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出版社： 现代出版社

ISBN：9787514316698

商品编码：29867086195

丛书名： 弦外之音(我的乐坛絮语)

开本：16开

出版时间：2014-10-01

基本信息

书名:弦外之音-我的乐坛絮语

：39.8元

作者:蒋雄达 著

出版社：现代

出版日期：2014-10-1

ISBN：9787514316698

字数：

页码：220

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：

编辑推荐

 

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蒋先生作为一个音乐教育家的盛名近年来甚至盖过了他作为小提琴演奏家和军旅作曲家的名声。他的听众中有外国元首、世界名人、琴童学生、社会群众，听者无不由衷赞赏。
——莫言
让我破费思量的是怎样给这位前辈大师做一个定位：小提琴演奏家？作曲家？教育家？音乐理论家？指挥家？社会活动家？一个人同时具备了这些素质，取得了多方面的成就，形成了一种完整的文化体系，为我们提供了一种具有深刻意义的人生启示。
——王嘉实（文艺评论家）

 

 

目录

 

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前言
章 |乐坛综述
一、浅谈我国交响乐事业的发展——中国人民大学艺术选修课专题讲座
1.薄弱的基础 2.繁荣的 3.可望的未来
二、小提琴演奏艺术发展三百年——国家大剧院艺术资料中心系专题讲座
1.乐器本身的变革 2.演奏曲目的丰富与时代风格的变化 3.演奏技法的拓宽与炫技乐曲的表现 4.音乐内涵的升华与演奏艺术的完善
三、青少年乐队的组建与培训——中国少儿小提琴独奏展演暨少儿小提琴教学研讨会专题讲座
1.树立正确的组团理念2.讲究科学的排练方法 3.培养良好的作风纪律 4.组织丰富的演出活动
四、考级、比赛与展演——第二届河南省青少年小提琴比赛专题讲座
1.考级的由来与发展 2.背离考级宗旨的错误理念与现象 3.完善考级、人心所向
第二章| 教学浅谈
一、小提琴学习的入门起步与基础训练——各地小提琴教学辅导专题讲座
1.学琴条件 2.学琴理念 3.姿势规范 4.基础训练
二、严格规范基础训练与努力提高音乐表现力——第二届小提琴（业余）选手展演专题讲座
1.严格规范基础训练 2.努力提高音乐表现力
第三章| 大师经典
著有辉煌旋律的部分小提琴演奏大师
1.琴坛先祖——A.维瓦尔迪（A. Vivaldi）
2.琴坛鬼灵——N.帕格尼尼（N. Paganini）
3.琴坛名教——Ch-A. de贝里奥（Ch-A. de Beriot）
4.琴坛超人——H. W.恩斯特（H. W. Ernst）
5.琴坛奇才——H.维厄当（H. Vieuxtemps）
6.琴坛传奇——H.维尼亚夫斯基（H. Wieniawski）
7.琴坛魔师——P.萨拉萨蒂（P. Sarasate）
8.琴坛泰斗——E.伊萨依（E. Ysaye）
9.琴坛巨匠——F.克莱斯勒（F. Kreisler）
10.琴坛之王——J.海菲茨（J. Heifetz）
第四章| 名家琴苑
迈向21世纪的部分小提琴演奏名家
1.伟大的音乐艺术家——伊萨克·帕尔曼 137大师点金——听伊萨克·帕尔曼于中央音乐学院授课
2.春天的奏鸣——难忘平恰斯·朱克曼奏鸣曲音乐会
3.琴坛女神——技压群芳的女小提琴家郑京和
4.琴坛天使——美誉的女小提琴家安妮·索菲亚·穆特
5.帕格尼尼小提琴比赛的位摘冠者——萨瓦尔多·阿卡尔多
6.琴大赛夺冠高手——维多利亚·穆洛瓦
7.冷峻的个性演奏家——吉顿·克雷默
8.多艺的小提琴家——什洛莫·敏茨
9.开拓和创新意识的演奏家——吉尔·沙汉姆
10.融的演奏家——瓦吉姆·列宾
11.小提琴演奏大师——马克西姆·文格洛夫
12.界的华裔小提琴家——林昭亮
13.的琴坛女中强手——诹访内晶子
14.赛获奖之外的琴坛天后——美岛莉
15.女——莉拉·约瑟夫维茨
16.到大师的青春小提琴家——莎拉·张
17.的琴坛才女——希拉里·哈恩
第五章| 悟心絮语
一、学会成立——重在活动、旨在内容（中国音协小提琴学会成立大会暨届理事会上的发言）
1.学会的功能作用 2.学会的组织落实 3.学会的会员发展
二、室内乐培训——普及音乐教育的好形式大河琴韵（苏达师生音乐会后专家座谈会上的发言）
第六章| 乐评随感
一、十月金秋的美好夜晚——喜听欧洲共同体室内乐团访华演出
二、醉人的旋律——观赏维也纳约翰·施特劳斯节日乐团浅想
三、亚洲乐坛的一支劲旅——香港管弦乐团音乐会演出印象
四、技艺惊座、掌声爆棚的神童音乐会——南斯拉夫少年小提琴家演奏实况
五、在缕缕琴声的背后——北京小提琴考级现场花絮
六、票价看涨并非好
七、音乐评论家与其职责——从评论家詹姆斯·韦尔兹比克谈起
八、新年与新意《小演奏家》杂志2013年1月号首语
九、2014年第四届香港小提琴大赛暨首届香港室内乐大赛印象
后语

