高考音乐强化训练：视唱练耳卷 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540486563

商品编码：29755847894

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	高考音乐强化训练：视唱练耳卷 音乐 书籍
作者：	陈玉香，刘莹，胡勍编著
定价：	55.0
出版社：	湖南文艺出版社
出版日期：
ISBN：	9787540486563
印次：
版次：	14
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书较全面地介绍了全国音乐院校、师范院校音乐系视唱练耳入学考试内容及要求、视唱练耳考前训练、五线谱视唱练习等内容。

旋律的彼岸：一部关于古典音乐史的恢弘巨著 作者： [此处填写一位虚构的、富有声望的音乐史学家姓名，例如：亚历山大·冯·哈根堡] 出版社： [此处填写一家专注于人文社科或艺术史的知名出版社名称，例如：环宇文粹出版社] --- 内容提要：穿越时空的聆听之旅 本书并非聚焦于现阶段考试技巧的训练手册，而是一部深入剖析西方音乐文明演进历程的深度学术著作。它以宏大的历史视野和精微的文本分析，为读者构建了一幅自古希腊理性之声到二十世纪先锋实验的完整音乐画卷。我们旨在探讨音乐在不同历史语境下，如何作为人类情感、哲学思辨和社会结构变迁的忠实载体与反光镜。 第一部分：起源与奠基——从神圣之音到复调的萌芽（约公元前500年 – 1450年） 第一章：西方音乐的古典源头：格里高利圣咏与希腊遗风 本章追溯了西方音乐理论的逻辑起点。我们详细考察了古希腊音乐理论家如毕达哥拉斯（Pythagoras）对音程与数学关系的发现，这些概念构成了西方音乐美学不可动摇的基石。随后，我们步入中世纪的基督教世界，深入分析了单音音乐——格里高利圣咏（Gregorian Chant）——的结构、功能及其在教会礼仪中的神学意义。本章着重于音乐的“文本性”和“纯粹性”，探讨早期记谱法（如纽姆谱）的诞生如何使得音乐的传承从口耳相传转向精确的符号记录。 第二章：中世纪的结构革命：奥尔加农与早期复调的诞生 音乐思维的飞跃体现在复调（Polyphony）的出现。本章聚焦于巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的先驱们，如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）。我们不仅分析了他们创作的“奥尔加农”（Organum）的技法，如平行式进行和自由复调的探索，更探讨了世俗音乐（如游吟诗人歌曲）在这一时期所扮演的补充角色。本章旨在揭示，即便在看似僵化的中世纪，音乐的“技术”层面已经开始孕育出对和声自由的渴望。 第三章：走向人文：阿斯蒂与文艺复兴的前夜 尾随中世纪末期的“新艺术”（Ars Nova），音乐开始展现出对复杂节奏和精巧对位的偏爱。本章细致考察了纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）的作品，他的弥撒曲和香颂，标志着作曲家个体风格的凸显，预示着文艺复兴时期个人主义精神的抬头。我们在此探讨了世俗主题如何开始侵入原本纯粹的宗教音乐领域。 第二部分：黄金时代与理性光辉——文艺复兴与巴洛克（约1450年 – 1750年） 第四章：文艺复兴的和谐之镜：人声复调的巅峰 文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐追求清晰的文本表达与完美的声部交织。本章详述了佛兰德斯画派（如若斯坎）对对位法的极致运用，以及帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过对特伦特会议精神的回应，确立了“纯净”天主教复调的典范。同时，我们也关注了更具情感张力的威尼斯乐派，以及他们如何开始探索音色对比（如双合唱的运用）。 第五章：巴洛克的情感结构：歌剧的诞生与激情理论 巴洛克时期是音乐史上最具戏剧性和结构性的时代。本章集中分析了“第二乐章”（Seconda Prattica）的出现，即音乐为表达强烈情感而服务于文本的理念。从佛罗伦萨的早期歌剧实验（如珀里的《尤利西斯归国》）到蒙特威尔第（Monteverdi）的《奥尔费奥》，我们探讨了咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）的成熟，以及它们如何确立了歌剧这一综合艺术形式的基本框架。 第六章：宏大叙事与对位之王：巴赫与亨德尔的遗产 本章是技术分析的核心部分，聚焦于巴洛克晚期的集大成者。我们深入研究了巴赫（J.S. Bach）的《赋格的艺术》和《平均律钢琴曲集》，解析复调的逻辑严密性与和声语言的丰富性。对于亨德尔（Handel），我们则着重分析了其清唱剧（Oratorio）的叙事技巧和规模感，考察宗教题材如何被用于构建国家层面的英雄史诗。本章揭示了巴洛克时期，音乐如何实现其结构上的“数学精确”与情感表达上的“崇高”（Sublime）的完美统一。 第三部分：古典主义的秩序与浪漫主义的狂飙（约1750年 – 1900年） 第七章：维也纳的古典之光：奏鸣曲式与交响乐的结构化 随着启蒙运动的推进，音乐摆脱了教会和宫廷的直接束缚，转向服务于市民阶层。