表演秀系列：第4级：古典乐曲 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103051375

商品编码：29756664734

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	表演秀系列：第4级：古典乐曲 音乐 书籍
作者：	(美)南希·菲伯尔，(美)兰德尔·菲伯尔编
定价：	33.0
出版社：	人民音乐出版社
出版日期：
ISBN：	9787103051375
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

本套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类型分为“曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐”、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“喜爱的歌”等七本，本书为第4级的“古典乐曲”。

演出精粹：管弦乐团入门指南 聚焦管弦乐的宏大世界，深入探索乐团的组织、历史与演奏技巧 本册《演出精粹：管弦乐团入门指南》旨在为音乐爱好者、初级乐团成员以及对管弦乐艺术抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而深入的视角，去了解管弦乐团的运作机制、历史演变、主要声部特点及其在不同音乐时期的角色。本书完全不涉及特定级别或某一特定曲目集（如“表演秀系列：第4级：古典乐曲”）的内容，而是将重点放在管弦乐这一艺术形式的整体结构与基础知识上。 --- 第一部分：管弦乐团的诞生与演变 第一章：从宫廷到音乐厅——管弦乐团的起源 本章追溯了现代管弦乐团的雏形。我们将探讨巴洛克时期合奏团的构成，以及它如何受到歌剧艺术的推动而逐渐发展。重点分析了早期乐团中弦乐器占据的主导地位，以及木管和铜管乐器加入的初步阶段。我们将详细描述早期指挥角色的缺失与转变，以及乐团规模在17世纪末期发生的显著变化。 第二章：古典主义时期的定型 本章聚焦于海顿和莫扎特时代管弦乐团的成熟。详细介绍了古典主义时期乐团编制的标准配置（如双簧管、圆号的固定加入），以及奏鸣曲式和交响曲结构对乐团内部声部平衡提出的新要求。我们将分析“奏鸣曲式”如何影响了不同乐器组在呈示部、发展部和再现部的功能分配，并介绍第一、第二小提琴声部间区分的重要性。 第三章：浪漫主义的扩张与色彩革命 浪漫主义时期是管弦乐团规模空前扩张的时代。本章深入剖析了贝多芬、柏辽兹和瓦格纳等人如何挑战传统编制。详细介绍了新乐器的引入，例如低音大号、长号组的完善，以及对打击乐器多样性的探索。我们将探讨作曲家如何利用音色变化来表达强烈的情感，并分析大型交响诗和多乐章交响曲对乐团技术和耐力的要求。 第四章：二十世纪的探索与解构 本章探讨了印象派、表现主义以及后来的现代主义对管弦乐团的冲击。分析了德彪西、斯特拉文斯基等如何拓宽和声边界，并如何利用管弦乐团的色彩进行“音色描绘”。本章也将简要提及十二音体系和序列音乐对传统乐团配器理念的颠覆，以及一些作曲家（如勋伯格）如何尝试回归“室内乐式”的管弦乐配置。 --- 第二部分：乐团的解剖学：声部与乐器 管弦乐团由四个主要家族构成：弦乐组、木管组、铜管组和打击乐组。本部分将对每个声部进行详尽的介绍。 第五章：弦乐组：乐团的心脏 详细考察小提琴（第一与第二）、中提琴、大提琴和低音提琴的构造、音域和在合奏中的核心作用。本章将探讨弓法（Legato, Staccato, Spiccato等）的理论基础，以及揉弦（Vibrato）对音色丰富性的贡献。特别关注第一小提琴在旋律承担上的责任，以及第二小提琴如何提供和声的支撑与节奏的律动。 第六章：木管组：色彩的画笔 介绍长笛、双簧管、单簧管和巴松（大管）的家族谱系及其音色特点。分析木管乐器如何在不同力度下快速改变音色，以模仿自然界的声音或提供对比。深入讨论簧片技术（单簧与双簧）对音质的影响，以及长笛在高音区的穿透力与巴松在低音区的稳定作用。 