對位法 自由對位法和聲鏇律二聲部麯式 卡農賦格麯 音樂創作寫作書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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圖書標籤:

• 對位法
• 復調音樂
• 和聲
• 鏇律
• 音樂創作
• 音樂理論
• 作麯
• 賦格
• 卡農
• 二聲部麯式

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 湖南文藝齣版社

ISBN：9787540480622

商品編碼：29867079444

叢書名： 對位法第二冊自由對位法第二版

 

目錄

上篇：自由對位法

概述

自由對位法的風格與特點

第二節和聲與對位織體的關係

第三節鏇律特徵

第二課為聖詠配對位化和聲

巴赫實例

第二節為聖詠配和聲示範

第三課二聲部單對位

巴赫實例

第二節和弦外音

第三節二聲部單對位寫作範例

第四節二聲部單對位實例

第四課二部麯式與小步舞麯

二部麯式

第二節實例分析

第五課二聲部模仿與卡農

簡單模仿

第二節二聲部卡農寫作

第三節二聲部卡農範例

第六課二聲部卡農的變體

倒影卡農

第二節逆行卡農

第三節擴大、縮小卡農

第四節無終卡農

第五節猜謎卡農

第七課阿列曼德舞麯

第八課二重對位

八度二重對位

第二節十二度與十度二重對位

第三節二聲部倒影對位

第九課創意麯與卡農麯

創意麯以及寫作要點

第二節創意麯分析

第三節卡農麯分析

第十課三聲部單對位

三聲部單對位寫作

第二節三聲部單對位實例

第三節巴赫詠嘆調

第十一課三重對位

寫作要點

第二節三重對位寫作範例

第三節三重對位實例

第十二課三聲部卡農

三聲部卡農寫作

第二節二聲部卡農與附加伴奏聲部

第三節固定調與二聲部卡農

第十三課三聲部創意麯

實例分析

第二節寫作要點

第三節問插段寫作示範

第十四課四聲部對位

四聲部單對位

第二節四重對位

第三節四重對位寫作範例

第十五課四聲部卡農

巴赫的猜謎卡農

第二節貝多芬的四聲部卡農

第三節四聲部無終卡農範例

第四節四聲部卡農的變體

第五節二重卡農

第六節輪唱麯

第十六課聖詠變奏麯

第十七課帕薩卡裏亞

第十八課聖詠前奏麯

下篇：賦格麯

第十九課賦格麯呈示部

概述

第二節呈示部

第三節呈示部的其它形態

第四節補充呈示與對呈示部

第五節主題

第六節答題

第七節對題

第八節對題與守調答題和轉調答題的關係

第二十課賦格麯的展開與再現

間插段

第二節緊接段

第三節再現與結尾

第二十一課賦格麯整體布局

第二十二課多主題賦格麯

第二十三課賦格麯寫作

對題寫作

第二節呈示部寫作

第三節間插段寫作

第四節緊接段寫作

第二十四課賦格麯寫作範例

”f小調三聲部賦格麯

bA大調三聲部賦格麯

q小調四聲部三重賦格麯

附錄一其它風格的復調音樂寫作

“民族化”嘗試

第二節音列與調式調性的進一步擴展

附錄二賦格麯主題

附錄三作業寫作示範

 

本書是《對位法（第二冊）·自由對位法》的第二版，再版修改並增加瞭一些課的課後作業，並且在書的*後增添瞭附錄三，這一部分提供瞭本書部分課後作業的寫作示範，通過示範嚮學生展示對位法寫作中的注意事項以及所要達到的標準。本書齣版後得到音樂院校師生們的高度評價，被認為是專業的對位法教材”。除中央音樂學院用於作麯專業教材，上海音樂學院、武漢音樂學院、西安音樂學院等各大音樂院校均選其為教材或教學參考。

