勋伯格风格与创意茅于润上海音乐出出版社正版全新教材9787807519034 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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阿诺德.勋伯格 著

图书标签:

• 勋伯格
• 风格
• 创意
• 茅于润
• 上海音乐出版社
• 教材
• 音乐理论
• 作曲
• 现代音乐
• 9787807519034

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807519034

商品编码：29859854019

页数：244

图书基本信息
书名：	勋伯格.风格与创意
作者/主编：	【奥】阿诺德.勋伯格   茅于润
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807519034
出版年份：	2011年

版次：	第1版
总页数：	244页
开本：	1/16
图书定价：	38.00元
实际重量：	340g
新旧程度：	正版全新

《勋伯格:风格与创意》的内容依照顺序而言有勋伯格对于自己职业的评价；他对现代音乐的反应，其主要的衍生物之一就是民族主义；他对于批评家和批评的生动回应；他对音乐理论与实践的重要贡献即十二音作曲技法的发展；对于理论与作曲、表演与记谱方面的问题的探讨；对教学工作的积极深人；他对于过去和现在的作曲家的态度；以及后，他对于当时的社会和政治气候的反应。 作者简介作者：（奥地利）阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg） 译者：茅于润 

部分个人的评价与回顾 人怎么会感到孤独的 音乐创作中的情与理 自我剖析 我的演变 新音乐：我的音乐 拼凑的音乐 我的技巧和风格 第二部分现代音乐 新音乐、过时的音乐、风格与创意 评论音乐作品的标准 新音乐 时代的转折 与文字的关系 第三部分民间音乐与民族主义 民间音乐式的交响乐 民间音乐与艺术音乐 民族音乐（1） 民族音乐（2） 为何美国没有出现伟大的音乐作品 第四部分十二音作曲法 十二音作曲法 豪埃尔（Hauer，J.M.）的理论 “勋伯格的音列” 用十二音作曲 用十二音创作（2） 这公平吗？ 第五部分理论与作曲 调性与曲式 为作曲论文写的一篇文章 有关和声的问题 音乐创意的连接 新、旧对位法 线性对位 线性对位；线性复调 赋格 第六部分教学 艺术教学中的问题 现代作曲的教学问题 教学与音乐中的现代思潮 第七部分作曲家 巴赫 革新派勃拉姆斯 古斯塔夫·马勒 阿尔班·贝尔格 乔治·格什温 译后记 

《勋伯格:风格与创意》是一本关于现代音乐的重要文献。阿诺德·勋伯格以其非凡的智慧和其具有预见性的洞察力，使这本《勋伯格:风格与创意》成为吸引人们对复杂的二十世纪音乐历史产生浓厚兴趣的必不可少的原始资料。通过《勋伯格:风格与创意》你可以进入二十世纪重要的作曲家的头脑，去理解、探究勋伯格本人和他的音乐，以及勋伯格对其他作曲家的研究、对艺术和整个世界的思考。