第七章：铜管组：力量的象征 本章专注于圆号、小号、长号和低音大号。探讨铜管乐器如何通过阀门（Valves）或滑管（Slide）改变音高，以及弱奏时其音色的柔和与强奏时爆发性的力量。分析圆号在连接弦乐与铜管之间的桥梁作用，以及长号在和声低音区提供的坚实基础。 第八章：打击乐组：节奏与奇景 打击乐组是最具多样性的部分。本章分类介绍有固定音高的打击乐器（如定音鼓、马林巴、颤音琴）和无固定音高的乐器（如大鼓、钹、锣）。强调定音鼓在建立和声基础和强调重音上的关键性，并讨论现代作品中打击乐器如何被用于制造氛围和音响奇景。 --- 第三部分：管弦乐的技艺与未来 第九章：配器法基础：如何“写给”乐团 本章侧重于配器的原理，而非具体曲目的分析。讨论如何平衡不同声部的音量（Orchestration vs. Arranging），如何处理不同乐器音域的衔接点，以及如何利用对位法和声部进行交织来达到透明或浑厚的音响效果。 第十章：指挥的艺术与乐团管理 探讨指挥家在诠释作品、统一乐团步调中的作用。分析指挥手势（Beat Patterns）的规范性，以及指挥如何通过眼神和肢体语言来引导乐团对乐句、力度和速度的统一理解。此外，本章也简要触及乐团排练的效率和纪律性对于最终演出的重要性。 第十一章：跨界与数字时代的管弦乐 展望管弦乐团在当代音乐中的地位。讨论管弦乐团在电影配乐、电子音乐融合以及新媒体艺术中的应用。探讨作曲家如何利用扩音技术和电子合成器元素来拓展传统管弦乐的音响边界，保持这一古老艺术形式的活力与前瞻性。 --- 本书旨在为读者构建一个坚实的理论框架，帮助他们理解每一次宏大管弦乐演出的背后所蕴含的复杂结构、历史沉淀和精湛的演奏技巧。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我有点怀疑，以为这又是一本老生常谈的“等级考试用书”。毕竟市面上四级难度的教材多如牛毛，大多在选曲上中规中矩，解析上浅尝辄止。然而，这本书的选曲之精妙，令人拍案叫绝。它没有完全拘泥于那些被翻烂了的“名曲”，而是巧妙地穿插了一些在技术难度和音乐深度上都非常适中的作品，这些作品往往是其他教材会略过的“遗珠”。比如，书中收录了一段克莱门蒂的一首练习曲的变奏版本，原曲我已经练得滚瓜烂熟，但这个版本加入了非常复杂的织体变化，极大地考验了双手独立性和对音色的控制。更厉害的是，每首曲子后面都有一个“音乐史背景速览”，这个背景介绍绝不是百度百科式的复制粘贴，而是直接与本曲的演奏风格紧密挂钩。读完关于德彪西某个片段的介绍，我立刻就能理解为什么需要那种“朦胧的”音色处理了。这种即时的反馈和理论的指导，让我的练习效率提高了一大截。它成功地架起了一座桥梁，连接了纯粹的技巧训练与深厚的音乐文化理解。说实话，光是这些精心挑选且有针对性的曲目，就已经值回票价了。它拓宽了我的曲库，更重要的是，深化了我对不同时代音乐语汇的认知。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我是一个非常注重“实用性”的钢琴学习者，如果一本书看起来太学术化，或者排版密密麻麻让人望而生畏，我可能直接就束之高阁了。这本《表演秀系列：第4级：古典乐曲 音乐 书籍》在视觉设计和阅读体验上做到了极高的水准。它的纸张质量很好，不易反光，长时间阅读眼睛也不容易疲劳。布局非常清晰，重点突出，关键的演奏提示通常会用不同的颜色或者字体高亮显示，让你在快速翻阅时也能抓住核心要点。我尤其喜欢它在标注指法时的细致程度。很多教材只是给出大致的数字，但这本会根据不同的触键力度和乐句走向，推荐更符合人体工学的指位变化，甚至会提示“此处尝试使用更深的触键以获得更饱满的音头”。对于我这种手腕容易僵硬的学习者来说，这种人性化的设计简直是救星。而且，这本书的装订非常结实，我经常需要将书摊开放在琴架上很久，它能平整地保持打开状态而不会自己合上，这在练习时能省去我不少麻烦。总而言之，它做到了“内容深度”与“使用便捷性”的完美平衡，让人愿意时常翻开它，而不是把它当作一本“工具书”锁在书柜里。

