大提琴基础训练王相乾西南师范大学出版社正版考研全新教材9787562133148 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王相乾 著

图书标签:

• 大提琴
• 基础训练
• 王相乾
• 西南师范大学出版社
• 考研教材
• 音乐教材
• 弦乐
• 乐器学习
• 高等教育
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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562133148

商品编码：29859853757

页数：113

图书基本信息
书名：	大提琴基础训练
丛书名：	器乐教学丛书
作者/主编：	王相乾
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562133148
出版年份：	2006年7月1日

版次：	第1版
总页数：	113页
开本：	16
图书定价：	19元
实际重量：	299g
新旧程度：	正版全新

 王相乾，1937年出生。西安音乐学院教授，研究生导师，中国音乐家协会会员。1959年毕业于西安音乐学院并留校任教至今。执教40多年来，治学严谨，业于勤奋，在教学与科研中均有建树。1985年、1997年两年被聘为全国大提琴比赛评委，传略辑人“中国音乐家名录”和“中国文艺家传集”。

第*部分 大提琴简介

第*章 大提琴的产生与发展
第二章 基本演奏姿势
第二部分 大提琴音阶训练
第*章 一个八度的音阶及琶音
第二章 二个八度的音阶及琶音
第三章 三个八度的音阶及琶音
第四章 四个八度的音阶及琶音
第三部分 左右手基本功训练
第*章 训练左手手指流利发展的练习
第二章 训练右手腕部灵巧动作的练习

  要想步入大提琴演奏的殿堂，要想在大提琴演奏的自由王国里展翅翱翔，音阶则为每日必不可少的重要训练课题。一个演奏家，从初学阶段开始，就和音阶结下了不解之缘，正因为音阶具有可发展左右手一大批技巧的特殊功能，同时音阶演奏得好坏，又在很大程度上标志着技术成就的高低，所以关于它的重要性，不论做如何的评估，都不会过分。

　　随着音乐艺术的发展，大提琴演奏技艺也在不断创新与提高，愈来愈加艰深的技巧，愈来愈加复杂的双音频频出现于作品之中。鉴于目前在国内外大提琴文献里关于双音的训练一般于三、六、八度，而对其他双音的训练则很少涉及，编者在长期的教学中，深感大有对其他更多双音进行、有序地训练之必要。实践证明 ，它们在训练学生的音准、左右手指力量、把位概念等方面，均有不可估量的积极意义。
　　《器乐教学丛书：大提琴基础训练》讲解了音阶训练及左右手的手指流利发展的练习，给初学者带来很好的练习及引入。

 