本章详细剖析了奏鸣曲式（Sonata Form）的内在辩证关系——呈示、发展与再现，并考察海顿（Haydn）如何将其规范化，莫扎特（Mozart）如何将其注入人性的细腻情感，以及贝多芬（Beethoven）如何将其推向哲学的高度。交响乐团的规模与编制的演变，是本章探讨的另一重要线索。 第八章：情感的极限探索：浪漫主义的个人独白 浪漫主义音乐的本质是对个体情感、自然崇拜和超自然现象的极致表达。本章对比了舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）中音乐与诗歌的完美融合，肖邦（Chopin）对钢琴这一乐器的“声音色彩”的革命性探索，以及李斯特（Liszt）对交响诗（Symphonic Poem）的开创性贡献。我们分析了主导动机（Leitmotif）的发展，及其在瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念中扮演的角色。 第九章：民族主义的崛起与晚期浪漫的张力 十九世纪下半叶，音乐开始强烈地吸收民族特色，寻求文化身份的独立表达。本章涵盖了德彪西（Debussy）的印象主义尝试（作为对德奥传统的反思），勃拉姆斯（Brahms）对古典形式的继承与革新，以及马勒（Mahler）和理查·施特劳斯（Richard Strauss）在交响乐中对人性焦虑和世界末日预感的宏大描绘。本章的重点在于，音乐如何在结构日益庞大的同时，也承担了越来越沉重的哲学负担。 第四部分：现代的断裂与重构（约1900年至今） 第十章：二十世纪的音乐“大爆炸”：从调性瓦解到十二音体系 现代音乐的开端充满了颠覆性。本章首先分析了德彪西和斯特拉文斯基（Stravinsky）在和声与节奏上的激进实验（如《春之祭》的首演风暴）。随后，我们详细阐述了勋伯格（Schoenberg）为应对调性体系崩溃而创立的十二音技法（Dodecaphony），探究其背后的理性与宿命感。 第十一章：声音的边界拓展：序列主义、随机性与电子音乐 战后，音乐探索进入了前所未有的复杂阶段。本章讨论了韦伯恩（Weber）为代表的“第二维也纳乐派”如何将序列思想延伸至节奏、力度和音色；约翰·凯奇（John Cage）的“机遇音乐”如何挑战音乐的定义本身（例如《4’33”》）；以及电子音乐和磁带音乐的出现，如何将录音室本身转变为一个作曲工具。 第十二章：当代音乐的生态：多元化与跨界融合 本书的最后一部分审视了当代音乐的多元格局。我们探讨了极简主义（Minimalism，如赖利、史蒂夫·赖克）如何通过重复与微小变化构建新的冥想空间，以及当代作曲家如何在保持学术严谨性的同时，重新审视与流行文化、非西方音乐元素的对话与融合。 --- 本书的独特价值 本书以严谨的音乐学方法，结合深厚的文化背景分析，致力于揭示音乐的“内在逻辑”而非“应试技巧”。读者将获得： 1. 结构化叙事： 摒弃碎片化的乐曲介绍，以贯穿古今的结构性革命为主线。 2. 理论的溯源： 深度解析奏鸣曲式、赋格结构、十二音体系等核心概念的哲学根源。 3. 文化语境： 强调每一种音乐风格都是其所处时代社会、宗教和哲学思潮的产物。 本书适合所有对西方音乐史有系统学习需求，渴望超越考试范围，深入理解音乐艺术发展脉络的爱好者、专业学生及研究人员。它不是一份速成指南，而是一次对人类创造力最精妙形式的深度朝圣。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本对这种“强化训练”类的书籍抱有一丝疑虑，总觉得它们无非是把历年真题堆砌起来，缺乏真正的创新和深度。但当我真正投入到这本书的练习中后，才发现我的顾虑完全是多余的。它在练习题的编排上体现出了极高的匠心。不同于那种机械重复的题海战术，这里的每一组练习似乎都经过了精心设计，它们的设计意图非常明确——针对某个特定的难点进行专项突破。比如，有一组关于旋律线分析的题目，它巧妙地将不同时期、不同风格的音乐元素融入其中，迫使我们不能用单一的思维模式去套用解题方法。更让我惊喜的是，一些以往在模拟考试中经常失分的视唱片段，在这本书里找到了清晰的解题思路和大量的变体练习，这极大地增强了我在高压环境下准确视唱的能力。这不仅仅是“练”，更是一种“诱导式学习”，引导你主动去思考音乐背后的规律，而不是被动地接受答案。这本书真正做到了“以练促学，以学提能”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和细节处理，简直是为长时间学习者量身定制的。在内容密度如此之大的情况下，它依然保持了极佳的可读性。纸张的质感非常棒，即使在长时间的涂写和反复翻阅之后，也不会出现明显的磨损或洇墨现象，这对我们这种需要不断在上面做批注和标记的考生来说，太重要了。而且，它的开本设计也十分合理，既方便携带，又保证了乐谱和习题的展示区域足够宽敞，不至于让人在对照复杂的五线谱时感到拥挤和费力。我注意到一个很贴心的设计：在一些难度较高的练习旁边，作者会用非常简洁的符号标注出潜在的陷阱或者需要特别注意的节奏型，这种“预警”机制大大减少了我们在练习中走弯路的可能性。这种对用户体验的极致追求，让这本书在使用过程中几乎找不到槽点，完全可以称得上是一件艺术品级别的学习工具。