评分☆☆☆☆☆

从一个乐理爱好者的角度来看，这本书在对“古典乐曲”进行结构解构时，展现出一种非常现代且严谨的分析方法。它似乎并不满足于停留在表面上的“快慢强弱”，而是深入挖掘了音乐的内在骨架。例如，在分析某段奏鸣曲的呈示部时，它不仅指出了主题的再现，还用图示的方式清晰地展示了调性转换的逻辑路径，这对我理解古典曲式结构非常有帮助。我发现它对和声语言的介绍非常巧妙，不是枯燥地列举和弦名称，而是结合具体的乐句，解释了某个和弦的“色彩功能”——比如，为什么在那个特定的转调点上，使用那个增六和弦能带来恰到好处的戏剧张力。这种讲解方式，让我对“听觉感受”和“理论认知”之间建立起了更稳固的联系。过去我可能只是“感觉”到某个地方很好听，读完这本书，我就能用清晰的乐理术语去描述这种“好听”的原因了。这种能力上的提升，比单纯学会弹奏一首曲子要宝贵得多。这本书成功地将复杂深奥的分析，转化成了普通学习者可以理解和运用的工具。

评分☆☆☆☆☆

这本书绝对是我最近遇到的惊喜！我一直觉得古典音乐的学习过程，尤其是对于已经有一定基础的学习者来说，很容易陷入枯燥的重复练习，缺少那种能让人真正“沉浸”进去的引导。但是这本《表演秀系列：第4级：古典乐曲 音乐 书籍》完全不一样。它不仅仅是一本曲谱集，更像是一位经验丰富的导师在你身边手把手地指导。比如，它在处理巴赫的赋格片段时，不是简单地给出指法，而是深入剖析了对位法的逻辑关系，甚至用非常生动形象的比喻来解释声部之间的“对话”。我记得有一段关于莫扎特奏鸣曲的分析，作者详细阐述了如何通过对节奏微小的弹性处理来展现“维也纳式优雅”，这比我之前在任何教材上看到的都要细致入微。更让我赞叹的是，它对“表演”这个概念的诠释非常到位。它不只是教你怎么把音符弹对，而是引导你去思考：在音乐厅里，你如何与听众建立情感连接？如何利用舞台空间和肢体语言来增强音乐的表现力？书里甚至还穿插了一些历史上著名演奏家在处理这些曲目时的录音对比分析，这种多维度的学习方式，让原本冷冰冰的乐谱瞬间鲜活了起来。我感觉自己不只是在练习技巧，而是在参与一场深度的音乐对话。对于希望从“合格演奏者”蜕变为“有思想的音乐诠释者”的乐友来说，这本书的价值无可估量。它提供了一个非常成熟的、面向舞台实践的视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的启发在于，它重新定义了“四级水平”的意义。在很多传统体系中，四级可能意味着“基础巩固，开始接触更复杂的复调或和声织体”。然而，这本《表演秀系列》把重点放在了“音乐的个性化表达”上。它提出的练习方法非常注重“自我发掘”。比如，书中有一个环节是要求学习者尝试用“浪漫主义”的触键去处理一段原本应该是“古典主义”风格的片段，然后再反思这种处理带来的听感变化，这迫使我跳出固有的思维定势。它鼓励我们去“扮演”不同的角色，去理解同一段旋律在不同时代背景下的情感可能性。这不仅仅是技术训练，更是一种艺术思维的拓展。我感觉自己不再是被动地接受教材的既定标准，而是主动地去探索音乐的无限可能。特别是书中关于“情感脉络的构建”的指导部分，它不是空泛地喊“你要有感情”，而是提供了一套结构化的流程，教你如何追踪旋律线的情感起伏，并将其转化为手指的动作。这本书让我明白了，音乐学习的进阶，最终是要走向创造和表达，而不是单纯的模仿。它真的让我对未来几年的学习方向豁然开朗。