正版 中国音乐学院 校外音乐考级教材 低音提琴(上下册)全套2册 音乐教材 艺术 中国青年 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 中国青年出版社

ISBN：9787500634256

商品编码：27189552460

丛书名： 低音提琴(上下册)

出版时间：2007-05-01

基本信息
出版社: 中国青年出版社;1版(1999年6月1日)
平装: 328页
语种： 简体中文
开本: 8
ISBN: 9787500634256
条形码: 9787500634256
商品尺寸: 30 x 22.8 x 3.2 cm
商品重量: 1.1 Kg
品牌: 中国青年出版社

内容介绍
《中国音乐学院·校外音乐考级全国通用教材:低音提琴(套装上下册)》按系统教学的要求，内容包括三个部分：1.音阶与琶音练习2.综合练习曲3.中外乐曲在充分阅读文献，参照国外教材的基础上，编选了音阶与琶音练习120条，综合练习曲90首，中外乐曲56首。三个部分的内容相互联系，相互配合，教学过程划分为九个阶段（1-9级），由浅入深，循序渐进。考虑到选材的广泛性、技术性与趣味性，既选择了些著名的、常用的作品，也选择了些使用不多，然而却很有特色的作品，其中包括中国作品和重奏作品。关于教材中音阶、练习曲、乐曲的版本，及其弓法、指法等，编者在尊重原作的前提下，作了审慎的整理和校订。《中国音乐学院·校外音乐考级全国通用教材:低音提琴(套装上下册)》是由中国青年出版社出版的。

目录
上册
综合练习曲(1-9级)
级
二级
三级
四级
五级
六级
七级
八级
九级
音阶与琶音练习
个八度的大小调音阶与琶音
二个八度的大小调音阶与琶音
三个八度的大小调音阶与琶音

下册
中外乐曲(1-9)
级：
1．小快板
2．短歌
3．如歌的行板
4．快板
5．春天来了
二级：
1．活板
2．加沃特舞曲
3．行板
4．号笛舞曲
5．快乐的农夫
三级：
1．小步舞曲
2．鳟鱼
3．勇敢的骑兵
4．加沃特舞曲
5．回旋曲
四级：
1．大象
2．小夜曲
3．乡间舞曲
4．小步舞曲
5．加沃特舞曲
五级：
1．加沃特舞曲
2．奏鸣曲(、二乐章)
3．伊万·苏姗宁
4．布列舞曲
5．小步舞曲(二重奏)
6．小奏鸣曲
……