好的，为您创作一本关于音乐理论与分析的教材简介，不涉及勋伯格风格与创意的内容。 --- 《西方音乐分析基础：从巴洛克到浪漫主义》 作者： [此处可填写真实作者姓名或“多位资深音乐教育家”] 出版社： [此处可填写真实出版社名称或“权威音乐学出版社”] ISBN： [此处可填写真实ISBN或“978-X-XXXXX-XXX-X”] 内容简介 本书旨在为音乐学、音乐教育学、作曲与指挥等专业学生，以及所有对西方音乐史与分析感兴趣的读者，提供一套系统、深入且实用的音乐分析基础教材。本书严格遵循音乐学研究的学术规范，以清晰的逻辑结构，梳理了从巴洛克早期至浪漫主义晚期西方音乐的核心特征、结构原理与和声语言。 核心结构与特色 本教材并非一部纯粹的历史综述，而是一本侧重于“如何聆听”和“如何解读”的工具书。它将分析方法与具体的音乐实例紧密结合，引导读者超越对作品表象的感知，深入理解作曲家在特定历史语境下所采用的结构性选择和表达意图。 第一部分：巴洛克时期音乐的结构与织体 本部分聚焦于17世纪至18世纪中叶的音乐范式。重点探讨了复调（Polyphony）的艺术，尤其是巴赫时代对位法的精妙运用。 和声基础： 详细解析了通奏低音（Basso Continuo）的功能，以及基于协和与不协和音的调性系统如何奠定早期功能和声的基石。 体裁分析： 深入剖析了赋格曲（Fugue）、托卡塔（Toccata）和奏鸣曲（Sonata）的结构规范。通过对巴赫《平均律钢琴曲集》的案例分析，读者将掌握主题的呈示、展开、再现及其在全曲中的逻辑推进。 织体研究： 区分了主调音乐（Homophony）与复调音乐在不同乐章中的平衡关系，强调了对位在赋予音乐线条独立性与相互关联性方面的重要性。 第二部分：古典主义音乐的清晰与平衡 本部分转向18世纪下半叶，以海顿、莫扎特和贝多芬的早期作品为主要研究对象，探讨了“清晰性”（Clarity）与“平衡性”（Balance）的音乐美学。 奏鸣曲式精解： 奏鸣曲式（Sonata Form）是古典主义的核心。本书用大量图示和实例，系统分解了呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）的内部逻辑、调性关系和主题处理技巧。 曲式规范化： 详细分析了回旋曲式（Rondo）、复合三部曲式（Compound Ternary Form）在协奏曲和交响乐中的应用，并探讨了主奏与乐队在古典协奏曲中的对话模式。 旋律与动机发展： 强调古典主义音乐中“动机”（Motive）作为建筑材料的重要性，分析了作曲家如何通过反复、变形、移位等手法，在统一中创造变化。 第三部分：浪漫主义的抒情性与和声拓展 进入19世纪，音乐的重心逐渐从客观的结构转向主观的情感表达。本部分着重分析了这种转变如何影响了和声语言、曲式结构和配器法。 和声的色彩化： 系统梳理了调性色彩的扩展，包括副属和弦（Secondary Dominants）、远关系转调（Distant Modulation）以及半音化和声（Chromatic Harmony）的普遍应用。通过对舒伯特、肖邦和勃拉姆斯作品的分析，读者将理解这些和声手法如何服务于情感的张力与释放。 “自由”的曲式： 探讨了幻想曲（Fantasia）、叙事曲（Ballade）等新兴体裁，以及传统体裁在浪漫主义语境下的自由化倾向。乐思的连贯性更多依赖于抒情线索而非严格的结构对称。 主导动机与象征意义： 引入了瓦格纳歌剧分析中的“主导动机”（Leitmotif）概念，并将其置于更广泛的叙事音乐语境中进行考察，讨论音乐如何承载文学或哲学意义。 教学方法与适用对象 本书采用理论讲解、范例分析、习题练习相结合的教学模式。每章末均附有关键术语总结和深度思考题，旨在培养学生的批判性思维和独立分析能力。 本书特别适合以下读者： 1. 音乐专业本科生： 作为《和声学》、《曲式分析》或《西方音乐史》的配套教材，提供坚实的分析工具。 2. 音乐教师与研究人员： 作为查阅和参考特定历史时期音乐语言特征的专业工具书。 3. 演奏家与指挥家： 帮助他们更深入地理解乐谱背后的结构逻辑与情感意图，从而提升诠释的准确性与深度。 通过本书的学习，读者将掌握一套成熟的方法论，能够自信地解读从巴赫到马勒的经典曲目，真正实现“听懂”音乐的深度目标。