《和聲的織錦：巴赫之後西方音樂的色彩與結構》 一部深入探索十九世紀至二十一世紀西方音樂語言演變，以及和聲、配器與麯式革新的權威著作。 本書並非一本基礎的和聲學或對位法教科書，而是將目光投嚮巴赫時代之後，尤其聚焦於浪漫主義晚期、印象主義、二十世紀現代主義以及當代音樂實踐中，作麯傢們如何拓展、顛覆並重塑瞭西方音樂的聽覺體驗和結構邏輯。我們關注的焦點在於“色彩的解放”與“結構的重構”，探究在既有的調性框架瓦解之後，音樂如何找到新的平衡點與錶現力。 --- 第一部分：後浪漫主義的張力與極限（1850-1910） 1. 瓦格納的遺産：調性溶解的序麯 本章將詳細分析理查德·瓦格納的晚期作品，特彆是其“三音和弦”（Tristan chord）所帶來的和聲功能模糊性。我們將剖析《特裏斯坦與伊索爾德》中樂句的無限延伸如何挑戰瞭傳統的樂段結構（如樂句的平衡與終止感），並探討半音化進行如何削弱瞭主調的絕對權威性。這一部分將通過具體的樂譜分析，揭示和聲如何從“結構支撐”轉變為“情緒渲染”的主要工具。 2. 後浪漫主義的宏大敘事與技術擴張 重點考察古斯塔夫·馬勒和理查德·施特勞斯的作品。他們繼承瞭貝多芬和勃拉姆斯的宏大交響麯傳統，但將配器法推嚮瞭前所未有的復雜程度。我們將研究“配器飽和度”如何成為錶達極端情感（如存在焦慮、宇宙冥想）的關鍵手段。具體分析包括： 音區與音色的極端使用： 如何通過超高音或極低音的引入來製造心理上的不適感或崇高感。 復雜對位的異化： 馬勒晚期作品中，看似對位，實則更接近多聲部“音塊”（Blocks of Sound）的交織，而非傳統對位法的邏輯驅動。 3. 德彪西與“垂直化”的和聲思維 本章聚焦於印象主義的革命。我們不討論德彪西的“自由對位”技巧，而是側重於他如何引入基於音色和氛圍構建的和聲。 五聲音階、全音階的結構功能： 這些音階如何被用來“模糊”大小調關係，製造水波般流動的聽覺效果。 和弦的獨立性： 研究德彪西如何將和弦視為獨立的色彩單位（“色彩和弦”），而非傳統功能和聲中的進行步驟。和弦之間的連接更多基於平行移動（Parallelism）而非功能導嚮。 音響的“霧化”： 探討如何通過模糊節奏和取消明確的終止來營造“瞬間”的體驗。 --- 第二部分：二十世紀的結構革命（1900-1960） 4. 調性的終結：荀伯格的十二音體係 本章是理解二十世紀音樂結構的基礎。我們將深入探討： “十二音作麯法”的理論基礎： 如何構建音列（Tone Row）的各種變換（轉位、逆行、逆行轉位）及其對作品整體統一性的維護。 音列在音樂元素中的分配： 探討音列如何決定鏇律、和聲、節奏和配器，而不僅僅是鏇律綫。 非序列化早期作品的張力： 考察《協奏麯》等作品中，如何平衡自由的抒情性與新興的十二音原則之間的矛盾。 5. 新古典主義：迴歸秩序的理性之聲 與十二音體係的激進不同，新古典主義代錶瞭對巴洛剋和古典時期結構的理性迴歸。 斯特拉文斯基的“原始化”與“碎片化”： 分析《春之祭》中對位和節奏的“暴力”應用，以及後期作品中對巴赫、亨德爾手法的藉鑒。我們特彆關注他如何使用“音塊”進行交替與並置，而非綫性的發展。 新古典主義中的和聲： 考察如何使用古典時期的和弦進行（如清晰的主屬關係），但通過打破常規的節奏或引入不協和音程來使其“陌生化”（Estangement）。 6. 序列主義的深化與拓展（第二維也納樂派的繼承者） 本章關注韋伯恩（Webern）對聲音要素的極緻序列化。 “點描式”音樂（Pointillism）： 分析韋伯恩如何將節奏、力度、音色也納入序列控製，導緻音樂呈現齣極度稀疏、片段化的特徵。 時空概念的壓縮： 研究短小精悍的樂思如何通過嚴密的序列結構維持內在的邏輯聯係，探討其對後世極簡主義的間接影響。 --- 第三部分：戰後實驗與當代探索（1960至今） 7. 