评分☆☆☆☆☆

我个人更关注的是教材对于音乐“听觉”和“理解”的培养，因为高考音乐不仅仅是技巧的比拼，更是对音乐素养的全面考察。这本书在这方面做得非常出色，它没有仅仅停留在“唱对”或“写对”的层面。通过穿插的听力练习模块，它引导我们去辨识不同乐队编制下的音色特点，以及特定织体变化带来的情感冲击。例如，有一部分关于速度与力度标记的辨析题，它不是简单地给出“快慢轻重”的定义，而是要求我们在听觉上区分出“Allegro”与“Vivace”在情感倾向上的细微差异，这对于提升我们的音乐鉴赏力和临场反应能力至关重要。这种深层次的训练，让我感觉自己不仅仅是在为考试做准备，更是在系统地提升自己的音乐“耳朵”。这种以培养真正音乐审美为目标的训练，远比死记硬背那些考试技巧要来得持久和有价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计和装帧给人的第一印象非常专业，那种沉稳的深蓝色调配上清晰的字体，立刻让人感觉这不是那种花里胡哨的应试读物，而是真正下功夫打磨过的教材。我特意翻阅了几页，发现它在基础知识的讲解上做得相当扎实，尤其是对和声学基本概念的梳理，简直是一次对高中音乐课程内容的精准回顾和深化。很多我在课堂上感到模棱两可的地方，通过这本书的图表和文字阐述，一下子就清晰起来了。比如，对于调式色彩的细微差别，作者没有仅仅停留在名词解释，而是引入了一些非常经典的音乐片段作为示例，这对于提高我们对音乐的感性认识帮助极大。我尤其欣赏它对乐理知识的系统性构建，从最基础的音高、节奏到复杂的变音记号处理，逻辑衔接非常自然，让人在阅读的过程中几乎没有“卡壳”的感觉，仿佛跟随一位经验丰富的老教授在进行一对一的辅导。总的来说，这是一本非常值得信赖的参考书，适合那些希望打牢基础，追求高质量备考体验的同学。

评分☆☆☆☆☆

从一个过来人的角度来说，选择一本合适的复习资料就像是选择了一位合适的陪跑教练。这本书给我的感觉就是一位既严格又充满智慧的导师。它最大的价值可能在于其提供的“阶段性评估”体系。它不像市面上那些杂乱无章的习题集，而是将整个备考过程划分成了清晰的递进阶梯，每个阶段都有明确的训练目标和自我检测标准。当你完成某一阶段的学习后，你能够非常直观地感受到自己在特定技能树上的进步幅度，这种量化的反馈对于保持备考的积极性非常重要。特别是针对那些容易“拖后腿”的薄弱环节，这本书会非常精准地推送相应的强化内容，真正做到了“对症下药”，避免了无效的重复劳动。它有效地帮助我优化了复习策略，将有限的时间和精力投入到回报率最高的区域，让我的备考之路走得更加高效和踏实。