对位法 自由对位法和声旋律二声部曲式 卡农赋格曲 音乐创作写作书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 对位法
• 复调音乐
• 和声
• 旋律
• 音乐创作
• 音乐理论
• 作曲
• 赋格
• 卡农
• 二声部曲式

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540480622

商品编码：29867079444

丛书名： 对位法第二册自由对位法第二版

 

目录

上篇：自由对位法

概述

自由对位法的风格与特点

第二节和声与对位织体的关系

第三节旋律特征

第二课为圣咏配对位化和声

巴赫实例

第二节为圣咏配和声示范

第三课二声部单对位

巴赫实例

第二节和弦外音

第三节二声部单对位写作范例

第四节二声部单对位实例

第四课二部曲式与小步舞曲

二部曲式

第二节实例分析

第五课二声部模仿与卡农

简单模仿

第二节二声部卡农写作

第三节二声部卡农范例

第六课二声部卡农的变体

倒影卡农

第二节逆行卡农

第三节扩大、缩小卡农

第四节无终卡农

第五节猜谜卡农

第七课阿列曼德舞曲

第八课二重对位

八度二重对位

第二节十二度与十度二重对位

第三节二声部倒影对位

第九课创意曲与卡农曲

创意曲以及写作要点

第二节创意曲分析

第三节卡农曲分析

第十课三声部单对位

三声部单对位写作

第二节三声部单对位实例

第三节巴赫咏叹调

第十一课三重对位

写作要点

第二节三重对位写作范例

第三节三重对位实例

第十二课三声部卡农

三声部卡农写作

第二节二声部卡农与附加伴奏声部

第三节固定调与二声部卡农

第十三课三声部创意曲

实例分析

第二节写作要点

第三节问插段写作示范

第十四课四声部对位

四声部单对位

第二节四重对位

第三节四重对位写作范例

第十五课四声部卡农

巴赫的猜谜卡农

第二节贝多芬的四声部卡农

第三节四声部无终卡农范例

第四节四声部卡农的变体

第五节二重卡农

第六节轮唱曲

第十六课圣咏变奏曲

第十七课帕萨卡里亚

第十八课圣咏前奏曲

下篇：赋格曲

第十九课赋格曲呈示部

概述

第二节呈示部

第三节呈示部的其它形态

第四节补充呈示与对呈示部

第五节主题

第六节答题

第七节对题

第八节对题与守调答题和转调答题的关系

第二十课赋格曲的展开与再现

间插段

第二节紧接段

第三节再现与结尾

第二十一课赋格曲整体布局

第二十二课多主题赋格曲

第二十三课赋格曲写作

对题写作

第二节呈示部写作

第三节间插段写作

第四节紧接段写作

第二十四课赋格曲写作范例

”f小调三声部赋格曲

bA大调三声部赋格曲

q小调四声部三重赋格曲

附录一其它风格的复调音乐写作

“民族化”尝试

第二节音列与调式调性的进一步扩展

附录二赋格曲主题

附录三作业写作示范

 

本书是《对位法（第二册）·自由对位法》的第二版，再版修改并增加了一些课的课后作业，并且在书的*后增添了附录三，这一部分提供了本书部分课后作业的写作示范，通过示范向学生展示对位法写作中的注意事项以及所要达到的标准。本书出版后得到音乐院校师生们的高度评价，被认为是专业的对位法教材”。除中央音乐学院用于作曲专业教材，上海音乐学院、武汉音乐学院、西安音乐学院等各大音乐院校均选其为教材或教学参考。

