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出版社： 安徽文艺

ISBN：9787539644059

商品编码：24027155234

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	传统作曲技法 音乐 书籍
作者：	赵晓生
定价：	78.0
出版社：	安徽文艺
出版日期：	2013-07-01
ISBN：	9787539644059
印次：
版次：	1
装帧：	精装
开本：	小16开

内容简介

《赵晓生学术著作系列：传统作曲技法》是为音乐学院作曲系的本科学生而写，力图以“风格”为中心，以“组织”为总纲，从千变万化、令人目眩的音乐现象中，从古到今杂乱繁复的思维中，抓住两个要点：模仿与创造，引导学生通过对各种音乐风格的亲身模仿，学习历代大师所发现音乐奥秘，获得真谛，在此基础上激发自身的无穷创造热情。《赵晓生学术著作系列：传统作曲技法》内容分八编：旋律写作、节奏集合模型、为一至两件乐器写作、模仿写作、前奏曲写作、歌曲写作、奏鸣曲写作，共24章。

目录

序一（杨立青） 序二（陈铭志） 再版说明（赵晓生） 绪论 编 旋律写作 章 旋律基本形态 节 动态 第二节 句法 第三节 旋幅 第四节 装饰 第二章 调式 节 五声调式 第二节 汉族七声调式 第三节 中古七声调式 第四节 大小调式 第三章 综合调式 节 五声调式的综合 第二节 七声调式的综合 第三节 综合层次 ……