 

内容提要

 

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小提琴演奏家、教育家蒋雄达先生将数十年音乐教学、考级辅导、青少年乐队组建的心得体会和评论文章等集结出版。细致为琴童讲述学琴条件、学琴理念、姿势规范、基础训练，以及如何提高音乐表现力。将自己参与考级工作20余年的感受与家长和琴童分享，包括考级的由来、考级的宗旨、考级中需要注意的事项等，例举实例，告诉孩子应该怎样对待考级，如果只求通过、不求质量的后果将会怎样；如果盲目地投入时间和精力又会怎样。并以自己的生经历，分享多年来青少年乐队组建与培训的心得，不无细致地讲述如何树立正确的组团理念，如何在没有政府投资、财团赞助的情况下带领青少年乐团收获高票房，如何讲究正确的排练方法，如何培养良好的作风纪律，如何组织丰富的演出活动等。此外，蒋雄达先生在书中还点评了一些著有辉煌旋律的小提琴演奏大师和迈向21世纪的部分小提琴演奏名家以及他的一些乐评随感。书中以大量实例、身经历等，为读者全方位地展现当前乐坛内外的真实情况。

 

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远方的旋律：一部关于音乐史诗的深度探索 书名：远方的旋律：一部关于音乐史诗的深度探索 作者：[此处留空，或者用一个富有文学色彩的笔名] 出版信息：[此处留空] --- 图书简介 本书并非聚焦于某一种特定乐器的精细技法或某一位演奏家的生平轶事，而是一部宏大叙事，致力于勾勒西方古典音乐自巴洛克时期至浪漫主义晚期之间，那波澜壮阔的演变历程及其背后的文化、哲学思潮。我们试图穿透乐谱的表面，探究音乐如何成为时代精神的载体，以及它如何与社会结构、宗教信仰和美学思潮相互塑造。 第一部分：秩序与神性——巴洛克的回响（约1600-1750年） 在本书的开篇，我们将沉浸于巴洛克时期的恢弘与精致之中。这不是一部简单的技术手册，而是对“情感的修辞学”的深度剖析。我们将探讨巴赫（J.S. Bach）如何将严密的对位法提升至前所未有的哲学高度，其作品中蕴含的对上帝的敬畏与对宇宙秩序的理解。我们不会详细描述《赋格的艺术》的指法练习，而是着重分析赋格结构如何映射出十七世纪神学对绝对真理的追求。 我们将分析维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的《四季》在当时“音乐模仿自然”思潮中的地位，以及协奏曲这一体裁如何从歌剧的附庸中独立出来，成为展现音乐家个体“意志”的初步平台。重点在于理解大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲的结构差异，如何体现了集体与个体之间微妙的权力关系。 更重要的是，本章将深入探讨歌剧在意大利兴起之初，如何与贵族赞助体系紧密结合。我们会分析蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）如何通过对“戏剧性”的极致追求，将音乐从纯粹的赞美转变为对人类强烈情感（如嫉妒、狂喜、绝望）的公开宣泄，并探讨这种早期戏剧性对后世音乐戏剧的影响。 