偶發性與不確定性：凱奇的哲學轉嚮 我們將聚焦於約翰·凱奇如何通過“概率”和“偶然性”徹底瓦解瞭作麯傢對作品的絕對控製權。 《改變的記譜法》與演奏者的自由： 分析如《4分33秒》這類作品的結構——即“環境聲”的被納入，以及對“音樂”定義的顛覆。 非意圖性創作： 考察利用易經、隨機數等工具輔助創作的機製，以及如何評估這種創作方式的藝術價值。 8. 極簡主義的呼吸與重復 本書將詳細區分“極簡主義”（Minimalism）與“重復音樂”（Repetitive Music）的區彆。 結構過程的透明化： 史蒂夫·萊奇（Steve Reich）與菲利普·格拉斯（Philip Glass）的作品分析。重點討論“相位”（Phasing）技術如何製造聽覺上的錯覺與節奏的動態變化。 和聲的靜態化： 在極簡主義中，和聲往往不再“解決”或“發展”，而是通過微小的、漸進的增減或疊加來形成聽覺上的“漂移”。 9. 擴展音色與電子媒介的融閤 探討二十世紀中後期以來，作麯傢如何利用電子技術和非傳統樂器來擴展音樂的聲學邊界。 具體音樂（Musique Concrète）與聲音對象化： 考察錄製聲音素材的編輯、扭麯如何成為一種新的“配器”或“鏇律”來源。 微音音樂（Microtonality）的復興： 考察作麯傢如何使用非十二平均律的音高係統，以及這些音高在當代和聲語匯中的錶現力。 結語：後現代的匯流與未來的和聲景觀 總結十九世紀以來的技術發展如何導緻瞭當代音樂的“多中心化”：調性迴歸、序列主義的嚴謹、極簡主義的沉思，以及電子技術的介入，共同構成瞭今天作麯傢可供選擇的龐大工具箱。本書旨在提供一個清晰的脈絡，理解這些“自由”背後的結構邏輯與美學動機。 --- 本書特色： 高度依賴具體樂譜分析： 章節內容緊密結閤重要的曆史性樂譜片段進行講解，拒絕空泛的理論闡述。 跨越流派的連接性： 揭示印象主義的和聲色彩如何影響序列主義的音色選擇，以及極簡主義的重復如何反哺瞭對古典麯式的反思。 側重“如何做”而非“應該做什麼”： 旨在提供一個關於二十世紀和聲與結構演變的詳盡“技術地圖”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格非常獨特，它不像某些嚴肅的學術著作那樣充斥著晦澀的術語和冗長的腳注，反而帶著一種恰到好處的學術嚴謹性與文學性的結閤。閱讀起來非常流暢，仿佛作者在和你進行一場深入的、關於音樂本質的對話。尤其是在講解如何平衡自由度與規則限製時，作者引用的那些經典片段分析得入木三分，那些細微的音高選擇和節奏處理，是如何共同服務於整體的情感錶達，被描繪得淋灕盡緻。它成功地消弭瞭“技術訓練”與“藝術錶達”之間的壁壘，讓我認識到最精湛的技術恰恰是為最自由的錶達服務的。這本書的價值在於，它培養的是一種音樂的“直覺”，一種基於紮實功底的、對聲音組閤的深刻洞察力。對於希望在既有規範內探索更大可能性的人來說，這本書提供瞭極其寶貴的視角和方法論。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程，與其說是學習理論，不如說是一次對音樂思維模式的重塑。我以前總覺得音樂的“美感”很玄乎，難以捉摸，但這本書通過對鏇律動機發展和對位織體構建的係統闡述，讓我明白瞭那種“美感”往往建立在清晰的結構和精妙的平衡之上。書中對卡農和賦格麯的分析，簡直是神來之筆，它揭示瞭這些看似復雜的麯式背後，所蘊含的驚人邏輯和統一性。作者沒有迴避技術上的難點，反而以一種近乎解謎的方式，將那些復雜的模仿與轉化技巧層層剝開，讓人豁然開朗。讀完這些章節，我拿起自己的草稿，立刻就能感覺到哪裏需要加強動機的延續性，哪裏可以引入更巧妙的模仿關係。這本書不僅是本教材，更像是一麵鏡子，映照齣我創作中的薄弱環節，並提供瞭切實可行的改進方嚮。它徹底改變瞭我對“結構”與“自由”關係的理解。

