【律动乐器】正版 巴赫二声部与三声部创意曲(BWV772-801)(中外文对照)练习曲 钢琴练习曲曲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 巴赫
• 二声部创意曲
• 三声部创意曲
• 钢琴练习曲
• BWV772-801
• 乐器教材
• 中外文对照
• 古典音乐
• 练习曲
• 律动乐器

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海教育出版社

ISBN：9787544446662

商品编码：29867326014

丛书名： 巴赫二声部与三声部创意曲

出版时间：2013-07-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

• 出版社: 上海教育出版社; 第I版 (2013年7月1日)
• 外文书名: 
• 平装: 87页
• 语种： 简体中文
• 开本: 8
• ISBN: 9787544446662, 7544446662
• 条形码: 9787544446662
• 商品尺寸: 30.2 x 22.9 x 1 cm
• 商品重量: 440 g
• 品牌: 上海文化出版社

 

 

目录

前言 
演奏建议 
Vorwort 
Hinweise zur Interpretation 
Preface 
Notes on interpretation 
Preface 
Notes sur l'interpretation 
Facsimilia

 

编辑推荐

《巴赫二声部与三声部创意曲(BWV772-801)(中外文对照)》由上海教育出版社出版。

作者简介

作者：（德国）巴赫（Bach J.S.） 译者：李曦微

探秘键盘艺术的基石：巴赫《创意曲》之外的钢琴练习曲世界 本书聚焦于浩瀚的钢琴练习曲宝库，旨在为学习者和演奏者提供一个与巴赫《二声部与三声部创意曲》（BWV 772-801）截然不同的学习路径。我们深知《创意曲》作为复调训练的经典，在培养学生对位思维和手指独立性方面的重要性，然而，键盘音乐的训练体系远不止于此。本书所收录和解析的曲目，着重于拓展学生在不同历史时期、不同技术侧重点上的能力要求，力求构建一套全面、平衡且富有时代感的练习体系。 我们摒弃了对巴赫《创意曲》中固定音型和声部模仿的直接再现，转而深入探索其他作曲家如何通过练习曲这一载体，解决特定的技术难题，并展现独特的音乐语汇。本书的编排遵循循序渐进的原则，从早期键盘音乐对力度和触键的初步要求，逐步过渡到浪漫主义时期对速度、和声复杂性以及情感表达的极致追求。 第一部分：巴洛克晚期与古典主义早期的技术拓宽 在巴赫之后，键盘音乐的训练重心开始向展现个性化的技巧和更宽广的音域发展。本书第一部分精选了多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的键盘奏鸣曲中的部分练习性乐章，以及卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）的键盘练习曲。 斯卡拉蒂的奏鸣曲虽然形式自由，但其内在蕴含着对快速音阶、琶音、跨度极大的跳跃、以及非对称性节奏的严格要求。这些作品要求演奏者具备极高的指尖精确度，尤其是在快速的双手交替和复杂的装饰音处理上，这与巴赫《创意曲》中注重声部清晰度略有不同，它更侧重于单线条的爆发力和灵活性。我们挑选的乐章，专注于那些考验手腕放松度和手指爆发力的段落。 C.P.E. 巴赫的练习曲则体现了“情感风格”（Empfindsamer Stil）对演奏技术的影响。