第二部分：启蒙的理性与情感的平衡——古典主义的诞生（约1730-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐的中心开始从教堂和宫廷的深处，逐渐转向新兴的市民阶层。古典主义时期，我们看到的是对“清晰性”、“平衡感”和“普适美”的追求。 本部分将聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的结构演变。我们不会详细讲解呈示部、展开部和再现部的每一个和声进行，而是将其视为一种理性的辩论过程：主题A代表清晰的论点，主题B代表柔和的对立或补充，而展开部则是理性思维在迷雾中寻找出路的过程。海顿（Joseph Haydn）的作品被视为这种结构哲学的典范。 莫扎特（W.A. Mozart）的部分，我们将探讨他如何以惊人的天赋，将古典主义的平衡感与巴洛克遗留的复杂织体巧妙地融合。我们着重分析他的歌剧（如《费加罗的婚礼》），如何利用音乐的细微变化，揭示人物性格的复杂性和社会阶层的讽刺，而非仅仅停留在咏叹调的优美上。 第三部分：个体意志的觉醒——英雄主义与浪漫的洪流（约1800-1910年） 本书最具张力的部分，将围绕贝多芬（Ludwig van Beethoven）展开。我们不会关注他耳聋后的生活细节，而是将其视为一个文化转折点的象征：音乐家如何从“工匠”转变为“先知”和“英雄”。贝多芬的后期作品，特别是他的九部交响曲，被视为个人意志对命运不公的反抗宣言。我们将分析他的“动机发展”手法如何超越传统的主题陈述，成为一种持续的、充满斗争性的叙事结构。 进入浪漫主义时期，我们将探讨李斯特（Franz Liszt）如何通过“交响诗”（Symphonic Poem）这一形式，彻底打破了器乐必须服从既定结构的束缚，使音乐成为直接描绘文学、绘画或哲学观念的载体。本书将分析“标题音乐”的兴起，如何标志着音乐自主性的一个重大让步，以换取更广阔的表现空间。 浪漫主义的民族主义思潮也将被详细讨论。我们不会列举德彪西或肖邦的练习曲指法，而是分析斯美塔那（Bedřich Smetana）的《我的祖国》如何利用民间旋律和节奏动机，建构一种民族身份认同感，并探讨这种文化“挪用”在当时政治背景下的复杂意义。 第四部分：技艺的极限与边界的拓展（延伸思考） 在尾声部分，我们将简要回顾德彪西（Claude Debussy）和瓦格纳（Richard Wagner）对传统和声体系的冲击。瓦格纳的“主导动机”（Leitmotif）系统如何从歌剧的辅助工具，演变为一种结构性的哲学语言，预示着二十世纪音乐对结构化的反思。德彪西则代表了对“精确性”的厌倦，转而追求声音的“印象”与“色彩”，这为印象派音乐的美学奠定了基础。 本书的价值不在于提供演奏的捷径，而在于提供一把理解西方音乐史“精神密码”的钥匙。它适合任何对文化史、美学哲学或艺术哲学感兴趣的读者，旨在帮助他们聆听那些跨越数百年依然鲜活的——远方的旋律。通过对结构、哲学和时代背景的深入剖析，读者将能以更深刻的视角重新审视我们共同的音乐遗产。

