律动乐器 钢琴名作演奏探索 3 作品（附CD） 南希·巴克斯 钢琴曲 奏法上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 上海音乐出版社
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310016

商品编码：29867324429

丛书名： 钢琴名作演奏探索3

 

目录

键盘乐器  文艺复兴时期、巴洛克时期和古典主义时期  维吉那琴  早期钢琴踏板  浪漫主义时期和近现代时期  19世纪早期的钢琴踏板  持续音踏板  塔兰泰拉舞曲  C大调塔兰泰拉舞曲(浪漫)(弗雷德里克·斯科特森·克拉克)  浪漫的旋律  C大调旋律(浪漫)(菲利克斯·雷．库贝)  伊丽莎白时期的英格兰  古英国曲调(文艺复兴)(匿名)  乡村舞曲  乡村舞曲(古典)(约翰·克里斯蒂安·巴赫)  卡洛斯·德·塞夏斯  C小调小步舞曲(巴洛克)(卡洛斯·德．塞夏斯)  咏叹调  咏叹调(古典)(约翰．戈特洛布·蒂尔克)  弗拉基米尔·雷比科夫  中国娃娃(近现代)(弗拉基米尔·雷比科夫)  科尼利厄斯．古利特  夜间旅行，Op．82，No．65(浪漫)(科尼利厄斯·古利特)  杰．路易斯．斯特利伯格  遥远的钟声，Op．63，No．6(浪漫)(杰·路易斯·斯特利伯格)  18世纪的舞曲  四对方舞曲(古典)(弗朗茨·约瑟夫·海顿)  贝拉·巴托克  猪倌舞曲(近现代)(贝拉·巴托克)  小步舞曲  C大调小步舞曲(古典)(乔治·亚DANG*当．克里斯)  阿尔坎杰罗．科雷利  萨拉班德舞曲(巴洛克)(阿尔坎杰罗·科雷利)  约翰·塞巴斯蒂安·巴赫  G小调小步舞曲，BWV 822(巴洛克)(约翰·塞巴斯蒂安·巴赫)  伊戈尔·斯特拉文斯基  慢板(近现代)(伊戈尔·斯特拉文斯基)  路德维希．范．贝多芬  俄罗斯民歌，Op．107，No．7(古典)(路德维希·范·贝多芬)  塔兰泰拉舞曲的传说  D小调塔兰泰拉舞曲(近现代)(亚历山丈·戈迪克)  卡尔．雷内克  挽歌，Op．183，No．2(浪漫)(卡尔·雷内克)  异国风情  西班牙舞曲，Op．61，**0(浪漫)(狄奥多·奥斯丁)  耶利米·克拉克和威廉三世  威廉国王进行曲(巴洛克)(耶利米·克拉克)  亚历山大·齐尔品  排钟(近现代)(亚历山丈·齐尔品)  标题音乐  农夫舞曲(浪漫)(奥斯卡·希劳克

 

 

内容简介

《钢琴名作演奏探索》套装版引自美国阿尔弗莱德公司，共分为六个级别，每级别分别包括“技巧”和“作品”分册。本套图书既是钢琴演奏技巧的讲解，又是钢琴经典作品的分析。浅显易懂，图文并茂。通过本套图书的学习，不仅可以获得演奏技巧的提高，更可以对“钢琴艺术”有更深的了解。

 