《和声的织锦：巴赫之后西方音乐的色彩与结构》 一部深入探索十九世纪至二十一世纪西方音乐语言演变，以及和声、配器与曲式革新的权威著作。 本书并非一本基础的和声学或对位法教科书，而是将目光投向巴赫时代之后，尤其聚焦于浪漫主义晚期、印象主义、二十世纪现代主义以及当代音乐实践中，作曲家们如何拓展、颠覆并重塑了西方音乐的听觉体验和结构逻辑。我们关注的焦点在于“色彩的解放”与“结构的重构”，探究在既有的调性框架瓦解之后，音乐如何找到新的平衡点与表现力。 --- 第一部分：后浪漫主义的张力与极限（1850-1910） 1. 瓦格纳的遗产：调性溶解的序曲 本章将详细分析理查德·瓦格纳的晚期作品，特别是其“三音和弦”（Tristan chord）所带来的和声功能模糊性。我们将剖析《特里斯坦与伊索尔德》中乐句的无限延伸如何挑战了传统的乐段结构（如乐句的平衡与终止感），并探讨半音化进行如何削弱了主调的绝对权威性。这一部分将通过具体的乐谱分析，揭示和声如何从“结构支撑”转变为“情绪渲染”的主要工具。 2. 后浪漫主义的宏大叙事与技术扩张 重点考察古斯塔夫·马勒和理查德·施特劳斯的作品。他们继承了贝多芬和勃拉姆斯的宏大交响曲传统，但将配器法推向了前所未有的复杂程度。我们将研究“配器饱和度”如何成为表达极端情感（如存在焦虑、宇宙冥想）的关键手段。具体分析包括： 音区与音色的极端使用： 如何通过超高音或极低音的引入来制造心理上的不适感或崇高感。 复杂对位的异化： 马勒晚期作品中，看似对位，实则更接近多声部“音块”（Blocks of Sound）的交织，而非传统对位法的逻辑驱动。 3. 德彪西与“垂直化”的和声思维 本章聚焦于印象主义的革命。我们不讨论德彪西的“自由对位”技巧，而是侧重于他如何引入基于音色和氛围构建的和声。 五声音阶、全音阶的结构功能： 这些音阶如何被用来“模糊”大小调关系，制造水波般流动的听觉效果。 和弦的独立性： 研究德彪西如何将和弦视为独立的色彩单位（“色彩和弦”），而非传统功能和声中的进行步骤。和弦之间的连接更多基于平行移动（Parallelism）而非功能导向。 音响的“雾化”： 探讨如何通过模糊节奏和取消明确的终止来营造“瞬间”的体验。 --- 第二部分：二十世纪的结构革命（1900-1960） 4. 调性的终结：荀伯格的十二音体系 本章是理解二十世纪音乐结构的基础。我们将深入探讨： “十二音作曲法”的理论基础： 如何构建音列（Tone Row）的各种变换（转位、逆行、逆行转位）及其对作品整体统一性的维护。 音列在音乐元素中的分配： 探讨音列如何决定旋律、和声、节奏和配器，而不仅仅是旋律线。 非序列化早期作品的张力： 考察《协奏曲》等作品中，如何平衡自由的抒情性与新兴的十二音原则之间的矛盾。 5. 新古典主义：回归秩序的理性之声 与十二音体系的激进不同，新古典主义代表了对巴洛克和古典时期结构的理性回归。 斯特拉文斯基的“原始化”与“碎片化”： 分析《春之祭》中对位和节奏的“暴力”应用，以及后期作品中对巴赫、亨德尔手法的借鉴。我们特别关注他如何使用“音块”进行交替与并置，而非线性的发展。 新古典主义中的和声： 考察如何使用古典时期的和弦进行（如清晰的主属关系），但通过打破常规的节奏或引入不协和音程来使其“陌生化”（Estangement）。 6. 序列主义的深化与拓展（第二维也纳乐派的继承者） 本章关注韦伯恩（Webern）对声音要素的极致序列化。 “点描式”音乐（Pointillism）： 分析韦伯恩如何将节奏、力度、音色也纳入序列控制，导致音乐呈现出极度稀疏、片段化的特征。 时空概念的压缩： 研究短小精悍的乐思如何通过严密的序列结构维持内在的逻辑联系，探讨其对后世极简主义的间接影响。 --- 第三部分：战后实验与当代探索（1960至今） 7. 偶发性与不确定性：凯奇的哲学转向 我们将聚焦于约翰·凯奇如何通过“概率”和“偶然性”彻底瓦解了作曲家对作品的绝对控制权。 《改变的记谱法》与演奏者的自由： 分析如《4分33秒》这类作品的结构——即“环境声”的被纳入，以及对“音乐”定义的颠覆。 非意图性创作： 考察利用易经、随机数等工具辅助创作的机制，以及如何评估这种创作方式的艺术价值。 8. 极简主义的呼吸与重复 本书将详细区分“极简主义”（Minimalism）与“重复音乐”（Repetitive Music）的区别。 结构过程的透明化： 史蒂夫·莱奇（Steve Reich）与菲利普·格拉斯（Philip Glass）的作品分析。重点讨论“相位”（Phasing）技术如何制造听觉上的错觉与节奏的动态变化。 和声的静态化： 在极简主义中，和声往往不再“解决”或“发展”，而是通过微小的、渐进的增减或叠加来形成听觉上的“漂移”。 9. 扩展音色与电子媒介的融合 探讨二十世纪中后期以来，作曲家如何利用电子技术和非传统乐器来扩展音乐的声学边界。 具体音乐（Musique Concrète）与声音对象化： 考察录制声音素材的编辑、扭曲如何成为一种新的“配器”或“旋律”来源。 微音音乐（Microtonality）的复兴： 考察作曲家如何使用非十二平均律的音高系统，以及这些音高在当代和声语汇中的表现力。 