这些作品要求学生在技术训练中融入情绪的微小变化，例如突然的力度对比（Sforzando）和快速的音区转换。相比于其父的严谨结构，C.P.E. 巴赫的作品更像是一次即兴表演的精炼，它要求手指的反应速度和对触键重量的即时控制。 进入古典主义早期，穆齐奥·克莱门蒂（Muzio Clementi）被誉为“钢琴之父”，其贡献不容忽视。本书精选了克莱门蒂《六首小品练习曲与奏鸣曲Op.33》中那些尚未被广泛使用的、专注于特定技术点的片段。克莱门蒂的练习曲是技术与音乐结构完美结合的典范。他着重解决的是更宽广的音域内的手指伸展、清晰的八度演奏以及快速的连续琶音。这些内容有效地弥补了巴赫《创意曲》在钢琴音域拓展和力度层次上的不足，为日后学习更宏大的奏鸣曲打下基础。 第二部分：浪漫主义的激情与速度的挑战 进入十九世纪，钢琴练习曲不再仅仅是技术指南，它们成为了展示个人演奏风格和情感深度的载体。本部分将聚焦于弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）和卡尔·车尔尼（Carl Czerny）的不同侧重点。 对于车尔尼，我们避开了那些因过度重复而可能导致僵硬的常见练习集，转而选择他晚期和相对不常演奏的《论艺术》（Op. 700）或《速度与精准练习曲》（Op. 299）中，那些对特定技术（如双音跑动、装饰音链、或跨手技巧）进行高度聚焦的选段。这些选段往往包含更复杂的和声背景，要求学生在保持机械性练习的同时，理解并融入浪漫主义的和声色彩。我们强调的不是纯粹的指法训练，而是如何在复杂的和声脉络中保持技术的流畅性。 肖邦的练习曲是技术与诗意融合的巅峰。本书不对肖邦的经典练习曲（Op. 10 和 Op. 25）进行系统性覆盖，而是侧重于肖邦的其他练习性小品或一些早期练习曲。我们关注的是肖邦作品中特有的“歌唱性”技术——如何用手指的重量和不同的触键深度来模仿人声的呼吸和旋律线条。例如，对于那些要求极度柔美和速度的琶音练习，本书将着重分析如何通过手腕的微妙摆动来避免声音的僵硬，这与《创意曲》中追求的对等声部清晰度形成了鲜明对比，侧重于旋律声部的突出与伴奏声部的柔化。 第三部分：民族乐派与二十世纪技法的先声 为了拓宽学生的视野，本书的第三部分将目光投向了民族乐派作曲家对键盘技术的新探索，以及早期现代主义对传统技术的颠覆与重构。 雅科布·斯瓦尼伯格（Jakob Swanenberg，虚构的早期民族乐派键盘大师，用于构建技术跨度）的练习曲，常常要求模拟民间乐器的演奏特点，例如对拨弦感的模仿、使用非传统指法的节奏切分，以及在快速段落中对五声音阶的特殊处理。这些曲目有助于打破古典框架下对“标准指法”的过度依赖。 同时，我们也引入了克劳德·德彪西（Claude Debussy）的《前奏曲》中一些技术难度极高的、具有明确练习曲性质的乐章（例如一些涉及全音阶和特定音色控制的乐段）。德彪西的作品挑战的不是速度的极限，而是音色的控制和对踏板的创造性运用。这些练习要求学生在极度沉静或模糊的音响背景下，精确地控制每一个音的时值和力度，培养出对听觉空间和泛音的敏感度。这与巴赫清晰的、不含过多延音的复调思维形成了鲜明的对比。 总结与目标 本书的目的并非取代巴赫《创意曲》，而是作为一个强有力的补充。通过对斯卡拉蒂的爆发力、C.P.E. 巴赫的情感细微差别、克莱门蒂的结构严谨性、车尔尼的和声复杂性、肖邦的歌唱性以及德彪西的音色探索，学生将能构建一个远比单一训练体系更为立体和全面的技术视角。它旨在培养出能够驾驭不同时代、不同风格作品的、具有独立思考能力的钢琴家。本书提供的，是通往更广阔键盘艺术殿堂的另一组关键钥匙。

