奥尔夫音乐(高等职业教育十三五规划教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

张思瑶 编

图书标签:

• 奥尔夫音乐
• 音乐教育
• 高等职业教育
• 十三五规划教材
• 音乐教学
• 幼儿音乐
• 启蒙教育
• 音乐欣赏
• 节奏教学
• 音乐实践

店铺： 土星图书专营店

出版社： 科学

ISBN：9787030515629

商品编码：29777392802

开本：16

出版时间：2017-02-01

基本信息

• 商品名称：奥尔夫音乐(高等职业教育十三五规划教材)
• 作者：编者:张思瑶
• 定价：32
• 出版社：科学
• ISBN号：9787030515629

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-02-01
• 印刷时间：2018-02-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：180
• 字数：241千字

内容提要

张思瑶主编的《奥尔夫音乐(高等职业教育十三 五规划教材)》以理论阐述与课堂教学训练相结合为 原则，全面、系统地介绍了奧尔夫音乐教育的原理及 本土化的音乐教育实践，包括奧尔夫音乐节奏训练、 奥尔夫音乐身体动作训练、奧尔夫音乐乐器演奏训练 、奥尔夫音乐听力训练、奧尔夫音乐综合训练。本书 旨在提高和完善学生的音乐素养和音乐教学能力。
     本书既可作为高职高专学前教育专业教材，也可 作为幼儿园一线教师参考用书。
    

目录

项目一 奧尔夫音乐节奏训练
任务一 语言的节奏训练
子任务一 字的节奏训练
子任务二 词的节奏训练
子任务三 句的节奏训练
任务二 歌唱的节奏训练
任务三 语气变化的节奏训练
任务四 声响变化的节奏训练
项目二 奧尔夫音乐身体动作训练
任务一 指挥的动作节奏训练
任务二 声势的动作节奏训练
任务三 形体动作节奏训练
子任务一 律动动作节奏训练
子任务二 舞蹈动作节奏训练
任务四 音乐游戏的动作节奏训练
项目三 奧尔夫音乐乐器演奏训练
任务一 打击乐器训练
子任务一 打击乐器伴奏训练
子任务二 打击乐器演奏训练
任务二 音条乐器训练
子任务一 音条乐器伴奏训练
子任务二 音条乐器演奏训练
任务三 其他乐器训练
子任务一 弦乐器演奏训练
子任务二 管乐器演奏训练
项目四 奧尔夫音乐听力训练
任务一 儿童歌曲的听力训练
任务二 世界名曲的听力训练
项目五 奧尔夫音乐综合训练
任务一 音乐戏剧表演训练
任务二 音乐欣赏训练
子任务一 儿歌欣赏训练
子任务二 名曲欣赏训练
参考文献