结语：后现代的汇流与未来的和声景观 总结十九世纪以来的技术发展如何导致了当代音乐的“多中心化”：调性回归、序列主义的严谨、极简主义的沉思，以及电子技术的介入，共同构成了今天作曲家可供选择的庞大工具箱。本书旨在提供一个清晰的脉络，理解这些“自由”背后的结构逻辑与美学动机。 --- 本书特色： 高度依赖具体乐谱分析： 章节内容紧密结合重要的历史性乐谱片段进行讲解，拒绝空泛的理论阐述。 跨越流派的连接性： 揭示印象主义的和声色彩如何影响序列主义的音色选择，以及极简主义的重复如何反哺了对古典曲式的反思。 侧重“如何做”而非“应该做什么”： 旨在提供一个关于二十世纪和声与结构演变的详尽“技术地图”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排结构设计得非常巧妙，从最基础的和声概念入手，层层递进，稳扎稳打地过渡到更复杂的复调技巧。我发现自己对于“声部进行”的理解得到了质的飞跃，过去总是为连接两个和弦而感到生硬和不自然，但读完关于声部间如何保持独立性与统一性的章节后，那些原本令人头疼的进行突然变得清晰起来。作者对于不同历史时期作曲家处理对位关系的手法进行了细致的剖析，这使得理论不再是冰冷的教条，而是鲜活的、有生命力的创作工具。我特别喜欢其中关于旋律线条独立性的探讨，它教会了我如何让不同的声部在保持各自特性的同时，又能完美地交织在一起，形成一个紧密而富有张力的整体。这本书的深度和广度都令人称赞，它不仅为音乐理论学习者提供了坚实的学术基础，也为那些寻求提高作品织体复杂性和表现力的作曲家们，提供了实实在在的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它不像某些严肃的学术著作那样充斥着晦涩的术语和冗长的脚注，反而带着一种恰到好处的学术严谨性与文学性的结合。阅读起来非常流畅，仿佛作者在和你进行一场深入的、关于音乐本质的对话。尤其是在讲解如何平衡自由度与规则限制时，作者引用的那些经典片段分析得入木三分，那些细微的音高选择和节奏处理，是如何共同服务于整体的情感表达，被描绘得淋漓尽致。它成功地消弭了“技术训练”与“艺术表达”之间的壁垒，让我认识到最精湛的技术恰恰是为最自由的表达服务的。这本书的价值在于，它培养的是一种音乐的“直觉”，一种基于扎实功底的、对声音组合的深刻洞察力。对于希望在既有规范内探索更大可能性的人来说，这本书提供了极其宝贵的视角和方法论。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我而言，真是一部深入浅出的指南，它没有那种高高在上的理论说教，而是像一位耐心的老师，一步步引领我走入音乐创作的殿堂。我尤其欣赏作者那种平实的叙述方式，它让我能够轻松地理解那些看似复杂的音乐结构和原理。比如，在讲解如何构建一个有逻辑的音乐句子时，作者并没有仅仅罗列规则，而是结合了大量的实际范例，让我得以直观地感受到旋律线条是如何呼吸、如何发展的。这种实践导向的教学方法，极大地激发了我自己动手的欲望。在阅读过程中，我发现自己不再仅仅是机械地模仿，而是开始思考为什么这样写会更好听，旋律之间的互动是如何产生张力和解决的。这本书的价值在于，它不仅仅是教会你“怎么做”，更重要的是让你理解“为什么这样做”。对于那些渴望将脑海中模糊的音乐想法转化为清晰、有说服力的作品的初学者来说，这本书无疑是一座坚实的桥梁。它让我对音乐的内在逻辑有了更深刻的体会，极大地拓宽了我作为创作者的视野和能力。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调这本书在实际应用层面上的强大效力。许多音乐理论书籍读完后，常常感到学到的知识与实际作曲之间存在巨大的鸿沟，但这本书的每一个章节似乎都直接指向了“如何写得更好听”这个核心问题。它提供了一套非常实用的工具集，让我能够自信地去构建多声部的作品，而不是仅仅依赖于感觉。例如，关于如何处理不同速度的旋律交织部分，书中给出的建议具有极强的可操作性，让我能够避免常见的织体混乱问题。它不仅仅是关于“写作的规则”，更是关于“如何有效沟通”——如何用声部的运动来讲述一个故事。这本书的实践性令人印象深刻，它让我感觉自己手里多了一副精密的刻刀，可以更精准、更富有创意地雕琢我的音乐构思。它真正做到了将理论转化为生产力，极大地提升了我音乐实践的质量和效率。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是学习理论，不如说是一次对音乐思维模式的重塑。我以前总觉得音乐的“美感”很玄乎，难以捉摸，但这本书通过对旋律动机发展和对位织体构建的系统阐述，让我明白了那种“美感”往往建立在清晰的结构和精妙的平衡之上。书中对卡农和赋格曲的分析，简直是神来之笔，它揭示了这些看似复杂的曲式背后，所蕴含的惊人逻辑和统一性。作者没有回避技术上的难点，反而以一种近乎解谜的方式，将那些复杂的模仿与转化技巧层层剥开，让人豁然开朗。读完这些章节，我拿起自己的草稿，立刻就能感觉到哪里需要加强动机的延续性，哪里可以引入更巧妙的模仿关系。这本书不仅是本教材，更像是一面镜子，映照出我创作中的薄弱环节，并提供了切实可行的改进方向。它彻底改变了我对“结构”与“自由”关系的理解。