古典音樂簡單到不行（盒裝套書） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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吉松隆 著

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出版社： 如果

ISBN：9789866702396

商品编码：16046525

出版时间：2009-06-01

内容简介

古典音樂真的可以簡單到不行！
日本超人氣的古典音樂套書，最受老師、學生、愛樂者歡迎的古典音樂入門

左手畫漫畫，右手指揮交響樂的日本重量級音樂家
吉松隆（Takashi Yoshimatsu）著
上市首週即衝入日本亞馬遜網路書店暢銷排行榜
日本音樂類書籍暢銷冠軍及長銷第一名

享受古典音樂從這裡開始：
第一步：掌握「古典樂的三項神器」，深入瞭解樂曲基本組成的精髓。
第二步：踏入「古典樂界這個江湖」，瞭解業界編制關鍵名詞，體會從業人員的滿腹心酸。
第三步：安坐「不滅的名曲殿堂」。古典音樂該從何聽、如何聽？曲式、樂派、名家名曲全面剖析。

【漫畫版】吉松隆人人都懂音樂講座
《古典音樂簡單到不行》．《古典音樂就是這樣子》．《古典音樂一下就聽懂》

這套書是為了
□覺得古典音樂的世界浩瀚無涯，想進入卻不得其門而入的人
□希望以活潑有趣的方式帶領學生進入古典音樂世界的音樂老師
□剛剛開始接觸古典音樂，希望快速掌握古典音樂精髓的音樂班學生

搞笑漫畫配合輕鬆幽默的文字，讓你迅速擁有開啟古典音樂殿堂大門的鑰匙。

看完本書你能馬上瞭解
□交響樂團的樂器編制
□不可怕的樂理
□作曲的基本工具．各種曲式．各種樂派
□認識之後好處多多的各種音樂用語
□認識之後感覺更像了不起的樂迷的各種用語

一曲又一曲的音樂就像寶物一樣，
出現在你的眼前，引誘你進入一個新的世界
現在，就讓我們展開古典音樂之旅吧！

作者简介

吉松隆（Takashi Yoshimatsu）

世界級的交響樂青壯作曲家，1953年出生於東京□谷，少年時期想成為像手塚治蟲一樣的漫畫家，或御茶水博士一樣的科學家，但在中學三年級接觸到古典音樂後，從此改變了他的人生，跨入了他的漫漫音樂生涯。

從慶應大學工學系休學，跳脫正統派的音樂教育，吉松隆的音樂自學歷程有許多獨到的心得，一九八一年以《朱鷺的哀歌》出道，帶給現代音樂界相當大的衝擊。他反對現代音樂的非音樂性，發表多首具獨創調性、節奏感以及幻想空間的作品。他的創作也不僅限於古典樂，2003年為紀念手塚治蟲為動畫《原子小金剛》創作片頭曲亦大受歡迎。