乐理与和声的宏伟殿堂：一部跨越时代的音乐理论巨著 书名：《音的结构与律动的奥秘：西方音乐理论的基石与前沿》 主题： 深入剖析西方音乐的结构、功能、发展及其在不同时期风格中的体现，涵盖从基础概念到高级理论的广阔领域，侧重于和声学、对位法、曲式结构及调性系统的演变。 --- 第一部分：音乐语言的基石——声音的组织与基础分析 本书旨在为音乐学习者、演奏家、作曲家及音乐爱好者构建一套完整而严谨的西方音乐理论知识体系。它不满足于停留在对既有作品的表面描述，而是深入探究音乐是如何被构建、被感知、并最终产生情感共鸣的内在逻辑。 第一章：音高、音程与音阶的宇宙 本章首先从物理声学角度审视音乐的基础元素——音高。我们将详细阐述自然泛音列的构建原理，并探讨不同文化中“十二平均律”的形成历史与理论必要性。调式系统是音乐的骨架，本章将超越基础的大调与小调，系统梳理古老的教会调式（如多利亚、弗里吉亚等）的音响特征及其在古典音乐中的功能性残留。重点分析调性中心的确立、导音的作用以及如何利用音程关系来精确描绘音乐的色彩和张力。 第二章：和声学的核心原理——三和弦与七和弦的构建 和声是音乐的色彩层。本章将详尽阐述三和弦的构造、转位及其功能和声学意义。我们不仅学习“主、属、下属”这三大基本功能组，更深入挖掘不同转位在旋律进行中所扮演的角色。随后，我们进入更具张力的七和弦领域，重点分析属七和弦（V7）的导向性与解决方式，以及九和弦、减七和弦在营造复杂情绪上的独特作用。本章强调理论与听觉实践的结合，通过大量的听辨练习，使读者能够“听出”和声的内在线性关系。 第三章：功能和声的语法——和弦连接与调性导航 调性导航是音乐叙事的基础。本章的核心是理解和弦进行（Progression）的逻辑。我们探讨传统功能和声中如何实现“导向性运动”，例如次属和弦（Secondary Dominants）如何暂时性地增强调性色彩；拿波里六和弦（Neapolitan Sixth）和增六和弦（Augmented Sixth Chords）如何在特定情境下创造出强烈的冲突与释放。此外，本章还将详细剖析调性转换（Modulation）的艺术，从最简单的邻近调转换，到复杂的远关系调转换，揭示作曲家如何通过和声的路径图，引导听者的情感体验。 --- 第二部分：对位与织体的精妙编织 如果说和声是横向的色彩，那么对位法则是纵向的结构艺术。本章将带领读者进入音乐织体的精密构建领域。 第四章：复调音乐的逻辑——严格对位法的训练 本章严格遵循十七、十八世纪对位法的训练范式，从帕莱斯特里那的“纯净”风格入手。我们将系统学习“两种旋律线的平行运动”原则，详细分解一、二、三、四、五种音值的对位练习（Species Counterpoint）。重点在于如何保持两条或多条独立旋律线的清晰性、节奏的互动性以及音程的和谐性，避免平行五度、八度等禁忌，从而培养对独立声部控制的精湛能力。 第五章：巴赫的织体艺术——赋格的结构解剖 赋格（Fugue）被誉为复调音乐的巅峰之作。本章将以巴赫的《平均律键盘曲集》为例，对赋格曲的结构进行细致的拆解分析。我们将学习“呈示部”、“展开部”和“再现部”的布局，深入理解“主题”（Subject）、“应答”（Answer，包括真实与不真实应答）、“间插句”（Episode）的写作手法。本章的分析将侧重于如何通过主题的变形（如倒影、增值、减值）来保持音乐的统一性与丰富性。 --- 第三部分：曲式结构与风格的演变 音乐不仅由音符构成，更由结构支撑。本章将宏观地审视音乐的建筑蓝图及其在历史长河中的风格变迁。 第六章：小型曲式的基本蓝图 小型曲式是音乐构建的最小单元。本章详细剖析了三部曲式（ABA’）、带再现的三部曲式以及复三部曲式在不同器乐体裁中的应用，如小步舞曲、谐谑曲。接着，我们将深入研究奏鸣曲式（Sonata Form）的“呈示部-发展部-再现部”的内在驱动力，探讨其作为古典主义时期最重要结构框架的灵活性与适应性。 第七章：大型套曲与交响结构 从协奏曲的结构到交响曲的四乐章布局，本章将讨论如何将小型曲式元素有机地结合成宏大的音乐叙事。特别关注奏鸣曲式在不同乐章中的变体应用（如慢板乐章的曲式处理、回旋曲式Rondo的交替原则）。我们将考察海顿、莫扎特、贝多芬等大师如何拓展和突破既有结构，使音乐表达突破形式的桎梏。 第八章：调性系统的扩展与现代思潮的萌芽 随着浪漫主义的兴起，对和声的探索变得更加大胆。本章探讨了李斯特、瓦格纳等如何利用半音化和声（Chromatic Harmony）来模糊调性界限，制造“无限旋律”的效果。我们触及了调性色彩的强化，如利用远关系转调来增强戏剧性。最后，本章将目光投向二十世纪初的音乐转向，介绍无调性（Atonality）的产生背景，以及十二音体系（Twelve-Tone Technique）作为一种结构性替代方案的理论框架，为读者理解更前沿的音乐创作提供必要的历史与理论铺垫。 --- 本书的独特价值： 《音的结构与律动的奥秘》的价值在于其“解构与重构”的视角。它不仅是理论的汇编，更是一本实践指南。它要求读者不仅要理解“为什么”一个和弦必须解决到另一个和弦，更要掌握“如何”在遵循既定规则的同时，巧妙地打破规则，以达到最大的音乐表现力。全书贯穿了大量的实例分析，引用了从巴洛克至晚期浪漫主义的经典作品片段，确保理论的落地性与历史的连续性。它将帮助读者真正理解音乐的内在逻辑，从被动的聆听者，成长为有能力洞察结构、甚至参与创造的深度音乐人。

评分☆☆☆☆☆

这本书我找了很久了！我之前学音乐，但学的比较杂，一直想系统地梳理一下作曲的基础理论，尤其是在和声、对位、曲式这些方面。市面上关于这些内容的书很多，但要么过于学院派，要么过于浅显，很难找到一本既能打下坚实基础，又能启发灵感的。我翻阅了一些介绍，感觉这本《传统作曲技法》听名字就很扎实，应该能帮我把之前零散的知识点串联起来，形成一个完整的体系。我特别期待书中关于不同时代作曲家如何运用这些技法的分析，我想知道那些伟大的作品背后，隐藏着怎样的音乐逻辑和创作智慧。说实话，有时候学音乐就像在黑暗中摸索，一本好的教科书就像一盏明灯，指引方向。我希望能通过这本书，真正理解音乐的“骨架”，不再仅仅是凭感觉创作，而是有意识、有目的地去构建音乐，让我的作品更有深度和表现力。我迫不及待地想开始阅读了，希望能有豁然开朗的感觉，也希望它能激发我更多创作的灵感。