音乐教育的传承与创新：面向未来的实践指南 图书名称：《现代音乐教学法与课程设计：面向二十一世纪的实践探索》 图书简介： 本书聚焦于当代音乐教育领域的前沿理论与创新实践，旨在为高等师范院校的音乐学、音乐教育专业学生以及一线中小学音乐教师提供一套系统、深入且极具操作性的教学指导与课程设计蓝图。在信息爆炸、技术飞速迭代的今天，传统的音乐教学模式正面临深刻的挑战与重塑。本书紧密围绕“以学生为中心”、“跨学科融合”和“技术赋能”三大核心理念，力求构建一个既能坚守音乐艺术本体价值，又能有效适应未来社会发展需求的现代化音乐教育体系。 全书共分为四个主要部分，结构清晰，层层递进。 --- 第一部分：当代音乐教育的理论基石与时代语境 本部分深入剖析了当前全球音乐教育理论的发展脉络，特别是后现代主义、建构主义在音乐学习中的应用。我们探讨了如何将皮亚杰的认知发展理论、维果茨基的社会文化理论与音乐实践相结合，构建出适应不同年龄段学习者认知特点的教学框架。 1. 音乐教育的哲学思辨： 阐述了美学体验、情感唤醒与知识传授在音乐教育中的辩证关系。我们不再将音乐视为孤立的技能训练，而是将其视为个体与文化互动的载体。详细分析了约翰·杜威“做中学”思想在音乐课堂中的具体体现，强调实践体验的不可替代性。 2. 学习者中心理念的深化： 详细介绍了如何根据学习者的兴趣、文化背景和个体差异来调整教学内容和方法。本书特别引入了“差异化教学”在音乐课堂中的应用案例，包括如何为有特殊学习需求（如听力障碍或节奏感知障碍）的学生设计个性化的支持方案，确保教育公平性。 3. 文化多元性与音乐视野的拓展： 面对全球化趋势，本部分强调了音乐教育中文化敏感性的重要性。不仅限于西方古典音乐体系，更系统地介绍了世界各地民族音乐的审美特征、功能性以及如何将其安全、尊重地融入本土课程体系，培养学生的跨文化理解力与全球公民意识。 --- 第二部分：核心技能教学的创新路径 本部分是本书的实践核心，专注于解决如何在传统音乐技能（如视唱练耳、乐理知识、演奏技巧）的教授中注入新的活力与效率。 1. 视唱练耳的认知神经科学视角： 摒弃枯燥的重复性训练，转而采用基于听觉心理学的训练模块。详细介绍了如何利用生物反馈技术和游戏化学习（Gamification）原理，将音准、节奏的辨识与记忆过程转化为一种高效、愉悦的脑力训练。例如，设计基于“音乐记忆宫殿”的记忆法，提升复杂旋律的快速再现能力。 2. 乐理知识的“情境化”教学： 批判了将乐理视为纯粹抽象符号的教学方式。本书提出“情境先行、符号后置”的原则。通过深入分析经典作品（如巴赫赋曲的结构分析、德彪西和声的色彩运用），让学生在实际欣赏与演奏中“发现”乐理规则，而不是被动接受规则。特别增加了对现代作曲技法（如十二音体系、极简主义）的入门解析，拓宽学生对音乐语法的认知边界。 3. 演奏与表演的心理调适： 针对表演焦虑这一普遍难题，本书引入了运动心理学中的放松技巧、正念训练（Mindfulness）在音乐排练中的应用。不仅关注技巧的准确性，更关注演奏者在舞台上如何管理压力、实现自我表达，强调“为沟通而非炫技”的表演理念。 --- 第三部分：课程设计与项目化学习的实践模式 现代音乐教育强调将知识转化为解决实际问题的能力。本部分提供了从宏观课程规划到微观项目实施的全流程指导。 1. 跨学科融合课程（STEAM音乐模块）： 详细介绍了如何将音乐教育与科学（Science）、技术（Technology）、工程（Engineering）、艺术（Art）和数学（Mathematics）进行有效整合。例如，如何引导学生利用声波可视化软件（如Audacity）分析音乐中的频率与振幅关系；如何设计一个小型电子音乐合成器项目，理解电路与音色的生成过程。 2. 项目式学习（PBL）在音乐项目中的应用： 提供了多个可复制的PBL案例，如“为社区舞台剧谱写配乐”、“基于当地历史事件创作组曲”等。强调项目启动、团队协作、资源整合、最终成果展示与反思评价的全周期管理。特别指导教师如何设计有效的评估工具，衡量学生的创造力、合作能力和解决问题的能力，而非仅仅是最终作品的优劣。 3. 音乐鉴赏与批判性思维的培养： 改变传统“灌输式”的音乐史教学。建议采用“主题式”或“问题导向式”的鉴赏教学。例如，围绕“战争与音乐”、“科技对音乐的影响”等主题，引导学生对比不同历史时期、不同地域的音乐作品，培养其独立思考和形成个人音乐判断力的能力。 --- 第四部分：教育评价的革新与教师专业发展 本部分关注如何科学、全面地评估学生的学习成效，以及教师自身的持续成长。 1. 多元化的形成性评价体系： 提倡采用档案袋评估（Portfolio Assessment）、同伴互评、自评报告等多种方式，取代单一的期末考试。重点阐述如何对“过程性贡献”进行有效量化与反馈，例如对小组讨论的参与度、对练习笔记的详尽程度、对创作草稿的迭代精神等进行价值评估。 2. 技术在评价中的辅助作用： 探讨了利用学习管理系统（LMS）和在线协作平台进行即时反馈和数据收集的方法。介绍了如何使用数字工具记录学生的演奏进步曲线，并利用数据分析来识别学习瓶颈。 3. 教师的终身学习与反思实践： 强调教师是教育变革的第一推动力。本书提供了教师自我反思的框架，鼓励教师定期进行“教学日志”的书写、观摩与分析，并积极参与专业学习共同体（PLC）。最后，提供了最新的音乐教育研究期刊推荐和行业趋势分析，帮助一线教师保持知识的前沿性。 总结： 《现代音乐教学法与课程设计：面向二十一世纪的实践探索》是一部连接理论深度与实践广度的桥梁之作。它不仅为音乐教育工作者提供了应对当下复杂教学环境的策略武器，更重要的是，它启发教育者重新思考音乐在现代社会中扮演的角色，培养出既有深厚人文素养，又具备创新实践能力的未来一代音乐人才。本书的最终目标是：让每一位学习者都能在音乐中找到自我，实现价值。