從一九八八年開始，他與英國的CHANDOS唱片公司，簽署專屬的作曲家契約，一年發表一張CD，至目前為止已出版多張CD。音樂評論及著作亦豐。

前言/序言

音乐的广阔天地：从巴赫到现代的交响之旅 本书旨在带领读者领略一个横跨数百年、充满无限可能的音乐世界。它并非专注于某一个特定的流派或时期，而是力求勾勒出西方音乐艺术发展的一幅全景图。我们的旅程将从宏伟的巴洛克时代启程，感受巴赫、亨德尔的精妙对位与神圣庄严；继而步入古典主义的黄金时代，沉浸于莫扎特那如水晶般澄澈的旋律，以及贝多芬如火山爆发般的英雄气概。 第一部分：根基的奠定——从中世纪到巴洛克（约1200年-1750年） 音乐的演变并非一蹴而就，而是经历了漫长的积累与革新。在巴洛克时代来临之前，中世纪的格里高利圣咏奠定了西方音乐的单音基础，它们如同古老的石碑，记载着早期的信仰与情感。随着复调音乐（Polyphony）的兴起，欧洲的音乐家们开始尝试将不同的旋律线巧妙地交织在一起，这无疑是音乐结构上的第一次飞跃。 进入17世纪，随着歌剧的诞生，音乐开始从宗教的殿堂走向世俗的舞台。意大利的音乐家们致力于发展主调音乐（Monody），强调清晰的旋律线与伴奏，这为后来的协奏曲和奏鸣曲形式奠定了基础。 然后，我们抵达巴洛克的高峰。巴赫（Johann Sebastian Bach）是这一时期的集大成者。他的作品，如《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》，展示了人类理性思维与音乐结构结合的极致。对位法在他的手中不再是僵硬的规则，而是流淌的生命。而亨德尔（George Frideric Handel）则以其宏大的清唱剧（如《弥赛亚》）和对戏剧性冲突的把握，将巴洛克音乐的辉煌推向了另一个顶点。这一时期的音乐特点是强烈的装饰性、清晰的节奏脉动以及对清晰和声框架的依赖。 第二部分：秩序与情感的平衡——古典主义的典范（约1750年-1820年） 巴洛克晚期的繁复与感性，催生了对清晰、平衡与优雅的追求。这就是古典主义时期。海顿（Joseph Haydn）被称为“交响曲之父”，他确立了四乐章交响曲的基本结构，并在室内乐，特别是弦乐四重奏领域做出了不可磨灭的贡献。他的音乐充满了机智与幽默，结构严谨而不失亲切感。 莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）则是天才的代名词。他的音乐似乎毫不费力，却在最简洁的线条中蕴含了最深刻的人性洞察。无论是他为歌剧角色（如《费加罗的婚礼》）所谱写的细腻心理刻画，还是他晚期作品中流露出的对命运的沉思，都使他的音乐拥有超越时代的魅力。 然而，古典主义的结构在贝多芬（Ludwig van Beethoven）手中被彻底打破并重塑。他是一位承前启后的巨人。早期的作品仍带有海顿和莫扎特的影子，但随着耳疾的加剧，他的音乐开始转向对个人意志、抗争与胜利的史诗性表达。他将奏鸣曲式推向了极限，将交响曲从宴会娱乐提升为对人类精神世界的哲学探讨。他的“英雄性”不仅在于旋律的力度，更在于其内在的精神力量。 第三部分：激情与个性的喷发——浪漫主义的浪潮（约1820年-1910年） 如果说古典主义追求的是普适的“美”，那么浪漫主义追求的则是极致的“我”。个人情感、想象力、对自然和超自然现象的迷恋，成为创作的核心驱动力。 抒情主义的深化：舒伯特（Franz Schubert）将艺术歌曲（Lied）推向了顶峰，他用钢琴伴奏细腻地描绘了诗歌的意境与人物的内心挣扎。肖邦（Frédéric Chopin）则几乎将钢琴视为他唯一的发声工具，他的夜曲、玛祖卡和波兰舞曲，是法式优雅与波兰民族精神的完美融合。 标题音乐的兴起：为了更直接地表达叙事，李斯特（Franz Liszt）发明了交响诗（Symphonic Poem），用管弦乐队讲述一个故事或描绘一幅画面。 民族主义的觉醒：在德奥传统之外，欧洲各地的作曲家开始从本国的民间音乐和历史传说中汲取灵感。俄罗斯的“强力集团”（如穆索尔斯基），捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）和斯美塔那（Bedřich Smetana），都将本民族的旋律色彩融入宏大的交响结构中，丰富了管弦乐的音色库。 宏大叙事与戏剧：瓦格纳（Richard Wagner）对歌剧进行了彻底的改革，他推崇“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），使用主导动机（Leitmotif）系统，让音乐成为推动剧情和揭示潜意识的关键力量。其和声语言的探索，尤其是对不协和音的大胆使用，直接预示了20世纪的调性瓦解。 第四部分：边界的探索——20世纪至今的音乐实验 进入20世纪，随着技术的发展、世界的动荡以及对既有美学标准的颠覆，音乐创作进入了爆炸性的探索期。 印象主义与象征主义：德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）从绘画艺术中汲取灵感，他们的音乐如同朦胧的雾气或光影的变幻，强调音色和氛围的捕捉，使用全音阶和五声音阶，模糊了传统的调性界限。 调性的终结与新古典主义：以勋伯格（Arnold Schoenberg）为代表的第二维也纳乐派，正式宣告了主音调性的终结，发展出十二音体系（Twelve-Tone Technique），旨在实现音高材料的绝对平等。与之相对，斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）则在经历了早期野蛮的《春之祭》后，转向了新古典主义，试图回归古典主义的清晰结构，但使用现代的和声和节奏语汇。 节奏的革命与极简主义：20世纪中叶，作曲家们开始将重点从旋律转向节奏和音色本身。极简主义（Minimalism），以赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）为代表，通过重复、渐变和相位差等手法，构建出一种催眠式的、持续的音乐体验。 电子与声音景观：技术进步使得传统乐器不再是唯一的选择。电子音乐、具体音乐（Musique Concrète）的出现，将录音、噪音和电子合成音效纳入艺术表达的范畴，拓展了“音乐”的定义，使听众对声音的感知达到了前所未有的深度。 本书的叙述旨在提供一个清晰的脉络，帮助听众理解这些风格转变背后的历史、哲学和社会原因，从而更深入地欣赏这门跨越时空的艺术语言。它鼓励读者带着开放的心态去倾听，去感受每一个时代和每一位大师留下的独特声响印记。

