的力量正在积蓄。虽然“元四家”尚未形成，但以李嵩、赵孟坚等为代表的文人画家，开始在山水画中融入更强烈的个人情志和写意精神。李嵩的精细描绘中透露出的士人情怀，与院体的程式化拉开了距离。 结语： 《丹青遗韵》最终旨在说明，宋代山水画的发展，是一部从“格物”到“写心”的演变史。无论是北宋的“法度森严”，还是南宋的“空灵简逸”，都是中国士大夫阶层在特定历史语境下对自然和宇宙的哲学思考的视觉投影。本书力求以扎实的考据和细致的笔墨分析，为读者呈现一个立体、多维的宋代山水画全景图，使其领略其中蕴含的深厚文化内涵与不朽的艺术魅力。 --- 附录： 一、宋代山水画重要画论辑录 二、主要画家世系与师承图 三、历代摹本对比研究（附图版）

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的旁观者的角度来看，任何关于大师手稿的出版，都像是在为历史留存一份鲜活的温度。《陈巨来治印墨稿》让我联想到，每一次落墨，都是一次对传统的“致敬”与“解构”。我非常好奇，在那些墨迹中，是否能捕捉到陈巨来先生对传统“谬误”的修正，或者说是他对某种“陈旧”的审美趣味的大胆革新？例如，在处理某些特定的字形时，他是否会刻意避开某个被过度使用的范式，转而从更早期的甲骨文、金文中寻找灵感，并将其用现代的篆刻语言重新表达出来？这本书，如果能提供这种“师承与创新”的对比参照，那就太令人兴奋了。它不仅仅是一本技法书，更是一部关于艺术史观的思考录。我期待能从那些未定稿的墨稿中，看到一个艺术家如何与浩瀚的历史对话，如何筛选、吸收，最终形成自己独一无二、令人信服的艺术标准。这本“墨稿”，无疑是通往其艺术内心世界最直接、最真实的通道。

评分☆☆☆☆☆

这本名为《陈巨来治印墨稿》的书籍，虽然我没有机会亲身翻阅，但从书名便能感受到一股扑面而来的翰墨清香与文人气息。我常想，一位篆刻大家在案牍之上，是如何将灵感化为刀下之形，又是如何在一方小小的印石中，凝聚起千年的篆刻精魂。这本书想必是记录了陈巨来先生在治印过程中的点滴思绪与技法探索，那些手稿、那些边款的初拟，都是沉默的艺术语言。我猜想，书中一定有许多关于章法布局的精妙构思，如何平衡朱白，如何呼应线条，这些都是治印者毕生追求的“道”。对于喜爱篆刻艺术的同仁来说，这无疑是一座宝库，它不只是教人“如何刻”，更重要的是阐释了“为何如此刻”。如果书中有大量陈巨来先生对古玺、秦汉印的临摹与心得，那价值更是不言而喻了，那是一种跨越时空的对话，是对传统精髓的继承与发扬。我期待能从中一窥大师的心路历程，理解那些看似随性实则深思熟虑的笔触背后，所蕴含的深厚文化积淀与个人独特审美。它必然是一本能让人静下心来，细细品味，反复摩挲的艺术珍品。

评分☆☆☆☆☆

每次看到有关于近现代篆刻大家的记录，我都会感到一种对时间流逝的无力感。他们留下的印章是永恒的，但他们创作时的心境和技艺的演示过程却常常被掩埋在历史的尘埃里。《陈巨来治印墨稿》如果能还原出那个“墨”与“石”交锋的瞬间，那份价值是无可估量的。我个人对陈先生那种看似粗犷却内蕴精致的刀法情有独钟，尤其是在处理文字的转角和线条的粗细变化上，他总能找到一个绝妙的平衡点，既不失古意，又充满了现代的张力。我更希望这本书能够展示那些“失败”或“未完成”的尝试。因为艺术的进步往往伴随着大量的试错，那些被舍弃的构思，可能恰恰能点醒还在为章法困扰的后学。这种对创作全过程的坦诚记录，比仅仅展示那些完美的作品更具启发性。它关乎取舍的艺术，关乎如何与材料进行一场充满张力的对话。如果这本书能成为一座桥梁，让后人得以窥见陈巨来先生的思考深度，那它就超越了一本普通的艺术图录，升华为一部重要的艺术史料。

评分☆☆☆☆☆

说实话，光是听到《陈巨来治印墨稿》这个名字，我的脑海里立刻浮现出一种古朴而又充满生命力的画面。我想，这绝非是一本空泛的理论说教之作，它更像是一本敞开心扉的艺术日记。陈巨来先生的印风，在我心中一直是浑厚、端庄，又不失灵动的典范。我尤其好奇，在那些“墨稿”中，他是如何处理文字与石材的矛盾统一性的？是先有文字的雏形，再寻石材的纹理，还是反过来，被一块奇石激发了某种文字的结构？这种创作的先后次序，往往决定了一方印的气韵。如果书中能配有详尽的图版和不同阶段的对比手稿，那就太棒了。比如，一个“闲章”的创作，从最初的构思草图到最终定稿，其间的取舍、增删，哪一句才是“点睛之笔”？对我这种尚在摸索阶段的爱好者来说，与其临摹成品，不如参详创作的过程，那才是真正的“心法”。我甚至想象，在某些重要的印稿旁边，或许会附着先生随手写下的批注，哪怕是寥寥数字，也可能蕴含着颠覆性的思考。这本书，应该能让我感受到那种“笔墨酣畅，一气呵成”背后的艰辛与锤炼。

评分☆☆☆☆☆

我一直在思考，当代篆刻如何才能跳出古人窠臼，走出一条属于自己的路。《陈巨来治印墨稿》这个名字，暗示着它可能包含了一种动态的、生成中的艺术状态，而不是静态的成品展示。我推测，书中可能会涵盖陈巨来先生对不同材料，比如寿山石、青田石，甚至是较为罕见的石材，在治印时所采取的不同策略。治印之“墨稿”，或许不仅是文字的草拟，更包含了对不同石性、不同色泽的预设与规划。比如，面对一块质地坚硬的石头，他会如何调整运刀的力度与节奏，从而在墨稿阶段就预先设定好那种“刚劲”的线条感？反之，面对一块温润的石头，墨稿的线条是否会更加圆润流畅？这种“因材施艺”的智慧，才是中国传统艺术的精髓所在，也是最难通过简单模仿习得的。如果这本书能够细致地剖析这种对材料的敏感性，并将其融入到创作手稿的脉络中，那它对现代创作者的指导意义将是深远的，教会我们如何真正地“读懂”石头。