好的，这是一本关于中国传统戏曲音乐的深入研究与实践指导的图书简介。 --- 戏韵流光：中国地方戏曲声腔体系与演奏技法探析 内容提要 本书《戏韵流光：中国地方戏曲声腔体系与演奏技法探析》是一部系统梳理和深入剖析中国丰富多彩的地方戏曲声腔艺术的专业性学术专著。它以严谨的音乐学、民族音乐学和舞台艺术的视角，对中国数十个主要剧种的音乐元素、结构特征、表演规范及当代传承与发展路径进行了全面而细致的考察与论述。全书旨在为戏曲研究者、专业院校师生、舞台艺术工作者以及对中国传统文化有深厚兴趣的读者，提供一个全面、立体且富有洞察力的戏曲音乐知识体系。 本书不仅关注历史源流和理论建构，更侧重于一线实践中的音乐技术和审美范式。作者摒弃了传统戏曲书籍中常见的零散记载方式，力求构建一个逻辑清晰、层次分明的“声腔地图”。 第一篇：声腔的地理与历史谱系（溯源与宏观格局） 本篇是全书的理论基石，旨在为读者建立对中国戏曲音乐的宏观认知。 第一章：戏曲音乐的形成与早期形态 本章探讨了戏曲艺术从唐宋燕乐、宋元南戏、杂剧到明清传奇的发展脉络，重点分析了早期音乐结构中“曲牌体”的生成机制及其在不同地域的演变差异。详细比较了诸宫调、散曲与元杂剧板式唱腔的相互影响，特别是“宫调制”在确立戏曲音乐审美规范中的核心作用。 第二章：南北两大声腔体系的结构性差异 详尽对比了以昆曲为代表的“雅部”（或称“清雅之音”）与以梆子、高腔为代表的“花部”（或称“粗犷之音”）在音乐本体上的根本区别。 昆曲研究： 重点剖析“水磨腔”的旋律线条的婉转细腻，其严格的板式（如尺调、西皮、倒板）组合规律，以及对气息控制和润腔技巧的极致要求。 梆子与皮黄系统： 深入分析以“西皮”和“二黄”为核心的皮黄系统如何通过板眼变化（如慢板、流水板、散板）实现叙事功能的最优化，并探讨其在地方化过程中如何吸收和融合当地民歌元素。 第三章：区域性声腔的“地域音色”探究 本章按地理板块划分，细致描述了具有强烈地域色彩的独立声腔系统，分析其音乐语汇的独特性： 徽汉之声： 以徽剧和汉剧为核心，探讨其在皮黄系统形成初期的贡献，尤其是徽剧在声腔装饰音和帮腔运用上的特点。 高腔系统： 聚焦于以四川清音、嘉兴子遗、弋阳腔为代表的“高腔”，分析其独特的“上口字”（即装饰性的高音运用）对传统唱法造成的冲击与影响。 地方花部代表： 如秦腔的“板式多样性”与“颤音运用”，河北梆子的“高亢激越”与“哭腔化处理”，以及粤剧的“板腔结构与粤语声韵的耦合”。 第二篇：核心声腔的演奏技术与审美规范（微观技法与实践） 本篇是本书的实践核心，将抽象的理论转化为可操作的演奏技术指导。 第四章：板式结构与节奏的控制艺术 戏曲音乐区别于西方音乐体系的核心在于其“板式系统”。本章详细解析了戏曲的“板”（拍子）、“眼”（重音点）与“腔”（旋律进行）三者之间的互动关系。 慢板的“化板”与“散板”的“归板”： 阐述演员如何在不改变基本旋律框架下，通过自由处理板眼实现情感的层层递进和爆发，这要求演唱者对音乐呼吸点有超越乐谱的理解。 “过门”的结构功能： 分析过门（间奏）在推动剧情、转换情绪中的关键作用，以及不同剧种过门配器和旋律的规范。 第五章：腔体润饰与音色塑造 戏曲的“腔体”即是旋律的个性化表达。本章着重于如何通过精湛的技法，使单一的板腔发出具有“人味”的音乐效果。 颤、揉、滑、擞的精确运用： 对比分析不同剧种对同一类装饰音的使用习惯。例如，秦腔对“大颤”的偏爱与越剧对“轻揉”的细腻处理。探讨这些技巧如何服务于特定角色的性格塑造（如老生、花旦、武生）。 嗓音的“行当化”： 探讨戏曲声腔如何通过特殊的共鸣腔位（如喉位、鼻腔、胸腔）来确立“四大行当”（生、旦、净、丑）的声音特性。 第六章：伴奏乐器的职能与合奏逻辑 戏曲伴奏并非简单的旋律烘托，而是与唱腔紧密互动的“音乐对话者”。 主奏乐器的角色定位： 深度分析文场（如京胡、板胡、月琴）和武场（如大锣、小锣、铙钹）中，核心领奏乐器（如京胡之于京剧）如何在唱腔的起承转合中起到“提腔带板”的关键作用。 板鼓的指挥艺术： 详细解析板鼓（或中阮、三弦等）在指挥节奏、提示换板、控制速度方面的不可替代性，以及它如何与演员的口呼吸同步。 第三篇：传承与创新：当代戏曲音乐的实践与未来 本篇聚焦于现代语境下戏曲声腔的存续挑战与发展方向。 第七章：濒危声腔的抢救性记录与分析 本书收录了对数个在特定地域仅存少数老艺人的濒危声腔（如某些地方腔的特定板式）的田野调查成果，提供了详尽的唱谱和乐谱记录，以供学界保存和研究。 第八章：跨界融合中的音乐本体坚守 探讨当代戏曲在与交响乐、歌剧、乃至流行音乐结合时，如何处理“板腔体”与“固定调性体系”之间的张力。重点分析成功的改编案例中，对戏曲音乐核心韵味（即“精气神”）的保留策略。 读者对象 本书是戏曲音乐专业研究生的标准参考书，是戏曲学院的核心教材，也是资深戏迷和舞台工作者深入理解艺术内涵的必备工具书。它提供了一种超越剧目赏析的、科学而富有激情的音乐视角，去聆听和理解中国戏曲这“活着的化石”的深刻魅力。 --- （总字数：约 1500 字）