《弦上的足迹：世界大提琴艺术发展史纲》 引言：低音提琴的姐妹之歌 本书旨在探讨大提琴（Cello）这一乐器在西方音乐史中，从其诞生、演变到最终确立其在管弦乐队和室内乐中核心地位的完整历程。虽然本书聚焦于大提琴，但我们无法绕开其家族的另一位重要成员——低音提琴（Double Bass）。低音提琴作为提琴家族中音域最低的乐器，在音响结构上为整个合奏体提供了坚实的基础。然而，本书将侧重于大提琴在音乐语汇中的独特贡献，即它如何在巴洛克、古典、浪漫以及近现代的音乐浪潮中，逐渐塑造出其独特的“歌唱性”与“叙事性”。 第一部分：萌芽与早期探索（16世纪末至17世纪中叶） 第一章：提琴家族的谱系重构 在文艺复兴晚期，中提琴（Viola da Gamba）家族占据着弦乐领域的主导地位。弓弦乐器（Violin Family）的出现，尤其是在意大利北部克雷莫纳（Cremona）地区的工匠手中，预示着一场声音革命。本章将详细考察早期五弦甚至六弦低音提琴原型乐器的结构特点，包括其音梁、音柱和指板的设置，这些都是后来大提琴形态的基础。 第二章：早期“Basso di Viola”的用途 大提琴的直接前身通常被称为“Basso di Viola”或“Basso di Violoncello”。最初，这些乐器主要被用于持续性的低音线演奏（Basso Continuo），作为键盘乐器或鲁特琴的补充。我们将分析早期意大利、法国和德国乐团中，这些低音乐器如何承担和声支撑的角色。早期作曲家如蒙特威尔第（Monteverdi）在其歌剧中如何运用这些乐器，突显其作为和声骨架的功能性。 第二章：首批独奏作品的曙光 巴洛克早期，乐器制造的标准化尚未完成，但一些富有远见的音乐家开始尝试将低音提琴从纯粹的伴奏职能中解放出来。本章重点研究意大利作曲家多梅尼科·加布里埃利（Domenico Gabrielli）和乔瓦尼·巴蒂斯塔·萨纳蒂（Giovanni Battista Sammartini）早期为类似大提琴的乐器所作的奏鸣曲。这些作品开始展现乐器在快速音阶、琶音和对位线条上的潜力，尽管技术上仍显粗犷。 第二部分：巴洛克黄金时代与体制确立（17世纪中叶至18世纪中叶） 第三章：安东尼奥·斯特拉迪瓦里与乐器标准的奠定 本章聚焦于克雷莫纳制琴工艺的巅峰。斯特拉迪瓦里家族及其他制琴大师如何通过对面板厚度、F孔形状和音量共鸣的精确控制，最终确定了我们今天所熟悉的大提琴标准尺寸和音色特征。我们将探究当时乐器尺寸的几种主流变体，以及它们如何影响了音色的明亮度或厚重感。 第四章：巴赫的“无伴奏六组曲”：独奏艺术的里程碑 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的《大提琴无伴奏组曲》（BWV 1007-1012）被视为大提琴文献的圣经。本章将深入分析这些组曲的结构、技法创新，以及它们如何将大提琴从伴奏乐器彻底提升为独立的、具有深刻哲学内涵的独奏乐器。我们将剖析赋格、恰空（Chaconne）等复杂织体在单音乐器上实现的方式。 第五章：歌剧院与协奏曲的诞生 在巴洛克晚期，协奏曲体裁兴起。本章探讨维瓦尔第（Vivaldi）为大提琴创作的协奏曲如何充分利用乐器的抒情性和炫技潜力。同时，我们将对比当时意大利与法国作曲家（如拉莫）在管弦乐队配器中对大提琴的处理方式，法国乐团倾向于更柔和的音色，而意大利乐团则更强调力度对比。 第三部分：古典主义的清晰与浪漫主义的激情（18世纪中叶至19世纪末） 第六章：从“持续低音”到“旋律主导”的转变 随着数字低音的消亡，海顿、莫扎特等古典主义大师开始重新定义大提琴的角色。本章分析了古典四重奏（String Quartet）中，大提琴如何从单纯的低音支撑者，转变为与小提琴、中提琴进行三声部对位和旋律交织的关键角色。我们会考察莫扎特晚期歌剧中，大提琴与人声咏叹调之间的精妙对话。 第七章：贝多芬与英雄主义的咏叹调 路德维希·范·贝多芬的五部大提琴奏鸣曲和弦乐四重奏，标志着大提琴技巧和表现力的巨大飞跃。本章重点解析贝多芬如何通过扩大演奏幅度、引入更剧烈的力度对比，并将大提琴的音域推向极致，赋予其叙事性的英雄色彩。 第八章：浪漫主义的抒情巅峰：德沃夏克与奏鸣曲 浪漫主义时期，作曲家们对乐器音色的“人性化”表达需求达到了顶峰。本章集中分析安东宁·德沃夏克（Dvořák）的《a小调大提琴协奏曲》。该作品不仅是炫技的展示，更是对故土、回忆和深沉情感的抒发。我们将对比勃拉姆斯（Brahms）和舒曼（Schumann）在大提琴作品中对“内省”与“激情”的不同处理方式。 第九章：演奏技法的革命性发展 19世纪的演奏家如卡尔·弗里特兹（Karl Fritze）和阿尔弗雷德·皮亚蒂（Alfred Piatti）推动了弓法、揉弦和把位的重大进步。本章将回顾这些演奏家如何通过革新练习曲，使得高把位演奏更为流畅，并为20世纪的复杂技巧铺平了道路。 第四部分：20世纪与当代视野 第十章：现代主义的冲击与新声音的探索 进入20世纪，德彪西、拉威尔等印象派作曲家，以及勋伯格等第二维也纳乐派的作曲家，对传统和声的打破，对大提琴的音色提出了新的要求。本章分析了如何利用泛音（Harmonics）、特殊揉弦（Sul ponticello, Sul tasto）以及扩展技巧来拓展大提琴的听觉边界。 第十一章：当代协奏曲与跨界融合 本章探讨二战后至当代的几部标志性大提琴协奏曲，如布里顿（Britten）或申斯塔克（Shostakovich）的作品，它们往往反映了时代的社会动荡和个体对存在的叩问。此外，我们还将简要考察大提琴在爵士乐、电影配乐中作为“低音旋律驱动者”的当代角色，展现其超越古典音乐范畴的适应性与生命力。 结语：永恒的歌者 大提琴，以其最接近人类声线的音域，穿越了数百年的音乐风暴，从坚实的和声基石，蜕变为能讲述最复杂人类情感的“永恒歌者”。本书的分析旨在帮助读者理解，这件乐器在音乐文化长河中，是如何通过每一次技术革新和每一次伟大创作，确立其不可替代的艺术地位。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的排版和印刷质量，说实话，在同类出版物中算是非常优秀的。纸张厚实，不容易反光，长时间阅读和练习眼睛也不会太疲劳。最重要的是乐谱的清晰度，这一点对低音提琴这种需要精确阅读复杂谱号的乐器来说太关键了。很多教材为了节省空间或降低成本，把小节线和指位标记做得密密麻麻，非常容易看错。但这套书的版式设计非常开阔，字体和符号的大小恰到好处，即便是需要频繁切换高把位和低把位的段落，也能一眼锁定准确的音符位置。特别是对指位标记的标注，它们不是简单地画个数字上去，而是结合了当时的演奏情境进行提示，非常人性化。我以前经常因为谱子看不清而影响练习状态，现在这种困扰完全没有了。可以说，光是能清晰、无误地阅读乐谱，这套书的价值就已经体现出来了。