评分☆☆☆☆☆

我对这本教材的排版和视觉呈现给予高度关注，因为在面对高职学生时，如何保持他们的学习兴趣和注意力是至关重要的挑战。我发现，相较于传统教材那种密密麻麻、黑白为主的风格，这本书在视觉语言上似乎做出了不少努力。我注意到，色彩的运用是否恰当，是否能够有效地引导读者将注意力集中在关键的概念上，而不是仅仅为了“好看”而进行装饰。更重要的是，我希望看到那些复杂的音乐概念，比如如何通过奥尔夫的“元素组合”来构建一个完整的音乐情境，能否通过清晰的图示、流程图或者思维导图来直观地呈现出来。如果教材仅仅是罗列了大量的文字描述，即便内容再深刻，对于需要快速掌握技能的高职学生来说，学习效率也会大打折扣。我期待它能像一个优秀的视觉设计师那样，用画面语言为枯燥的理论穿上“易懂”的外衣。例如，当讨论到“要素整合”时，如果能有一张清晰的图表展示声音、动作、语言如何相互作用，构建起一个立体的学习体验，那将远胜于长篇累牍的文字阐述。最终，一本好的教材应该能让学生在翻阅的过程中，不自觉地产生“我想试试看”的冲动，而不是“我必须完成阅读”的压力感。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐教育发展趋势持续关注的观察者，我非常好奇这本教材如何应对当下技术飞速发展带来的冲击。奥尔夫教学法虽然根植于传统，但其核心精神——即创造性和即兴性——与现代的数字音乐创作和互动技术是完全可以兼容的。我希望看到教材中能有章节或模块，探讨如何将奥尔夫的理念融入到如平板电脑上的音乐制作软件（DAW）或者一些互动节奏游戏的设计中去。这不仅仅是简单地把技术当作工具来使用，而是要思考如何利用这些新技术来放大奥尔夫教学法中强调的“主动探索”和“合作建构”的过程。如果教材只是固守传统的木琴、响板等实体乐器教学，而对新兴的学习媒介保持沉默，那么它在高等职业教育领域的前瞻性就会大打折扣。毕竟，现在的学生们是伴随着高交互性数字产品成长的，如何利用他们熟悉的环境来激发他们对音乐更深层次的理解和创造力，是摆在所有音乐教育工作者面前的课题。我期望这本教材能提供一些前瞻性的视角，引导未来的教育者不仅是奥尔夫精神的传承者，更是其在新媒体时代下的创新者和适应者。

评分☆☆☆☆☆

从学术严谨性的角度来看，我对教材中引用的理论来源和文献资料的权威性非常看重。高等教育教材，无论如何强调实践，其理论基石必须是扎实且可靠的。我希望这本书能够清晰地梳理奥尔夫教学法自其诞生以来，在不同国家和文化背景下的演变和发展脉络。更进一步，如果教材能够引入一些批判性思维的视角，探讨奥尔夫理论在现代教育学、心理学研究中的最新进展和潜在争议点，那将极大地提升其深度和广度。例如，奥尔夫强调的“元素统合”，在当代认知神经科学的视角下，其对儿童大脑发育的具体影响有哪些新的研究支持或挑战？如果教材只是单方面地赞美和介绍，而缺乏这种学术上的自我审视和对话，那么它在培养学生的独立研究能力和批判性分析能力方面就会有所欠缺。我希望看到的，是一本既能教会我“怎么做”，又能让我思考“为什么这么做”并且“未来还能怎么做得更好”的综合性读物，从而真正为培养高素质的职业音乐教育人才打下坚实的理论基础。

评分☆☆☆☆☆

这本《奥尔夫音乐》的教材，我初拿到手的时候，心里其实是有点忐忑的。毕竟，“高等职业教育”这几个字就意味着它和我们过去在基础教育阶段接触的那些轻快的、侧重体验的奥尔夫教学法，可能要走上更系统、更理论化的道路。我期待看到的是，它如何巧妙地将奥尔夫那套强调“动手动脑，边做边学”的核心理念，转化为适合高职学生未来职业发展需求的专业知识体系。我特别关注教材在“实践性”和“学术性”之间是如何找到平衡点的。例如，它是否深入探讨了奥尔夫教学法在特定教学场景中的应用案例，比如如何利用奥尔夫元素来设计针对特殊教育群体或社区音乐活动的方案。我希望它不仅仅停留在介绍节奏、旋律、律动这些基础概念，而是能提供一套清晰的、可操作的“教学设计蓝图”，让学习者能够真正掌握如何将奥尔夫的“元素”转化为有效的“教学工具”。如果教材能提供一些真实的、带有数据反馈的案例研究，那就更完美了，这样才能让我信服，这套体系在高等职业教育的土壤中是真正具有生命力和转化价值的。现在的教材市场，很多专业书只是把理论堆砌起来，缺乏与实际工作场景的有效衔接，我真诚希望这本能够成为一个例外，成为我们未来从事音乐教育或相关行业时，可以随时翻阅的“工具箱”，而不是束之高阁的“理论参考书”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“高等职业教育”定位，让我联想到未来就业市场对音乐人才的实际需求。通常来说，高职教育更偏向于技能培养，学生毕业后可能直接进入幼儿园、早教机构、社区文娱中心等一线岗位。因此，教材内容是否贴合一线工作的“痛点”和“实操性”是检验其价值的关键。我特别想知道，教材在讲解音乐理论和实践方法时，是否充分考虑了实际教学环境的限制，比如教室空间大小、可用乐器数量的差异，甚至是不同年龄段儿童的注意力集中时长等现实问题。如果教材提出的活动方案过于理想化，需要大量专业设备和耗时准备，那么对于时间紧张、资源有限的基层教育工作者来说，其参考价值就会降低。我期待这本书能够提供一套“模块化”的教学单元，允许使用者根据自身条件灵活挑选和组合，真正做到“学以致用，因地制宜”。它应该像一个经验丰富、深谙实战的导师，而不是一个只会空谈理论的学者，用最务实的语言，告诉我们如何在资源有限的情况下，依然能最大化地实现奥尔夫音乐教育的目标。