评分☆☆☆☆☆

这是一本关于音乐美学和哲学思辨的力作（假设我读的是一本探讨音乐与时间、空间关系的理论书籍）。它的语言风格极其晦涩，初读时，我甚至需要反复查阅很多哲学词汇才能勉强跟上作者的思路。它探讨的核心问题是：纯器乐的“叙事性”究竟是如何建构起来的？作者大胆地挑战了传统音乐分析中将音乐视为“结构堆砌”的观点，转而从“现象学”的角度去剖析听者与声音事件之间的即时关联。书中有一段关于“延音与消逝”的论述，极其精妙地阐述了小提琴上持续音（Sustain Tone）的本质，那不是一个物理学上的“声音不中断”，而是一种心理上对“过去瞬间”的持续性追忆。我花了整整一个下午，在图书馆里，对着一堆晦涩的符号和图表，试图理解作者构建的那个“非线性时间音乐场域”。虽然理解过程很痛苦，但一旦领悟到其中一小部分，对音乐的感知维度立刻被拓宽了。这本书更像是一把钥匙，它打开的不是技巧之门，而是理解音乐存在本质的门。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种所谓的“乐坛轶事集”是抱持着一种怀疑态度的，总觉得名人传记大多是镀金的，充满了粉饰太平和刻意拔高。但这本书（假设是一本关于音乐史和作曲家关系的著作）的叙事角度非常新颖，它没有过多纠缠于那些人尽皆知的辉煌时刻，而是聚焦于那些微妙的、决定性的“灰色地带”。比如，书中详细描述了二十世纪初，几位重量级指挥家之间因为对某个乐谱版本理解的差异，而引发的幕后角力，那种为了捍卫艺术理念而进行的无声较量，写得跌宕起伏，如同侦探小说一般引人入胜。更让我惊叹的是，作者似乎拥有独家的档案资料，很多关于某位大师晚年创作瓶颈的分析，都指向了极其私人的生活事件，而非仅仅是技术层面的衰退。这种将创作的“技术面”与人生的“人性面”紧密结合的写法，让那些高高在上的音乐巨匠瞬间变得立体、鲜活，甚至带着我们都能理解的脆弱。读完之后，我再去听那些作品，脑海里不再是冰冷的音符，而是那些复杂的人性纠葛在音符中挣扎、释放的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书，我只能说，它真是让我这个常年徘徊在“准专业”边缘的业余爱好者，有了一种醍醐灌顶的感觉。我一直觉得我的演奏技巧上总有那么一块“木板”，无论怎么练习，都难以突破，尤其是在处理巴赫无伴奏奏鸣曲那种需要极高逻辑性和情感深度的作品时，总觉得少了那么点“味道”。然而，这本书（假设我读的是另一本关于声乐技巧的书籍）对于气息的掌控和共鸣腔体的运用，提供了一套极其细致入微的分析框架。它不仅仅停留在“深吸气、打开喉咙”这种空泛的指导上，而是深入到横膈膜与肋骨之间的微小张力变化，以及如何利用面罩共鸣来改变音色的颗粒感。我记得其中有一章专门探讨了“花腔女高音的色彩变化”，书中通过对比不同历史时期对同一部歌剧选段的处理方式，清晰地展示了发声位置如何影响听众对角色情感的理解。这对我来说，简直是打开了一扇新的大门，让我开始重新审视自己过去过于依赖肌肉蛮力的演奏方式。现在，每当我拿起琴弓，我都会下意识地去感受那种内在的“流动性”，而不是仅仅追求音准和速度的完美。这种理论与实践结合的深度，远超我以往接触过的任何一本技术指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书（假设是一本关于不同文化背景下音乐教育理念的比较研究）给我带来了极大的震撼，因为它彻底颠覆了我根深蒂固的西方古典音乐教育范式。作者将德奥体系的严谨与俄罗斯学派的激情，与东欧或亚洲地区注重“乐感培养”和“即兴思维”的教学方法进行了对比。尤其令人深思的是，书中描述了日本一位音乐教育家如何将禅宗的“空”与“留白”的概念融入到小提琴教学中，鼓励学生在演奏时故意制造短暂的、有目的的“停顿”，以此来凸显音乐中的张力与呼吸。这种跨文化的视角，让我开始反思我们传统教育中过于强调“完美执行”的弊端。它没有提供具体的演奏技巧，但它提供了一种思考的框架：什么是真正的音乐学习？是为了成为一个完美的复刻者，还是一个能用音乐进行有效交流的“思想者”？这本书更像是一面镜子，照出了我们自身教育体系中的盲点，促使我思考，如何将这些更具包容性的理念融入到自己的练习和教学计划中去。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我原本是抱着“淘旧货”的心态买下这本（假设是一本关于早期乐器制作与修复的专业手册）的，期待能从中找到几条关于如何给我的老琴做简单保养的秘诀。结果，它完全超出了我的预期，简直就是一部微观世界的史诗。它详细记录了十七世纪克雷莫纳制琴师们对手工工具的偏执要求，以及对不同地区木材的精确筛选标准，那种对“声音潜能”的敬畏，让人感到震撼。书中配有大量极其精细的工程图纸和显微照片，展示了面板厚度在不同频率范围内的微小变化是如何影响音色的“穿透力”。最让我着迷的是关于“漆料”的部分，作者用近乎科学论文的严谨态度，分析了不同配方漆料的化学成分如何影响琴弦的震动幅度与泛音结构。这不再是艺术家的“秘方”，而是严谨的材料科学。通过阅读，我才明白，我那把琴的音色缺陷，可能根源于百年前某一次微小的弧度调整，这让我对“匠人精神”有了全新的、更具技术含量的理解。