正版 复调音乐简明教程 音乐书 音乐教程 教材 初入学者 上海音乐学院出版社 林华 著 教材教辅 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806922422

商品编码：29867221069

丛书名： 复调音乐简明教程

出版时间：2006-11-01

目录

前言
凡例
绪编 基础训练
绪论
第I章 和声背景
第二章 流速对比
第三章 华彩装饰
第四章 节拍对抗
第五章 混合节奏
第I编 二声部声乐化复调
第六章 单对位
第七章 复对位
第八章 模仿(一)：声乐化旋律的模仿
第九章 写作实习(一)：二声部合唱习作
第二编 二声部器乐化复调
第十章 旋律写作
第十一章 自由复调的单对位
第十二章 自由复调的复对位
第十三章 模仿(二)：和声限制下的模仿
第十四章 写作实习(二)：二声部器乐小曲
第三编 巴洛克和古典、浪漫风范的多声部复调写作
第十五章 三声部和四声部单对位
第十六章 三声部和四声部复对位
第十七章 模仿(三)：自由风格的三声部和四声部模仿
第十八章 写作实习(三)：自由风格的三声部和四声部器乐重奏小曲
第四编 赋格
第十九章 主题
第二十章 答题和对题
第二十一章 呈示部写作
第二十二章 中间部结构
第二十三章 再现和尾声
第二十四章 全曲布局
第二十五章 多重赋格
第二十六章 赋格的运用
后记

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音乐的织体与和声的奥秘：一部深入探究西方音乐结构的书籍简介 书名（示例）：《西方音乐的结构与演变：从单音到复调的艺术之旅》 作者（示例）：艾伦·科尔文 出版社（示例）：大都会艺术与学术出版社 --- 内容提要： 本书旨在为读者提供一个宏大而精密的视角，审视西方音乐自诞生以来，其内在结构、和声语言以及织体（Texture）发展所经历的深刻变革。我们不再局限于某一特定时期或某一特定技术层面的剖析，而是着眼于音乐语言的“骨骼”是如何被搭建、被打破，并被重新塑造的完整历史脉络。本书的核心在于探讨音乐家们如何从最初对旋律线条的纯粹追求，逐步发展出处理多个独立声部同时进行所需要的复杂逻辑与美学规范。 全书结构严谨，分为四个主要部分，层层递进，引导读者从最基础的音高关系认知，过渡到对复杂多声部作品的深刻理解。 第一部分：前复调时代的基石——旋律的独立与调性的萌芽 本部分聚焦于西方音乐史上复调音乐产生之前的关键阶段。我们首先考察古希腊音乐理论遗留下来的对音律和调式的初步认识，这构成了所有后续和声与织体发展的基础。 古代音律的精确性探究： 深入分析毕达哥拉斯音律体系及其对西方音乐理论的奠基作用。探讨中世纪早期“定旋律”（Cantus Firmus）的地位，理解其作为复调音乐起点的轴心作用。 早期的声部组织尝试： 详细剖析圣咏的结构特征，并着重研究奥尔加农（Organum）的早期形式——平行奥尔加农（Parallel Organum）和自由奥尔加农（Free Organum）。我们不仅描述其声部进行方式，更分析其背后的审美取向：对并置线条的朴素热爱，而非现代意义上的和声协调。 节奏的独立与组织： 在声部增加的同时，节奏的规范化势在必行。本章将详细梳理中世纪的“等时记谱法”（Mensural Notation）的诞生，解释如何通过精确的节拍划分，使两个或更多独立旋律得以同步。 第二部分：复调的诞生与成熟——中世纪与文艺复兴的织体革命 本部分是本书的核心，着重描绘复调音乐从一种实验性的技术，发展成为西方音乐主流表达方式的全过程。 经文歌（Motet）的兴起与发展： 通过对多声部经文歌的分析，展示对位法（Counterpoint）技巧的初步成熟。特别关注三声部和四声部织体中，上声部与定旋律之间的互动关系，以及如何开始引入严格的声部模仿。 文艺复兴的和谐之声： 深入探讨奥克根姆（Ockeghem）和帕莱斯特里纳（Palestrina）学派的对位艺术。重点分析“模仿对位法”（Imitative Counterpoint）如何成为主要的织体手段，以及声部线条如何在保持独立性的同时，达到空前的内在平衡与清晰度。 “声部音乐”的审美范式： 分析文艺复兴时期对“均匀感”的追求。探讨如何通过对不和谐音（Dissonance）的严格控制和解决（Resolution），构建出一种宁静、内敛而又充满内在张力的音乐美学。本章会详细对比不同地域（如法兰德斯学派与罗马学派）在处理织体密度和情感表达上的细微差异。 第三部分：巴洛克时期的结构性张力——织体与和声的融合 巴洛克时期标志着音乐结构的一次重大飞跃：织体开始为功能和声让步，复杂的对位技巧被纳入一个更宏大的和声框架内。 “大低音”的革命： 深入阐释通奏低音（Basso Continuo）的概念及其对音乐思维的根本性转变。低音线不再仅仅是最低声部，而是成为和声进行的核心驱动力。 赋格曲（Fugue）的逻辑体系： 本章将赋格曲视为复调思维的巅峰展现。详细解析呈露部（Exposition）、间插部（Episode）的结构构建，以及主导动机（Subject）如何在不同声部、不同调性间进行逻辑严密的“旅行”。这不仅仅是技巧的展示，更是理性构建音乐世界的典范。 旋律织体向主调的过渡： 分析协奏曲和奏鸣曲早期形态中，主旋律（Melody）与伴奏（Accompaniment）织体的分离趋势。探讨这种趋势如何预示着下一阶段的单线条音乐语言。 第四部分：古典与浪漫时代的织体重塑——清晰度、情感与回归 古典主义时期对巴洛克时期的复杂织体进行了“净化”和“简化”，追求清晰、平衡的结构，而浪漫主义则在回归中探索更具戏剧性的张力。 古典主义的透明度追求： 分析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构如何影响织体的组织。讲解“旋律-伴奏织体”如何确立主导地位，以及对位法在这一时期如何被降格为特定的效果（如乐章的“发展部”或“结尾部”的增添色彩）。 浪漫主义的织体扩展： 考察瓦格纳和后浪漫主义作曲家如何重新激活复调元素，但其目的不再是结构上的严谨性，而是为了营造宏大的情感氛围或表现内心冲突。分析厚重和弦的运用如何改变了传统声部进行的美学标准。 二十世纪与多元化探索： 简要回顾二十世纪音乐对既有复调规则的反思与解构。探讨十二音体系、随机音乐等如何挑战并重新定义了“织体”这个概念本身。 本书特色： 本书不依赖于任何特定的教学练习集，而是从历史发展的宏观角度，结合大量经典范例的精妙分析，帮助读者建立起一套完整的音乐结构分析工具箱。它旨在培养读者理解音乐的“深度”，即理解旋律线条背后的动力学、织体层面的张力与释放，以及和声选择对整体结构所起到的支撑作用。这是一部面向所有对音乐结构有深度探究兴趣的音乐爱好者、理论学习者和演奏家的必备参考书。通过本书，读者将能够不再仅仅“听见”音乐，而是“看见”音乐是如何被精心编织而成的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量也值得称赞，毕竟是上海音乐学院出版社出品，水准自然不必多说。纸张厚实，谱例清晰，在阅读和抄写过程中，完全没有出现墨水晕染或者谱号模糊不清的问题。对于我们这种需要经常对照书本、圈点批注的学习者来说，这一点至关重要。更让我感到惊喜的是，它并没有局限于传统欧洲古典音乐的范畴。虽然核心内容是传统的复调技巧，但林华老师在章节的引言和结语中，巧妙地穿插了一些现代音乐甚至是非西方音乐中复调思想的影子，这极大地拓宽了读者的视野，让人意识到复调思维并非是死的教条，而是一种可以灵活运用的音乐结构哲学。这种宏观视野的构建，让这本书的价值远远超出了一个简单的“教程”范畴。