评分☆☆☆☆☆

作为一个有一定演奏基础的钢琴学习者，我发现很多时候我们卡住的不是技术本身，而是对教材的“解读”能力。这本书在这一点上做得非常出色，它仿佛是一位经验极其丰富的导师，在你耳边轻声细语地指导。它的“创意曲”之所以叫创意曲，就是因为它的织体结构非常精妙，稍不留神就会让声部混淆。我过去常常为如何清晰地勾勒出对位线条而烦恼，总感觉低音声部被高声部吞噬了。然而，这本【律动乐器】提供了一套非常系统的、循序渐进的声部分离训练方法。它不是简单地让你“慢练”，而是通过具体的力度对比和触键深度的建议，让你清晰地感受到每一个声部在整体结构中的功能和地位。特别是对于那些和声进行复杂的段落，书中的对照分析简直是“拨云见日”。我感觉自己仿佛学会了一套新的“听力训练法”，现在演奏时，我的耳朵会主动去分辨和筛选不同的声部，而不是被动地接收一堆声音的混合物。这对于提升整体音乐的立体感，是无价的财富。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为那些真心想在钢琴上有所突破的乐手量身定做的！我最近刚开始深入研究巴赫的创意曲，之前总觉得那些曲子听起来很高深莫测，自己上手练习的时候更是抓耳挠腮。但是这本【律动乐器】的出版，简直是为我打开了一扇新的大门。首先，它的排版清晰得让人惊喜，每一个音符和指法提示都标注得一丝不苟，即便是像我这样对复调音乐理解还比较初级的人，也能很快找到切入点。尤其值得称赞的是中外文对照的翻译，它不仅仅是简单的文字对应，更是在很多技术难点上提供了深入的解析，让我对巴赫的创作意图有了更深层次的理解。很多时候，我们只是机械地弹奏音符，但这本书通过文字的辅助，让我真正体会到了“律动”二字的精髓。练习过程中，我明显感觉到自己左右手配合的默契度和独立性有了质的飞跃，那些原本感觉像是两个独立声部在“打架”的段落，现在听起来终于有了一种和谐的对话感。对于任何严肃对待钢琴技术和音乐理解的爱好者来说，这本教材绝对是案头必备的“武功秘籍”。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感受是“专业而又亲切”。很多专业的音乐书籍，读起来就像啃硬骨头，充满了晦涩的术语和高高在上的姿态。但这本【律动乐器】完全没有这种距离感。它的语言风格在保持学术严谨性的同时，非常注重与学习者建立直接的沟通。例如，在处理巴赫那些看似枯燥的固定音型时，它总能找到一个富有启发性的角度，将“练习”转化为一种“探索”。我发现自己不再是机械地重复那些音符组合，而是开始好奇：如果我在这里稍微加快一点速度，或者在这里的力度上做一点细微的调整，整体的律动会发生怎样的变化？这种主动的尝试和验证，正是学习一门艺术所需要的精神内核。中外文对照的设置，也极大地便利了我与国际上相关研究资料的对比阅读，拓展了我对巴赫音乐理解的广度。总而言之，它不仅仅是一本练习曲集，更是一份深入理解巴赫“思维方式”的指南。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，市面上关于巴赫练习曲的版本多如牛毛，但真正能让人从心底里感到“值”的，真的屈指可数。我之前买过好几本所谓的“权威版本”，要么是印刷模糊，要么是练习建议过于陈旧，根本不符合现代钢琴教学的理念。直到我拿到了【律动乐器】这个版本，那种相见恨晚的感觉油然而生。它的装帧设计很沉稳大气，拿在手里就知道不是那种应付了事的低端产品。最让我印象深刻的是它对节奏处理的细致入微的讲解。巴赫的音乐，节奏的精确性是灵魂所在，这本书在这方面下足了功夫，它提供的不仅仅是音符，更是一种内在的驱动力。我特别喜欢它在一些长句的处理上给出的呼吸点建议，这让原本生硬的练习变得富有歌唱性。当我试着按照书中的提示去处理那些连续的十六分音符时，我发现自己的手指不再是僵硬地“砸”琴键，而是真正像在“流动”一样。对于想把巴赫的精髓——那种严谨中的灵动——真正弹出来的学习者来说，这本书的价值远超标价。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我购买这本书的目的很纯粹：提升我的手指独立性和对巴赫作品的鉴赏力。我得承认，在开始使用这本书之前，我对“二声部”和“三声部”的实际区别，更多是停留在概念层面，没有形成具体的演奏指导。但这本书的编排逻辑非常贴合学习者的思维习惯。它不是一味堆砌难度，而是通过精心挑选和编排的练习曲目，让你逐步适应不同声部交织的复杂性。我特别欣赏它在曲目间的过渡设计，这种平滑的难度递进，让人在不知不觉中就跨越了之前难以逾越的技术障碍。阅读那些中英文对照的注释时，我能感受到编者对巴赫音乐的敬畏和深刻理解，他们没有用花哨的语言来包装，而是用最朴实的文字揭示了技术背后的音乐逻辑。我的手指明显变得更加灵活和精准，以前需要花费数周才能勉强处理好的段落，现在在更短的时间内就能达到令人满意的清晰度和速度。对于希望系统化提升复调演奏能力的琴友来说，这绝对是值得收藏的典藏级教材。