評分☆☆☆☆☆

我必須強調這本書在實際應用層麵上的強大效力。許多音樂理論書籍讀完後，常常感到學到的知識與實際作麯之間存在巨大的鴻溝，但這本書的每一個章節似乎都直接指嚮瞭“如何寫得更好聽”這個核心問題。它提供瞭一套非常實用的工具集，讓我能夠自信地去構建多聲部的作品，而不是僅僅依賴於感覺。例如，關於如何處理不同速度的鏇律交織部分，書中給齣的建議具有極強的可操作性，讓我能夠避免常見的織體混亂問題。它不僅僅是關於“寫作的規則”，更是關於“如何有效溝通”——如何用聲部的運動來講述一個故事。這本書的實踐性令人印象深刻，它讓我感覺自己手裏多瞭一副精密的刻刀，可以更精準、更富有創意地雕琢我的音樂構思。它真正做到瞭將理論轉化為生産力，極大地提升瞭我音樂實踐的質量和效率。

評分☆☆☆☆☆

這本書的編排結構設計得非常巧妙，從最基礎的和聲概念入手，層層遞進，穩紮穩打地過渡到更復雜的復調技巧。我發現自己對於“聲部進行”的理解得到瞭質的飛躍，過去總是為連接兩個和弦而感到生硬和不自然，但讀完關於聲部間如何保持獨立性與統一性的章節後，那些原本令人頭疼的進行突然變得清晰起來。作者對於不同曆史時期作麯傢處理對位關係的手法進行瞭細緻的剖析，這使得理論不再是冰冷的教條，而是鮮活的、有生命力的創作工具。我特彆喜歡其中關於鏇律綫條獨立性的探討，它教會瞭我如何讓不同的聲部在保持各自特性的同時，又能完美地交織在一起，形成一個緊密而富有張力的整體。這本書的深度和廣度都令人稱贊，它不僅為音樂理論學習者提供瞭堅實的學術基礎，也為那些尋求提高作品織體復雜性和錶現力的作麯傢們，提供瞭實實在在的工具箱。

評分☆☆☆☆☆

這本書對我而言，真是一部深入淺齣的指南，它沒有那種高高在上的理論說教，而是像一位耐心的老師，一步步引領我走入音樂創作的殿堂。我尤其欣賞作者那種平實的敘述方式，它讓我能夠輕鬆地理解那些看似復雜的音樂結構和原理。比如，在講解如何構建一個有邏輯的音樂句子時，作者並沒有僅僅羅列規則，而是結閤瞭大量的實際範例，讓我得以直觀地感受到鏇律綫條是如何呼吸、如何發展的。這種實踐導嚮的教學方法，極大地激發瞭我自己動手的欲望。在閱讀過程中，我發現自己不再僅僅是機械地模仿，而是開始思考為什麼這樣寫會更好聽，鏇律之間的互動是如何産生張力和解決的。這本書的價值在於，它不僅僅是教會你“怎麼做”，更重要的是讓你理解“為什麼這樣做”。對於那些渴望將腦海中模糊的音樂想法轉化為清晰、有說服力的作品的初學者來說，這本書無疑是一座堅實的橋梁。它讓我對音樂的內在邏輯有瞭更深刻的體會，極大地拓寬瞭我作為創作者的視野和能力。