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在音乐学院系统学习的学生，我接触过市面上形形色色的理论书籍，但能真正做到将深奥的理论与实际创作实践紧密结合的，实属凤毛麟角。这本书的叙事逻辑非常清晰，它不像有些理论著作那样，堆砌着艰深的术语，让人望而却步。相反，作者仿佛是一位循循善诱的导师，他总能找到最恰当的比喻和最直观的范例来阐释那些乍听起来难以捉摸的音乐现象。我尤其喜欢它在分析不同时期作曲家作品时所展现出的那种细腻的洞察力，不仅仅停留在“是什么”的层面，更深入探讨了“为什么会这样”的内在驱动力。这种由表及里的探究方式，极大地激发了我去主动分析音乐、而不是被动接受知识的欲望。读完一个章节，我常常会立刻拿起乐器去尝试模仿或发展书中所述的技法，那种“豁然开朗”的感觉，是其他许多教材无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的结构安排感到非常惊艳，它展现了一种极高的学术自洽性。从最基础的音高组织原则讲起，逐步推导出复杂的织体与形式逻辑，整个知识的递进过程是那样自然而然，仿佛是水到渠成。其中涉及到的那些对传统调性体系的解构与重塑的探讨部分，处理得尤其到位，没有陷入故作高深的空谈，而是紧密围绕着“如何让新的音乐语言得以成立并具有表现力”这一核心问题展开论述。我发现，很多我过去在个人创作中感到困惑的模糊地带，通过阅读书中对“限制性与自由度”之间辩证关系的阐述后，一下子清晰了起来。这不仅仅是知识的传授，更像是一种思维方式的重塑，它教会你如何跳出舒适区，用更具批判性的眼光看待音乐创作中的一切既定规则。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对于整个国内音乐教育界来说，无疑是投下了一枚重磅炸弹。长期以来，我们在某个特定音乐领域的学习资料上存在一定的滞后性，很多前沿或深入的分析只能依赖外文原版，这无形中给许多非英语母语的学习者设置了天然的障碍。茅老师能以如此深厚的学术功底和独特的视角来梳理和构建这一体系，让我们可以用最地道的中文，接触到最尖端的音乐思潮，这种贡献是无法用简单的“一本好书”来概括的。我感觉作者在字里行间流露出的，是对这一音乐风格的彻底“内化”与“消化”，他不是简单地翻译或转述，而是融入了自己的心血和独特的见解，使得原本可能显得生硬的西方理论，变得流畅、富有生命力。这绝对是能够引领未来几年国内相关专业研究方向的重要参考读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是充满了古典的韵味，纸张的质感也十分考究，拿在手里有一种沉甸甸的厚实感。封面那一抹沉稳的色调，配上精心挑选的字体，让人一眼就能感受到作者对音乐美学的深刻理解。翻开内页，排版布局疏密有致，既保证了阅读的舒适度，又在视觉上给人一种赏心悦目的感觉。尤其是一些乐谱的印刷，线条清晰，黑白分明，即便是复杂的对位和和声结构也能一目了然，这对于我们这些需要反复推敲乐谱细节的学习者来说，简直是太友好了。我特别欣赏出版社在细节上的用心，比如装订方式，完全可以经受住高强度的翻阅和标记，不至于用几次就散架。这不只是一本教材，更像是一件值得珍藏的艺术品，光是摆在书架上，就能为整个学习空间增添一份肃穆而高雅的氛围，让人在面对那些晦涩的理论时，也能保持一份敬畏和期待。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，最初拿到这本教材时，我抱着一种“试试看”的心态，毕竟“风格与创意”这种主题很容易流于表面，或者变成枯燥的“套路汇编”。然而，这本书彻底颠覆了我的预设。它最成功的地方在于，它始终没有把读者当成一个只能机械模仿的工具人，而是将我们视为一个有潜力进行独立思考的音乐实践者。书中对于“创意”的探讨，绝非是简单地罗列一些“可以尝试的组合”，而是深入剖析了在特定风格框架下，哪些选择是真正能够产生张力和意义的“必然性”。这种对“可能性边界”的精准把握，为我打开了一扇看待当代音乐创作的全新大门。它激励我，去理解规则，然后才能真正地“超越”规则，用属于自己的声音进行表达，而不是被风格的影子所束缚。这是一本值得反复研读、常读常新的“内功心法”。