深入探索：古典音乐演奏的精妙与理论基石 本书简介： 本书旨在为广大音乐学习者、演奏家以及对古典音乐理论有浓厚兴趣的读者提供一个全面、深入的学习平台。我们聚焦于音乐艺术的核心要素，从宏观的音乐史脉络到微观的演奏技巧解析，力求构建一个严谨而富有启发性的知识体系。全书内容组织精心，逻辑清晰，旨在帮助读者建立扎实的理论基础，并能将理论知识有效应用于实际的音乐理解与演奏实践之中。 第一部分：西方音乐史的宏伟画卷 本部分将带领读者穿越数个世纪的音乐发展长河，系统梳理西方古典音乐的演变轨迹。我们将从古希腊的音乐理论萌芽讲起，详细阐述中世纪宗教音乐对西方音乐的影响，特别是格里高利圣咏的结构与意义。 随后，我们将重点解析文艺复兴时期复调音乐的兴起，介绍如帕莱斯特里那等大师的作品特点，探讨音乐如何摆脱纯粹的宗教束缚，开始关注人文主义精神。 巴洛克时期的章节是本部分的重中之重。我们将深入探讨“巴洛克”风格的核心特征——对对比、装饰和力度变化的强调。这一部分不仅会详述巴赫的对位法精髓、亨德尔的歌剧与清唱剧成就，还会剖析奏鸣曲、协奏曲等重要体裁的早期确立过程。对位法的严谨性、赋格曲的结构逻辑，以及通奏低音（Basso Continuo）在当时乐队构成中的关键作用，都将得到细致的图解和分析。 进入古典主义时期，我们将分析海顿、莫扎特和贝多芬如何确立了奏鸣曲式这一古典音乐的骨架结构。奏鸣曲式的呈示部、发展部、再现部的功能性划分，以及三乐章或四乐章交响曲、奏鸣曲、室内乐的规范化发展，是本部分解析的重点。我们不仅会分析其形式美，更会探讨其背后所蕴含的启蒙运动精神——清晰、平衡与和谐。 浪漫主义时期的阐述将着眼于情感的解放与个人表达的加强。肖邦、李斯特等钢琴巨匠如何拓展了乐器的表现力，瓦格纳的“主导动机”与“整体性艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，以及后浪漫主义时期如马勒、理查·施特劳斯对管弦乐队规模和色彩的极致探索，都将作为核心内容呈现。 第二部分：音乐理论与和声学的深度剖析 本部分是构建扎实音乐素养的理论基石。我们从最基础的乐理概念入手，确保读者对音高、节奏、节拍、调性有准确的理解。 和声学的探讨将遵循由简入繁的路径。首先是三和弦与七和弦的构成、转位及其功能分析（主、属、下属）。我们将详细讲解功能和声体系，包括导音的解决、二级和弦的应用、以及终止式的种类与效果。 随后，我们将进入更复杂的和声色彩分析：增三和弦、减七和弦的功能性运用，以及半音和声在连接不同调性中的作用。大调与小调之间的关系，以及不同调式（如弗里吉亚、利迪亚等）在音乐中的色彩效果，也将通过具体的乐谱示例进行剖析。 对位法基础将作为独立章节进行介绍，侧重于两条旋律线如何独立发展，同时又在垂直关系上保持和谐。我们将系统介绍如“严格对位法”中的各种“种”（species）练习，强调旋律线条的流动性与节奏的对比性。 第三部分：管弦乐配器与织体分析 理解作曲家如何“着色”和“雕塑”声音是欣赏古典音乐的关键。本部分将详细介绍管弦乐队的构成及其各项乐器的音域、音色特点和演奏技巧。 木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松）的特性及其在不同声部的表现力；铜管组（圆号、小号、长号、大号）的庄严与辉煌；打击乐组的节奏与戏剧性作用，都将有详尽的描述。 弦乐组的分析将特别深入，涵盖泛音、拨弦、揉弦、跳弓等多种演奏技法对音色的影响。 织体（Texture）分析是理解音乐结构的重要工具。我们将对比单音音乐、主调音乐（旋律与伴奏）、复调音乐（对位）这三大基本织体的特征，并通过分析巴赫的赋格与海顿的弦乐四重奏，让读者直观感受不同织体带来的听觉感受和情感张力。 第四部分：特定乐器演奏的原理与挑战 虽然本书的侧重点在于理论与宏观结构，但我们仍将精选几种具有代表性的乐器演奏原理进行剖析，以连接理论与实践的桥梁。例如，针对弦乐器演奏中的弓法选择对音色连贯性的影响；键盘乐器触键力度如何直接控制和声的清晰度；以及管乐器呼吸控制在长乐句中的重要性。这些分析将着眼于物理学原理与音乐表达的结合，而非针对特定教材的练习内容。 本书的最终目标是培养读者独立分析音乐的能力，使其在面对任何古典音乐作品时，都能洞察其背后的历史背景、结构布局、和声逻辑以及配器巧思，从而达到更深层次的审美体验。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本书的时候，我时不时会停下来思考作者的良苦用心。它不像那些快速入门的指南那样迎合大众对“立竿见影”的渴望，反而更像是一部经过时间沉淀的经典之作，它要求学习者付出耐心和时间。书中对于弓法控制的深度剖析，简直是我的福音。我一直以来都为换把时出现的不和谐音而苦恼，总觉得换把的过渡不够平滑，声音时断时续。这本书不仅给出了详细的图示，更重要的是，它将换把的过程分解成了数个微小的动作单元，并辅以特定的速度和力度要求进行专项训练。我尝试着将其中关于“弓的呼吸”那一部分的练习融入日常训练，效果立竿见影——换把处的声音仿佛被无形的力量连接起来，形成了一个完整的、呼吸顺畅的乐句。这不仅仅是技巧的提升，更是一种对乐器整体控制力的重塑，让我看到了自己潜力的边界正在被一点点拓宽。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅体现在练习曲的难度上，更在于其蕴含的教学哲学。我注意到，书中对早期阅读和早期音色的要求非常高，这很符合我们对“打好地基”的传统认知。对于那些试图走捷径的练习者来说，这本书可能会显得有些“慢热”，因为它拒绝灌输那些华而不实的炫技片段，而是专注于打磨最核心的音乐素养。例如，书中对弱奏的处理，几乎达到了吹毛求疵的地步，它要求学习者在极弱的力度下，依然能保持音色的纯净和聚焦，这在实战中是极其考验基本功的。通过长期练习这些“安静”的片段，我发现自己对琴弦的压力感知变得异常敏锐，仿佛手指和弓毛之间建立了一种全新的交流方式。这种细腻入微的训练，最终都会汇聚成强大而稳定的演奏能力，让你的音乐在任何场合都显得游刃有余，毫不虚浮。