评分☆☆☆☆☆

与其他入门书籍相比，这本书的视角显得尤为独特和现代化。它并没有将古典音乐视为陈旧的历史遗迹来供奉，而是努力挖掘其在当代生活中的相关性和影响力。作者非常善于将巴赫、莫扎特等大师的作品，与我们现代人面对的情绪——焦虑、喜悦、沉思——进行连接。它不是简单地告诉你“这首曲子写于18世纪”，而是告诉你“当你感到迷茫时，听听这个协奏曲，你会找到方向”。这种情感层面的沟通，让古典音乐不再是博物馆里的展品，而成为了日常生活中的良伴。这种贴近生活、充满温度的讲解方式，让我对古典音乐的热情真正被点燃了，它不再是遥不可及的“高雅艺术”，而是一种可以随时取用的精神食粮，这对很多想培养新爱好的成年人来说，是至关重要的驱动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和内容组织方式，充分体现了对读者时间成本的尊重。它不是那种一股脑灌输知识的教科书，而是结构清晰、脉络分明的知识地图。每一章的长度都恰到好处，不会让人感到冗长乏味。我发现它在介绍不同作曲家及其代表作时，常常会穿插一些鲜为人知的小轶事，这些八卦不仅让人物形象立体丰满起来，也让音乐的历史背景变得生动有趣。比如，在提到某位作曲家晚年的创作困境时，那种心境的描摹，会让人在聆听他的作品时，多了一层感同身受的情感维度。这种“软性知识”的植入，让学习过程变成了一种享受型的探索，而不是任务型的啃读。每次读完一小节，我都会立刻去播放对应的音乐片段，那种“听”与“读”的双重反馈，极大地加深了我的理解和记忆。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这套书在配图和示例音频指引上的用心程度。虽然我不能直接在书本里听到声音，但书中清晰的二维码和网络链接指引，保证了读者能够无缝衔接到权威的音乐示例上。而且，这些配图绝非简单的肖像照，而是精心挑选的乐谱片段、历史场景复原图，甚至还有一些抽象的、用来比喻音乐情感的艺术插画。这些视觉辅助材料，极大地弥补了纯文字描述的局限性。例如，当解释和声进行时，书页上工整的五线谱配合直观的色彩标注，即便是不太熟悉乐理的人，也能大致捕捉到音乐的流动感。这种多媒体整合的学习体验，确保了即便是零基础的读者，也能通过书本建立起一个相对完整的“听觉想象框架”，真正做到了将理论学习转化为可实践的音乐鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

我通常对“简单到不行”这类标题持保留态度，总觉得这可能意味着内容深度有所牺牲。然而，这本书在这方面做出了非常巧妙的平衡。它没有用那些让人望而生畏的专业术语来构建壁垒，而是仿佛有一位极富耐心的老师，用极其生动、贴近生活的比喻来解析那些宏大复杂的音乐结构。比如，它解释奏鸣曲式时，不是简单地罗列呈示部、展开部、再现部，而是将它们比作一个精彩的爱情故事的三个阶段——相遇、挣扎、和解，这种叙事手法极大地降低了入门的心理门槛。阅读过程中，我经常会发现自己恍然大悟的瞬间，原来那些听起来高深莫测的古典音乐，其核心逻辑竟然如此清晰和富有逻辑性。对于想跨入古典音乐殿堂却又害怕被术语吓跑的新手来说，这本书简直是量身定制的向导，它提供的是理解的钥匙，而不是死记硬背的工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在是太抓人眼球了，那种淡淡的复古色调，搭配上精致的烫金字体，让人一看就知道这是一本用心打磨过的作品。我特别喜欢它那种低调的奢华感，拿在手里沉甸甸的，光是捧着就觉得心情愉悦。内页的纸张质感也无可挑剔，印刷清晰细腻，即便是看那些复杂的乐理图表，也不会觉得眼睛疲劳。装帧上看得出作者或出版方在细节上的考究，每一处衔接都处理得非常到位，绝对是值得收藏的精品。对于那些和我一样，对手边的物品有着较高审美要求的读者来说，这本书的实体呈现绝对是一次视觉上的享受。光是摆在书架上，都能提升整个房间的文化气息，不愧是“盒装套书”，整体感和仪式感一下子就上来了，让人迫不及待想打开它一探究竟。