评分☆☆☆☆☆

我对比过好几家不同出版社的低音提琴教材，很多要么过于侧重西方古典体系，与国内的教学环境脱节；要么就是内容陈旧，选曲和编排方式还停留在几十年前的标准。这套中国音乐学院的版本，显然是紧密结合了国内考级体系和当代教学理念的产物。它的进阶逻辑非常符合一个受过系统训练的学生的成长曲线。上下册的划分处理得非常得当，下册的难度明显提升，开始接触到更多复杂的对位、快速跑动以及需要深厚音色控制的乐段，这很好地承接了基础阶段的训练。它没有盲目追求“高难度”，而是确保每一个难度点的突破都是建立在扎实的上一阶段基础之上的。对于老师来说，这也是一套非常可靠的教学蓝图；对于自学者而言，它提供了一个清晰且权威的自我评估路径。

评分☆☆☆☆☆

这套教材拿到手，首先映入眼帘的就是那种踏实、专业的质感。封面设计虽然朴素，但透着一股严谨的学院气息，让人一看就知道是经过精心编排的。我以前在网上找了一些零散的练习曲和教材，拼凑着学，总觉得体系不够完整，很多技术要点总是一带而过。直到用了这套《中国音乐学院校外音乐考级教材》，才真正体会到什么叫“系统性”。从最基础的持弓、运弓，到复杂的把位转换和音阶练习，它几乎把低音提琴学习的每一个阶段都考虑进去了。特别是对于初学者来说，它不会一下子就把你扔到一堆高难度的练习中去，而是循序渐进地设置难度阶梯，每一步都有明确的目标和检验标准。我特别欣赏它对基本功的强调，书中对每一个音符的演奏要求都写得非常细致，比如弓子的压力、速度的变化，甚至连气息的运用都有提及，这对于建立扎实的演奏基础至关重要。我感觉自己不再是孤军奋战，而是有了一位经验丰富的老师在旁边指导，每完成一个小单元的练习，都有种稳步前进的充实感。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余爱好者，我最大的困扰一直是“如何将理论知识有效地转化为实际演奏能力”。市面上很多教材侧重于技巧的堆砌，而忽略了音乐的理解和表达。这套教材在这方面做得相当出色。它不仅仅是枯燥的指法和音阶练习，编者巧妙地融入了大量的改编或精选的曲目，这些曲目难度适中，但音乐性极强。在练习过程中，你不仅是在拉琴，更是在学习如何“歌唱”。例如，在进行某个揉弦练习后，紧接着就是一段需要细腻揉弦技巧的旋律片段，这种学以致用的设计极大地提高了我的学习兴趣和效率。更让我惊喜的是，教材对音乐史和曲式结构的穿插介绍，虽然篇幅不多，但恰到好处，让我对演奏的曲目有了更深层次的理解，知道自己拉的这段旋律在作品中扮演什么样的角色，这让演奏不再是机械的模仿，而是充满情感的再创作。这种兼顾技术与艺术的编排，无疑是专业考级教材的标志。

评分☆☆☆☆☆

对于低音提琴学习者而言，教材不仅是知识的载体，更是对正确审美和演奏习惯的塑造。我个人感觉，使用这套教材的过程中，我的“音色观”得到了极大的提升。教材中对“歌唱性音色”的反复强调，让我开始思考，如何让我的提琴发出更温暖、更饱满的声音，而不是那种干瘪的“线条”。书中的示范性练习（虽然没有附带音频，但文字描述非常到位）引导我注意如何通过弓子的不同部位和速度，来制造出木质的共鸣感。这种对声音细节的极致追求，是其他一些侧重于快速通过考级的教材所欠缺的。它教会我，拉对音符只是第一步，拉出“好听的音符”才是最终目的。这种对音乐本质的回归，让我的练习不再是机械的肌肉记忆，而是一种充满思考和热情的艺术实践。