评分☆☆☆☆☆

如果说有什么让我感到意外的，那就是本书对于乐理和听觉训练的潜移默化渗透。虽然它是一本技术教材，但你会发现，在不同的练习段落后面，总是穿插着一些关于和声进行或特定调式色彩的提示。这些内容不是硬生生的理论灌输，而是巧妙地与实际的演奏动作结合起来，让你在拉奏的同时，自然而然地理解音符之间的关系。比如，在练习某个特定的三和弦分解时，作者会提醒你要“听出大三度的温暖”或“小三度的忧郁”，这种感性的引导，比死记硬背乐理知识要有效得多。这使得我的练习不再是机械性的手指运动，而变成了一种主动的、充满思考的音乐创造过程。这本书真正地将“手脑并用”这一理念贯彻到了大提琴学习的每一个细节中，对于希望建立完整音乐观的严肃学习者来说，这是一笔宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排体系堪称严谨，它似乎是为那些真正想要在专业道路上深耕的学子量身定制的。我尤其欣赏它在节奏和指法衔接部分的处理。很多时候，我们都在纠结于单音的完美，却忽略了乐句的连贯性。这本书则巧妙地将技术难点融入到富有音乐性的练习曲中，让你在解决技术问题的同时，不至于感到枯燥乏味。那些看似简单的音阶和琶音练习，其实暗藏着对指板精确度的极高要求。书中的范例不仅仅是“怎么做”的指导，更深层次地探讨了“为什么这样做”的原理，这对于理解音乐的结构和表达至关重要。我发现，当我对某一个练习背后的音乐逻辑有了更深的领悟后，练习效率竟然成倍提升。它教会我的不仅仅是如何拉好每一个音，更是如何去“思考”音乐，如何用大提琴的语言去讲述一个完整的故事。对于备考研究生的人来说，这种系统化的思维训练是无价的。

评分☆☆☆☆☆

初拿到这本书时，就被它沉甸甸的质感吸引了。封面设计简洁又不失古典韵味，内页纸张的质地摸上去非常舒适，印刷清晰细腻，即便是复杂的乐谱，也能一目了然。作为一名业余爱好者，我深知基础训练的重要性，市面上很多教材往往侧重于技巧的堆砌，而这本书的编排逻辑却显得格外用心。它不是那种一上来就给你一堆高难度练习的“炫技宝典”，而是像一位循循善诱的老师，从最基本的持弓、音准、触弦开始，每一个环节都讲解得极其透彻。特别是对于初学者容易忽视的那些细微之处，比如手腕的放松度和手指的支撑力，作者都给予了充分的关注和详尽的图解。我用了大约两周时间，严格按照书中的步骤进行练习，明显感觉到自己的音色有了质的飞跃，那种原本干瘪、有些生硬的声音，开始变得圆润而富有穿透力。这种由内而外的改善，让我对后续的学习充满了信心。那种感觉，就像是找到了通往大提琴艺术殿堂的第一把钥匙，踏实、可靠，而且充满了古典的美感。