评分☆☆☆☆☆

我个人一直秉持的观点是，优秀的乐谱版本，其价值往往体现在那些“看不见”的标记上——那些细微的指法提示、踏板标记的精确位置，以及对乐句呼吸的建议。我非常期待南希·巴克斯女士在这本《演奏探索》中所做的编辑工作。好的编辑工作能有效地“翻译”作曲家的意图，帮助我们避开那些徒劳无功的练习弯路。如果她能提供一些非常规但极其有效的练习方法来攻克某些技术难关，而不是简单地重复传统的琶音或音阶练习，那这本书的收藏价值就会大大增加。我希望看到的是一种智慧的引导，一种能激发我主动思考“为什么这样弹”而非仅仅是“怎么弹”的教学哲学。这本书如果能做到这一点，它就不再是简单的“工具书”，而会成为我钢琴学习道路上的一位值得信赖的“精神导师”。

评分☆☆☆☆☆

从我粗略浏览的那些章节标题来看，这本书似乎采取了一种非常系统化的编排结构，它没有一上来就抛出那些华而不实的炫技曲目，而是循序渐进地将难度和深度进行铺垫。我留意到它似乎在某一特定篇幅中，着重讲解了巴洛克时期作品在触键深度和节奏处理上的特殊要求，这让我感到非常惊喜。因为很多教材在处理不同音乐风格的过渡时，往往显得生硬和笼统，未能深入挖掘不同时代对演奏美学要求的差异。如果这本书能真正做到对不同风格（比如古典、浪漫乃至近现代）的演奏技法进行细致的区分和专门的训练指导，那么它就远远超越了一般意义上的曲目集，而更像是一部微型的钢琴演奏史与技法手册的结合体。这种对音乐史和演奏实践的紧密结合，显示出编著者深厚的学术背景和丰富的实践经验。

评分☆☆☆☆☆

随书附赠的那个CD，对我来说简直是点睛之笔，它的存在，瞬间将这本书的实用性提升到了一个全新的高度。想象一下，一个正在摸索新曲目的学习者，光靠眼睛看谱，永远无法完全捕捉到作曲家或演奏家想要表达的微妙速度变化（Rubato）和力度层次（Dynamics）。有了原声的范例，我就可以反复聆听，并将自己的演奏与之进行细致的比对和校正。我猜想，这张CD里的录音质量一定非常出色，能够真实地还原出钢琴的音色和房间的声学效果，而不是那种过于“电子化”或失真的合成音。这种“听觉指导”是任何文字都无法替代的。它提供了一个清晰的目标，让学习者可以有一个明确的参照物去努力靠近，这对于建立正确的听觉审美和演奏习惯至关重要。对于那些渴望提升音乐性的非专业人士来说，这张附带的“听觉宝典”比厚厚的理论章节可能更有价值。

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学钢琴多年，却总感觉在某些技术瓶颈上难以突破的琴童家长，我对于市面上那些泛泛而谈的教学书籍已经感到有些麻木了。直到我看到这本《律动乐器 钢琴名作演奏探索 3》，我才重新燃起了希望的火花。我最看重的是它在“演奏探索”这个词上的着墨，这暗示了它并非只是枯燥的指法训练，而是更侧重于如何将乐谱上的符号转化为富有生命力的音乐表达。我特别好奇它会如何处理那些公认的难点，比如如何在高难度和弦进行中保持声音的连贯性，以及在快速音群中如何实现清晰度与速度的完美平衡。如果它能提供一些突破性的、不同于传统教材的思维框架，那这本书的价值就无可估量了。我希望它能像一位经验丰富的大师，用清晰而富有洞察力的语言，为我们揭示隐藏在音符背后的情感脉络与技术奥秘，真正做到“演奏”的“探索”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实抓住了我的眼球，那种深沉的墨蓝配上烫金的字体，散发着一种古典而又现代的艺术气息。我拿到手的时候，那种沉甸甸的质感，让我立刻意识到这不是一本随便印制的教材。光是翻开扉页，那细腻的纸张触感就让人心情愉悦，仿佛已经能预感到即将展开的音乐之旅会是多么的精致。我尤其欣赏出版社在装帧上所下的功夫，它不仅仅是一本书，更像是一件可以陈列在家中书架上的艺术品。这种对细节的重视，让我对内部内容的专业性也充满了期待。毕竟，一个好的“外衣”往往能更好地承载住深邃的“灵魂”，它在视觉上就成功地搭建起了一座通往高雅音乐殿堂的桥梁，让人迫不及待地想深入其中，去探寻那些被精心编排的旋律与技法。这本书的整体包装风格，无疑是为那些对音乐品质有极高要求的学习者量身定做的。