评分☆☆☆☆☆

我是一位业余作曲爱好者，平时主要依靠网络资源自学，最大的痛点就是缺乏一个系统化的知识体系来检验自己的学习成果。这本书就像一根定海神针，为我构建了一个坚实的理论框架。最让我感到受用的部分是它对赋格曲的分析，它将一个复杂的结构，层层剥开，从呈示部、展开部到再现部，每一个进入和转调点都标示得清清楚楚，并且结合了各个声部的独立发展，逻辑缜密到令人叹服。读完这本书，我不再满足于写一些简单的旋律配和声，而是开始尝试构建更具层次感的音乐织体。它教会我的不是套路，而是一种思考方式——如何让多条独立的音乐线条在相互制约中达到和谐统一。这对于任何想在音乐创作领域走得更远的学习者来说，都是一笔极其宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本《正版 复调音乐简明教程》简直是为我们这些音乐小白量身定做的，我之前对复调这种听起来高深莫测的东西完全摸不着头脑，总觉得那得是音乐系科班出身才能搞懂的领域。然而，这本书的编排逻辑异常清晰，从最基础的和声概念入手，循序渐进地过渡到复杂的对位法。作者林华老师的讲解方式非常接地气，即便是像我这种零基础的读者，也能毫不费力地跟上节奏。特别是书中对一些经典复调作品的片段分析，不仅仅是告诉你“应该怎么写”，更重要的是解释了“为什么这样写听起来会更美妙”。它没有那种高高在上的学术腔调，反而像一位耐心的一流导师，手把手地带着你领略复调的魅力。我特别欣赏它对历史脉络的梳理，让你明白巴赫是如何站在前人的肩膀上，将复调艺术推向巅峰的，这让学习过程不再枯燥，而是一场穿越时空的音乐之旅。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经接触过基础乐理，但对进入复调世界感到畏惧的乐手来说，这本书的实用性超乎我的想象。很多教程要么过于理论化，堆砌着复杂的数学公式和晦涩的术语，让人望而却步；要么就是过于简化，蜻蜓点水，根本无法形成系统的知识体系。这本书完美地找到了中间的平衡点。它对“模仿”、“卡农”和“赋格”的讲解，简直是教科书级别的清晰。我尤其喜欢它在讲解织体变化时，会配上大量的实例和习题。我不是科班出身，平时练习机会少，但光是跟着书上的范例自己动手写写看，对耳朵的训练都有了质的飞跃。我现在再听一些室内乐作品，耳朵里仿佛多了一双“透视眼”，能清楚地分辨出哪条声部在领唱，哪条声部在伴奏，这种听觉上的进步，比我之前自己瞎摸索一年都有收获。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前买过好几本市面上流行的“快速入门”音乐书籍，结果发现它们要么只注重快速记忆结论，要么就是为了迎合大众而牺牲了深度。这本书则完全是另一种风格——严谨但绝不晦涩。它对待知识的尊重和对学习者的负责态度，从每一个细节都能体现出来。特别是关于解决“平行五度”、“平行八度”这些老生常谈的禁忌问题的论述，它不仅告诉你“不能这样做”，更深入地挖掘了背后的声学原理和历史审美变迁，让你明白这些规则是如何从一种“必须遵守”的戒律，演变成一种“可以打破”的艺术选择。这种深层理解，才是真正提升音乐素养的关键。对于打算考研或者希望深入研究对位法的读者，这本书完全可以作为第一本扎实的参考书。