评分☆☆☆☆☆

我是一名正在攻读音乐理论专业的学生，平时阅读了大量的音乐学文献，但总觉得在实际作曲技巧方面还有欠缺。很多时候，在分析大师作品时，我能辨认出各种技法，但当自己动手去创作时，就显得捉襟见肘，甚至有些不知所措。听朋友推荐了这本《传统作曲技法》，说它在理论深度和实践指导上都做得很好，我对此非常期待。我希望这本书能够系统地讲解从单旋律写作到复调音乐的各个层面，尤其是在和声进行、动机发展、曲式结构等方面，能有更详尽的阐述和案例分析。我特别希望能看到书中提供一些练习题或者创作提示，能够引导我去实际运用所学的知识。很多时候，理论知识停留在纸面上，如果没有转化为实践能力，终究是空谈。我希望通过这本书，能够弥补我在创作实践上的短板，让我能够更自信地进行音乐创作，写出更符合规范、更具艺术性的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容对我来说简直是量身定做的！我一直对古典音乐情有独钟，尤其喜欢巴洛克时期到浪漫主义时期的作品。但每次听，总感觉自己好像隔着一层纱，无法完全领略其中的精妙之处。我希望能通过学习这本《传统作曲技法》，去探究那些作曲大师们是如何构建旋律、织体和曲式，是如何运用和声来制造情绪的起伏，又是如何通过对位手法让不同的声部互相辉映的。我曾经尝试自己写一些东西，但总觉得旋律单薄，和声处理也显得生硬，缺乏音乐的流动感和层次感。我相信这本书一定能提供很多实用的方法和技巧，让我能够更深入地理解音乐的结构美。我尤其感兴趣的是书中会不会讲到不同音乐体裁（比如奏鸣曲、赋格、交响曲等）的写作特点和规范，这对我来说非常重要，因为我想尝试创作一些更具规模的作品。如果这本书能够教会我如何“言之有物”，如何用音乐讲述故事，那我真的会非常感激。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余音乐爱好者，但对音乐创作有着浓厚的兴趣。虽然接触音乐时间不短了，但一直以来都是凭着感觉在摸索，缺乏系统性的理论指导。我希望这本《传统作曲技法》能够为我打开一扇新的大门，让我能够更规范、更有效地进行音乐创作。我特别关注书中关于旋律写作、和声运用和曲式结构的讲解。比如，如何写出更流畅、更有吸引力的旋律？如何避免和声的错误，并让和声更有表现力？如何构建一个完整的音乐作品，让它有起承转合？这些都是我一直在思考的问题。我期待书中能提供一些经典的范例，并进行深入的分析，让我能从中学习到大师们的创作思路和方法。如果这本书还能涉及到一些配器方面的基础知识，那就更好了，这样我就可以更全面地去构思和创作自己的音乐作品。我希望通过这本书，能够提升我的创作水平，写出让自己满意的音乐。

评分☆☆☆☆☆

最近我一直在思考如何提升自己的音乐鉴赏能力，除了多听音乐，我觉得更重要的是了解音乐是如何被创作出来的。我总觉得，如果能理解了作曲的原理，就能更深刻地体会到音乐的魅力，而不是停留在表面的“好听”或者“不好听”。《传统作曲技法》这个名字听起来就很专业，而且似乎涵盖了音乐创作中最核心的那些技法。我希望这本书能帮我理解，为什么有些和弦组合听起来那么和谐，为什么有些旋律能那么打动人心，以及不同乐器在合奏时是如何做到平衡和协调的。我以前听一些古典乐，会觉得乐曲的结构很复杂，不知道是怎么组织起来的。如果这本书能把这些“看不见”的音乐“骨架”清晰地展现出来，那对我的音乐欣赏体验来说，绝对是一次飞跃。我希望这本书能用相对易懂的方式，讲解那些高深的理论，让我这个非科班出身的乐迷也能有所收获，真正走进音乐创作的殿堂。